Edward Lee Morgan (7 10, 1938 hasta febrero 19, 1972) fue un estadounidense hard bop trompetista. Biografía Edward Lee Morgan nació en Filadelfia, Pensilvania, el 10 de julio de 1938, el más joven de los cuatro hijos de Otto Ricardo y Nettie Beatrice Morgan. Un trompetista líder y compositor, grabó prolíficamente a partir de 1956 hasta un día antes de su muerte en febrero de 1972. Originalmente interesado en el vibráfono, pronto mostró un entusiasmo creciente por la trompeta. Morgan también sabía tocar el saxofón alto. En su decimotercer cumpleaños, su hermana Ernestina le dio su primera trompeta. Su influencia estilística primaria fue Clifford Brown, con quien tomó algunas lecciones cuando era un adolescente. Se unió a la de Dizzy Gillespie Big Band a los 18, y permaneció un año y medio, hasta que la situación económica lo obligó a retirarse de la misma en 1958. Él comenzó a grabar para Blue Note Records en 1956, con el tiempo grabó 25 álbumes como líder para la empresa, con más de 250 músicos. También grabó en la etiqueta Vee-Jay y un álbum de Riverside Records. Apareció en varias de las primeras grabaciones de Hank Mobley , así como en John Coltrane 's Blue Train (1957), en la que interpretó a una trompeta con una campana en ángulo (que le dio Gillespie) y pronunció uno de sus más célebres solos en la pista del título.
Se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey en 1958 desarrollado aún más su talento como solista y compositor. Él estuvo de gira con Blakey durante unos años, y se presentó en numerosos álbumes con los Messengers, incluyendo Moanin ', que es una de las grabaciones más conocidas de la banda. Cuando Benny Golson dejó a los Jazz Messengers, Morgan persuadió a Blakey en contratar a Wayne Shorter, un joven saxofonista tenor, para llenar la silla. Esta versión de los Jazz Messengers, entre ellos el pianista Bobby Timmons y el bajista Jymie Merritt, grabó el clásico álbum The Freedom Rider. Los problemas de drogas de Morgan y Timmons los obligaron a dejar la banda en 1961, y el trompetista regresó a Filadelfia, su ciudad natal. Según Tom Perchard, un biógrafo de Morgan, era Blakey quien introdujo el trompetista a la heroína, lo que impidió la progresión en su carrera.
Lee Morgan (1959) Al regresar a Nueva York en 1963, grabó The Sidewinder (1963), que se convirtió en su mayor éxito comercial. La canción estuvo en las listas de éxitos en 1964, y sirvió como tema de fondo para anuncios de televisión en Chrysler durante la Serie Mundial. La melodía fue utilizada sin el consentimiento de Morgan o Blue Note, y la intercesión por los abogados de la etiqueta llevó retirar el comercial. Morgan continuó grabando prolíficamente, produciendo obras como Search for the New Land (1964), que alcanzó el top 20 de las listas de R & B. También brevemente se reincorporó a los Jazz Messengers después de su sucesor, Freddie Hubbard, se uniese a otro grupo. Junto con John Gilmore, esta formación fue filmada por la BBC para el programa de televisión de jazz seminal Jazz 625.
Como los años 60 progresaron, grabó una veintena de discos adicionales como líder, y continuó grabando como acompañante en los álbumes de otros artistas, incluyendo Wayne Shorter's Night Dreamer; Stanley Turrentine's Mr. Natural; Freddie Hubbard's The Night of the Cookers; Hank Mobley's Dippin', A Caddy for Daddy, A Slice of the Top, Straight No Filter; Jackie McLean's Jackknife and Consequence; Joe Henderson's Mode for Joe; McCoy Tyner's Tender Moments; Lonnie Smith's Think and Turning Point; Elvin Jones' The Prime Element; Jack Wilson's Easterly Winds; Reuben Wilson's Love Bug; Larry Young's Mother Ship; Lee Morgan and Clifford Jordan Live in Baltimore 1968; Andrew Hill's Grass Roots; así como en varios álbumes con Art Blakey y los Jazz Messengers. Llegó a ser políticamente más involucrado en los dos últimos años de su vida, convirtiéndose en uno de los líderes del Jazz y el Movimiento Popular. El grupo se mostró durante la grabación de entrevistas y espectáculos de variedades en 1970 a 71 en protesta por la falta de artistas de jazz como artistas invitados y los miembros de las bandas de los programas. Su banda de trabajo durante los últimos años tuvo de invitados como Billy Harper y Bennie Maupin, al pianista Harold Mabern, el bajista Jymie Merritt y bateristas Mickey Roker o Freddie Waits. Muerte Morgan murió en las primeras horas del 19 de febrero de 1972, en el Salón de Slug, un club de jazz en la ciudad de Nueva York 's East Village, donde su banda estaba tocando. Después de un altercado entre la concubina de Morgan, Helen, le disparó. Las lesiones no fueron inmediatamente fatales, pero la ambulancia tardó en llegar a la escena ya que la ciudad había experimentado una fuerte nevada que se tradujo en condiciones de conducción extremadamente difíciles. Ellos tomaron tanto tiempo para llegar allí que Morgan murió desangrado. Él tenía 33 años. Helen Morgan fue arrestada y pasó un tiempo en prisión antes de ser puesta en libertad condicional.Después de su liberación, Helen Morgan regresó a su natal Carolina del Norte, donde murió de una afección cardíaca marzo 1996 . Fuente: https://en.wikipedia.org/wiki/Lee_Morgan
Alonzo "Lonnie" Johnson (08 de febrero 1899 - 16 de junio 1970) fue un estadounidense de blues y jazz cantante / guitarrista, violinista y compositor siendo uno de los pioneros en el papel de la guitarra de jazz y el violín de jazz, y es reconocido como el primero en tocar un violín eléctrico amplificado.
Inicios de su carrera Johnson nació en Nueva Orleans, Louisiana, y se crió en una familia de músicos. Estudió violín, piano y guitarra cuando era niño, y aprendió a tocar otros instrumentos como la mandolina, pero se concentró en la guitarra a lo largo de su carrera profesional. "Había música a nuestro alrededor", recordó, "y en mi familia es mejor que toques algo, incluso si sólo golpeas una lata." Lonnie Johnson fue pionero en el "single-string" de la guitarra solista que se ha vuelto costumbre en el rock moderno, el blues y el jazz. En su adolescencia, él tocaba la guitarra y el violín en la banda de la familia de su padre en los banquetes y bodas, junto a su hermano James "Roll Steady" Johnson. También trabajó con el trompetista de jazz Punch Miller en la ciudad de Storyville district. En 1917, Johnson se unió a una revista que recorrió Inglaterra, volviendo a su casa en 1919 para descubrir que toda su familia, excepto su hermano James, habían muerto en la epidemia de gripe de 1918. Él y su hermano se instalaron en San Louis en 1921. Los dos hermanos realizaron un dúo, y Lonnie también trabajó en las barcas, que trabajan en las orquestas de Charlie Creath y Fate Marable. En 1925 se casó, y su esposa Mary pronto comenzó a seguir una carrera de blues en su propio derecho, actuando como Mary Johnson persiguiendo una carrera musical desde 1929 hasta 1936. Ella no debe ser confundida con la cantante de soul y gospel del mismo nombre. Como suele ser el caso de los primeros artistas de blues, la información sobre la señora Johnson es a menudo contradictoria y confusa. Muchas fuentes en línea dan su nombre antes del matrimonio como Mary Smith, y el estado que ella comenzó a actuar en su adolescencia. Sin embargo, el autor James Sallis da su nombre solo como Mary Williams, y afirma que su interés por el material de escritura y performances de blues comenzó cuando ella comenzó a ayudar a Lonnie a escribir canciones, y se desarrolló a partir de ahí. Curiosamente, los dos nunca grabaron juntos. Tuvieron seis hijos antes de su divorcio en 1932. El éxito en la década de 1920 y 1930. En 1925, Johnson participó y ganó un concurso de blues en el Teatro Booker T. Washington en St. Louis, el premio de ser un contrato de grabación con Okeh Records. A su pesar, fue entonces etiquetado como un artista de blues, y más tarde tuvo dificultades para ser considerado como cualquier otra cosa. Más tarde dijo: "Supongo que habría hecho cualquier cosa para ser grabado -. Era alguien que acababa de pasar por un concurso de blues, así que canté el blues". Entre 1925 y 1932 realizó cerca de 130 grabaciones para el sello Okeh. Fue llamado a Nueva York para grabar con los principales cantantes de blues de la época, entre ellos Victoria Spivey y el cantante de country blues Alger "Texas" Alexander. También estuvo de gira con Bessie Smith's T.O.B.A. show.
En diciembre de 1927, Johnson fue grabado en Chicago como artista invitado con Louis Armstrong y su Hot Five, emparejado con el banjoist Johnny St. Cyr. Tocó en los lados "I'm Not Rough", "Savoy Blues", y "Hotter Than That."En 1928 se registraron "Hot and Bothered", "Move Over", y "The Mooche" con Duke Ellington en Okeh Records; También grabó con un grupo llamado The Chocolate Dandies (en este caso, McKinney's Cotton Pickers). Fue pionero en el solo de guitarra en el 1927 pista "6/88 Glide" y muchas de sus primeras grabaciones lo mostraron tocando solos en guitarras de 12 cuerdas en un estilo que influyó en los guitarristas de jazz futuros como Charlie Christian y Django Reinhardt, y dio al instrumento un nuevo significado como una voz de jazz. Se destacó en piezas puramente instrumentales, algunos de los cuales grabó con el guitarrista de jazz Eddie Lang llamado artísticamente "Blind Willie Dunn", a quien se unió a en 1929. Estas grabaciones fueron de las primeras en la historia que cuentan con músicos blancos y negros actuando juntos.Se dice que el seudónimo de Lang "Blind Willie Dunn" vino de un vendedor de periódicos que Lang era amigo, pero algunos historiadores de Jazz dudan de esa afirmación y sugieren que el nombre era un gesto comercial, diseñado para sacar provecho de la popularidad de los afroamericanos-guitarristas de blues como Blind Lemon Jefferson y Blind Blake. Gran parte de la música de Johnson ofreció improvisaciones experimentales que ahora se clasifican como de jazz en lugar de blues. De acuerdo con el historiador de blues Gérard Herzhaft, Johnson era "sin duda el creador del solo de guitarra que se ha convertido en el estándar de jazz, blues, country y rock". El estilo de Johnson alcanzó tanto a los músicos de blues del Delta y los musicos urbanos que lo adaptaban y desarrollaban al blues eléctrico. Sin embargo, el escritor Elías Wald ha escrito que, en los años 1920 y 1930, Johnson fue mejor conocido como cantante sofisticado y urbano en lugar de un instrumentista - "De los anuncios del cuarenta de sus discos que aparecieron en el Chicago Defender entre 1926 y 1931, ni uno siquiera mencionó que tocaba la guitarra." Composiciones de Johnson representan a menudo las condiciones sociales que tuvieron que confrontar los afroamericanos urbanos ("Racketeers' Blues", "Hard Times Ain't Gone Nowhere", "Fine Booze and Heavy Dues"). En sus letras se apoderó de los matices de las relaciones amorosas entre hombres y mujeres de una manera que va más allá del "sentimentalismo Tin Pan Alley". Sus canciones muestran una habilidad para comprender las angustias de los demás que Johnson vio como la esencia de su blues. Después de tener una gira con Bessie Smith en 1929, Johnson se trasladó a Chicago, y grabó para Okeh con el pianista James P. Johnson. Sin embargo, con la desaparición temporal de la industria de la grabación de la Great Depression, Johnson se vio obligado a hacer una "living outside music", trabajando en una fábrica de acero en Peoria, Illinois. En 1932 se trasladó de nuevo a Cleveland, Ohio, donde vivió el resto de la década. Allí, él tocó intermitentemente con la banda del vocalista y cantante Putney Dandridge, y actuó en programas de radio. A finales de la década de 1930, sin embargo, él estaba grabando y actuando en Chicago por Decca Records, trabajando con Roosevelt Sykes y Blind John Davis , entre otros. En 1939, durante una sesión para el Bluebird Label con el pianista Joshua Altheimer, Johnson utilizó una guitarra eléctrica por primera vez. Grabó 34 pistas para Bluebird en los próximos cinco años, incluyendo los hits "He's a Jelly Roll Baker" y "In Love Again". Carrera posterior
Después de la Segunda Guerra Mundial, Johnson hizo la transición hacia el rhythm and blues, grabando para King Records en Cincinnati, y teniendo un gran éxito en 1948 con "Tomorrow Night", escrito por Sam Coslow y Will Grosz. Esta encabezó la cartelera "Race Records" durante aproximadamente 7 semanas, también fué # 19 en las listas de éxitos, y había informado de las ventas de tres millones de copias. Una balada de blues con acompañamiento de piano y cantantes de fondo, la canción tenía poco parecido con gran parte de los blues anteriores de Johnson y material de jazz. Los seguimientos "Pleasing You", "So Tired" y "Confused" También serían grandes R & B hits. En 1952 Johnson recorrió Inglaterra. Tony Donegan, un músico británico, rindió homenaje a Johnson, cambiando su nombre a Lonnie Donegan. Aunque se cree que las actuaciones de Johnson fueron mal recibidas por el público británico, esto también puede haber sido debido a problemas de organización en torno a la gira. Después de regresar a los EE.UU., Johnson se trasladó a Filadelfia. Su carrera había sido una montaña rusa que a veces lo alejaba de la música. Entre los grandes logros musicales, que había visto en la necesidad de tomar trabajos menores que van desde trabajar en una fundición de acero y fregar suelos como conserje. Dejó caer poco a poco nuevamente su música en la década de 1950, y tomó los trabajos de limpieza de baja categoría; estaba trabajando en Filadelfia 's Benjamin Franklin Hotel en 1959, cuando QUÉ-FM disc jockey Chris Albertson pensó en él y produjo un álbum de regreso, para el prestigioso Bluesville Records label, nombrado "Blues by Lonnie Johnson". Esto fue seguido por otros álbumes, incluyendo uno (Blues & Ballads) con el ex jefe de Ellington, Elmer Snowden, que había ayudado a Albertson a localizar a Johnson. Siguió un compromiso en Chicago para Johnson en el Club Playboy y esta sucesión de acontecimientos le coloca de nuevo en la escena de la música en un momento fortuito: el público joven estaba abrazando la música popular y muchos artistas veteranos fueron saliendo de la oscuridad. En poco tiempo, Lonnie Johnson se encontró reunido con Duke Ellington y su orquesta, y apareciendo como invitado especial en un concierto popular de las estrellas, ambas actuaciones se llevaron a cabo en el Ayuntamiento,en la ciudad de Nueva York. En 1961, Johnson se reunió con su antigua compañera de grabaciones en Okeh , Victoria Spivey, para realizar otro álbum, Idle Hours, y los dos cantantes realizaron su performance en Gerdes Folk City. En 1963 realiza una gira por Europa como parte del American Folk Blues Festival show, con Muddy Waters y otros, y grabó un álbum con Otis Spann en Dinamarca. En mayo de 1965, toca en un club en Toronto ante una audiencia de cuatro personas. Dos semanas más tarde, sus espectáculos en un club diferente atrajeron a un público más amplio y Johnson, también alentado por la armonía racial relativa de Toronto, decidió trasladarse a la ciudad. Abrió su propio club, Home of the Blues, en Toronto Yorkville Avenida en 1966, pero fue un fracaso comercial y Johnson fue despedido en última instancia, por el hombre que se convirtió en propietario. En el resto de la década grabó y tocó en locales y clubes en Canadá, y realizó varias giras regionales. En marzo de 1969, fue atropellado por un coche mientras caminaba por una acera en Toronto. Johnson resultó gravemente herido, sufriendo una fractura de cadera y lesiones renales. Un concierto benéfico se celebró el 4 de mayo de 1969, con dos docenas de actos, entre ellos Ian y Sylvia, John Lee Hooker y Hagood Hardy. Johnson nunca se recuperó de sus heridas y sufrió lo que se describió como una apoplejía en agosto. Él fue capaz de volver al escenario para una actuación en el Massey Hall el 23 de febrero de 1970, a caminar con la ayuda de un bastón para cantar un par de canciones con Buddy Guy y recibir una ovación de pie. Él murió el 16 de junio de 1970 y aunque un funeral se llevó a cabo por él en Mount Hope Cemetery en Toronto por sus amigos y compañeros músicos, miembros de su familia insistieron en trasladar el cuerpo a Filadelfia, donde fue enterrado. En 1993, el Smithsonian Folkways lanzó The Complete Folkways Recordings, antología de Johnson. Él había sido presentado en varios álbumes de blues de compilación, en Folkways, a partir de la década de 1960, pero nunca había lanzado un álbum en solitario con esa etiqueta en su vida. Johnson fue incluido póstumamente en el Louisiana blues Salón de la Fama en 1997. Lonnie Johnson aparece como personaje en Who Do You Love? (2008), una película que dramatiza la vida de Leonard Chess, protagonizada por Alessandro Nivola, David Oyelowo y TJ Hassan como Johnson. La película fue dirigida por Jerry Zaks. Las grabaciones de Lonnie Johnson son las primeras en guitarra que muestran un estilo de los solos de una sola nota con el uso de la cadena de flexión y el vibrato. Si bien no se puede probar que este contiene la influencia de los jugadores anteriores que no se registran, es el origen del blues y el solo de guitarra de rock. La influencia de Johnson es obvio en Django Reinhardt, T-Bone Walker y prácticamente todos los guitarristas de blues eléctrico. Fuente: https://en.wikipedia.org/wiki/Lonnie_Johnson_(musician) http://www.redhotjazz.com/gin.html
Jaco Pastorius, el hombre que revolucionó la forma de tocar el bajo y que es, para muchos, el mejor y más influyente bajista que ha existido, no comenzó su vida musical tocando el bajo. En cambio, el hombre que iba a ser el maestro de la bajo eléctrico fretless era un baterista. Jaco era baterista, al igual que su padre, Jack Pastorius, un músico de big band y cantante. Jaco fue el primero de los tres hijos de Jack y su esposa, Stephanie. Nació el 1 de diciembre de 1951 en Norristown, Pennsylvania, cerca de Filadelfia. John Francis Anthony Pastorius recibió rápidamente un apodo por sus padres - "Jocko", que se transformaría en "Jaco" a principios de 1970 cuando un amigo músico de origen francés, Alex Darqui, le llamaba así por error. A Jaco le gustó la palabra alternativa, y lo mantuvo. Cuando Jaco tenía casi ocho años de edad, su familia se mudó a Oakland Park, Florida, cerca de Fort Lauderdale. Jaco era un chico competitivo y dulce, a quien le encantaba jugar, especialmente al fútbol. Al igual que su padre, el también que estaba interesado en la música, y compró un kit de batería pequeña con el dinero ganado como repartidor de periódicos. Sus dos intereses chocaron en 1964 durante una práctica de fútbol de la liga juvenil en el que la muñeca de Jaco fue gravemente herida, hasta el punto de que, finalmente, requiere una cirugía correctiva. Jaco continuó tocando la batería después de eso, pero fué mucho más difícil luego de ese golpe en la práctica.
Jaco se convierte en un bajista
De todos modos, consiguió conciertos como baterista, y en 1966, cuando aún estaba en la escuela secundaria, se unió a la banda de covers de soul, Las Olas Brass. Cuando un baterista con más experiencia se presentó a la banda, algo fatídico ocurrió: el bajista de la banda decidió seguir adelante y tuvo que abandonar el grupo. Aunque Jazo no era un bajista, se deslizó hacia la ranura vacía. Él utilizó el dinero que ganaba como repartidor de periódicos para hacer otra compra musical. Esta vez, compró un nuevo bajo Fender Jazz. Fue durante esta época que un indicio de futuras capacidades de Jaco comenzó a aparecer. Él no sabía leer música, pero en 1968 con una grabadora prestada de su amigo Bob Meneo, el grabó su versión de “The Chicken” de Pee-Wee Ellis. Jaco tocaba todos los instrumentos en la grabación, que envió a la viuda de John Coltrane, Alice, que sabía de música. Ella le devolvió el favor al responder con una carta alentadora. En años posteriores, “The Chicken” se convirtió en uno de los alimentos básicos en conciertos de Jaco. Con su interés por el jazz, Jaco también adquirió un contrabajo. Pero, no fue fácil de mantener y eventualmente lo cambió por otro bajo eléctrico. Más tarde, conseguiría un tono upright-like con un fretless eléctrico. Algo más sucedió durante este período de su vida. Conoció a una chica llamada Tracy Lee, que estaba destinado a convertirse en su primera esposa. Después de Las Olas Brass, Jaco pasó a tocar en un trío de R & B llamado Woodchuck. Su forma de tocar el bajo creció mientras él estaba en el trío. Su hermano menor Rory recuerda un intercambio con Jaco, que estaba a punto de cumplir los 18 años, se detalla en el libro de Bill Milkowski, Jaco: La vida extraordinaria y trágica de Jaco Pastorius . "Él me miró a los ojos y dijo, bienes en serio," Rory, hombre, yo soy el mejor bajista en la tierra. ' Lo miré de nuevo a él y le dije: 'Yo lo sé' ". Aunque Jaco se mostraba confiado, él también podía ser humilde. En su carrera más tarde, fue conocido por decir: "Yo estoy haciendo una muy mala imitación en el bajo de Jerry Jemmott. . . ". Durante sus días en Woodchuck, Jaco también creció de otra manera. Se convirtió en un esposo y padre. Él y Tracy se casaron en agosto de 1970, y su hija María nació en diciembre de ese año. Posteriormente llevó adelante conciertos en cruceros, y su joven familia viajó con él hacie el Caribe. Su tocar tubo un quiebre fundamental cuando si unió a la banda: Wayne Cochran and the C.C. Riders.
Una Educación Musical Whirlwind y Crecimiento
Pasó cinco meses en el grupo de R & B liderada por el cantante de soul blanco Cochran, y como lo había hecho en el crucero, encontró una manera para que Tracy y su hija, María, viajaran con él a veces. Jaco no bebía ni se drogaba, todo el tiempo lo dedicaba a tener el bajo entre sus manos. Aprendió a leer música durante su temporada con el grupo en 1972. El miembro de la banda Charlie Brent también le dio Jaco un curso acelerado e influyente en la organización. Brent recuerda a Jaco apareciendo con una carta de la banda, tres días después de tener una larga conversación acerca de la organización. Era precioso, dijo Brent. "Fue este talento en bruto que evoluciona ante nuestros ojos." (Milkowski, Pág. 45). Revue de larga duración de Cochran fue intensa, y se dice que ha inspirado la John Belushi y Dan Aykroyd para la creación de los "The Blues Brothers". Mientras se desarrolló como bajista, Jaco había experimentado con la creación de bajos sin trastes. A principios de la década de 1970, adquirió un Fender bass 1962 Jazz (sin trastes). Después que su tiempo con Cochran terminó, regresó a la Florida. Tocó con la Peter Graves Orchestra, conectado con el saxofonista-trompetista Ira Sullivan y conoció a el gran guitarrista de jazz Pat Metheny. Jaco comenzó a tocar en un cuarteto de jazz con Sullivan con un sonido Jazz, pero con influencias funk y R & B. También proporcionó una salida para las composiciones de Jaco, varias de las cuales, al igual que "Continuum", aparecieron en su primer álbum en solitario. En 1973, Jaco y Tracy añaden otro niño a la familia - John Francis Pastorius IV. Durante el invierno Jaco se había conectado con el pianista de jazz Paul Bley. Al año siguiente, Jaco entró en un estudio e hizo una sesión de demostración con canciones que aparecerían en su álbum solista. Jaco, Metheny, Bley y el baterista Bruce Ditmas crearon un álbum en conjunto, llamado Jaco, en 1974. Y, durante un viaje a la famosa Berklee College of Music en Boston, Jaco mostró a los estudiantes cómo logró su sonido. Incluso terminó como instructor adjunto en la Universidad del departamento de jazz de Miami, entonces encabezado por Bill Lee, padre de otro futuro famoso bajista: Will Lee, mejor conocido por el público en general por su trabajo en la televisión nocturna en el programa de David Letterman. Pero Jaco no amaba tanto la enseñanza, y algo que sucedió cambió su vida. Bobby Colomby, el baterista y líder de Blood, Sweat & Tears, estaba en Fort Lauderdale para un concierto cuando vio a Tracy Pastorius en la playa. Ella pensó que era buen mozo y empezaron a hablar. Ella le dijo que su marido "es el mejor bajista del mundo." Colomby buscaba artistas para la división de jazz Epic Records. Decidió ver tocar a Jaco. Cuando lo vió en acción, rápidamente le ofreció a Jaco un contrato discográfico. Jaco firmó en septiembre de 1975 y un mes más tarde, él estaba grabando Jaco Pastorius .
Jaco Pastorius (1975)
El álbum tenía una amplia gama de estilos, desde el jazz latino a R & B y al funk. El legendario R & B dúo Sam & Dave en "Come On, Come Over." Herbie Hancock apareció en el álbum. La composición, el “Portrait of Tracy,”encontró a Jaco en solitario haciendo un uso extraordinario de los armónicos. Grabando el álbum, Jaco hizo una incursión en el mundo del rock después de reunirse con el músico británico Ian Hunter, de Mott the Hoople, y contribuyó en las partes de bajo a Hunter Alien Boy All-American álbum en solitario, que, como el debut en solitario de Jaco, era lanzado en 1976, año del bicentenario de Estados Unidos, cosa que también encontró a Jaco siendo presentado en el álbum de Metheny, Bright Size Life , registrado a finales de 1975. En los años muy activos de 1974 y 1975, Jaco también se comunicó con Joe Zawinul, líder de la banda de jazz fusión Weather Report. Al encontrarse con Zawinul después de un 1974 Weather Report concierto, Jaco se presentó llamandose a sí mismo "el más grande bajista en el mundo." Zawinul no concretó en ese momento, pero después de recibir una mezcla temprana de álbum en solitario de Jaco, decidió llamar el bajista cuando Weather Report necesitaba un bajista a finales de 1975. Jaco se unió al grupo y estaba destinado a añadir otro lanzamiento significativo del disco en 1976 (año decisivo) - tocando en dos pistas en Weather Report’s Black Market: “Cannonball,” y “Barbary Coast.” Permaneció en Weather Report en 1981, mostrando una increible musicalidad y talento para el espectáculo en el escenario. También fue un músico de sesión famoso, apareciendo en Joni Mitchell’s Hejira (1976) y Don Juan’s Reckless Daughter (1977). En la biografía de Mark Bego Joni Mitchell , realizó comentarios respecto a su relación musical con Jaco: "En cierto modo, me siento como soñé con Jaco. Quiero decir, él era exactamente lo que estaba esperando, musicalmente. . . . "(Bego, Pág. 158).
Brillantes cielos y tormentas inminentes
Con Weather Report, Jaco extendió su alcance musical. Él fue acreditado como co-productor en el álbum de la banda de 1977, Heavy Weather, mejor conocido por las canciones "Birdland" y de Jaco "Teen Town". El álbum fué una gran sensación, y se convirtió en disco de oro en el año de su estreno . Desafortunadamente, en este momento, la evitación de Jaco de alcohol y drogas llegó a su fin. Él comenzó a beber y consumir cocaína. Sin embargo, la reputación de Jaco como bajista fue de ley. El matrimonio de Jaco y de Tracy también terminó en este período, con su divorcio a principios de 1979. En febrero de 1979, tuvo lugar el concierto de La Habana Jam en La Habana, Cuba, como parte del "Trío de Doom ": el guitarrista John McLaughlin, Jaco, y el baterista Tony Williams. El año incluyó el lanzamiento del álbum en vivo Weather Report, 08:30. El año también contó con un nuevo comienzo para Jaco. Se casó con Ingrid Horn-Müller en julio, antes de salir de gira con Joni Mitchell, cuya banda de gira también incluyó Metheny. Mientras que en Berlín con Weather Report, tocó el contrabajo en un legendario concierto solista en un día libre. Él estaba en la cima del mundo. En 1980, Weather Report lanzó Night Passage, que incluyó la balada clásica de Jaco, “Three Views of a Secret.” También firmó un nuevo contrato en solitario, esta vez con Warner Brothers Records, y comenzó la grabación de su segundo álbum en solitario en agosto. En 1981 Jaco hace sus últimas grabaciones con Weather Report, para el álbum Weather Report . Su segundo álbum en solitario, Word of Mouth, también apareció ese año. A principios de 1982, Jaco había debutado su Word of Mouth big band y el 9 de junio, nacieron sus hijos gemelos con Ingrid, Julio José y Félix Javier. Desafortunadamente, la relación con Ingrid empeoró y Jaco comenzó a pasar más tiempo en la ciudad de Nueva York, en lugar de el mundo de la Florida que conocía mejor. La versión de Nueva York de Jaco era diferente. El consumo de bebida y de drogas continuó, sin disminuir. Su comportamiento en el escenario se volvió salvaje. Durante una gira por Japón, lanzó su bajo en la bahía de Hiroshima. Aunque Jaco sostuvo que estaba bien, fue a Coral Ridge Psychiatric Hospital para una observación de una semana. Salió de gira poco después su alta, y su comportamiento combativo en un concierto italiano volvió a la multitud hostil, terminando el espectáculo en un motín. Debido a sus cambios de humor, sus espectáculos podian resultar una genialidad, o terminar de el peor modo. Debido a estos hábitos, se separó de Ingrid. La pérdida de la "Bass of Doom" y un declive mental Jaco había destruido su bajo, y por esto lo envió a Jim Hamilton en 1986 por reformas. Poco después de que su bajo volvió a él, de nuevo en condiciones de funcionamiento, fue robado en Greenwich Village. Jaco, a menudo se dejaba el bajo desatendido mientras jugaba partidos de baloncesto o dormía en un parque de Nueva York, nunca lo vio otra vez. El bajo solamente se recuperó en 2007, siendo ahora propiedad del bajista de Metálica Rob Trujillo. Hijo del bajista Jaco, Félix, teniendo la oportunidad de tocarlo en un par de temas en el álbum los Yellowjackets. A mediados de la década de 1980, hubo tiempos difíciles para Jaco y los que lo amaban. Él fue desalojado de su apartamento de la ciudad de Nueva York. Después de una visita tumultuosa a la casa de su padre en Pennsylvania, Jaco entró brevemente un centro psiquiátrico. Jaco regresó a Nueva York y continuó tocando, pero con menos trabajo debido a su mala reputación generada ese último tiempo. En julio de 1986, Jaco se animó a entrar en el pabellón psiquiátrico del Hospital Bellevue. El diagnóstico: Jaco era bipolar (maníaco-depresivo). Se quedó en el Bellevue durante ocho semanas y fue puesto en libertad bajo la custodia de un amigo músico, que tomó a Jaco y lo llevó a la zona de San Francisco, donde los dos trabajabaron en un registro.
1987: Fin de Carrera de Jaco
A pesar de que trató de recuperar la estabilidad, los viejos demonios de la enfermedad mental reaparecieron, dando lugar a muchas interpretaciones extrañas e incluso períodos cortos en la cárcel. En las primeras horas de la mañana del 12 de septiembre 1987, cuando Jaco fue a un bar llamado Midnight Bottle Club, fue expulsado por su conducta. Cuando trató de patear la puerta de nuevo, el gerente del club, un cinturón negro de tercer grado en karate, golpeó Jaco varias veces. El cráneo de Jaco fue fracturado, y sufrió una hemorragia interna masiva. Jaco nunca salió del hospital. El 19 de septiembre, tuvo una hemorragia cerebral y fue conectado a un respirador. Su familia decidió desconectarlo el 21 de septiembre y murió un poco más de tres horas más tarde, con Tracy sosteniendo su mano. Jaco Pastorius muripo a los 35 años de edad. Su agresor se declaró culpable de cargos de homicidio y pasó solamente cuatro meses de prisión. Jaco está enterrado en Our Lady Queen of Heaven Cemetery en North Lauderdale y Jaco Pastorius Parque abrió sus puertas en 2008 en Oakland Park. Mientras que su legado sigue vivo allí, es aún más presente en las legiones de los bajistas inspirados por tocar el instrumento de una manera nueva, manera que Jaco creó en su prolífica, pero corta carrera.
Herbie Hancock es un verdadero icono de la música moderna. A lo largo de sus exploraciones, ha trascendido las limitaciones y géneros, manteniendo su inconfundible voz. Con una carrera que abarca cinco décadas y 14 premios Grammy, incluyendo Álbum del Año para River: The Joni Letters, que continúa asombrando al público en todo el mundo. Miles Davis dijo en su autobiografía, "Herbie fue el paso después de Bud Powell y Thelonious Monk, y no he escuchado a nadie todavía que ha venido después de él." Nacido en Chicago en 1940, Herbie era un prodigio del piano ya desde niño, que realizado un concierto de Mozart con la Orquesta Sinfónica de Chicago a los 11 años empezó a tocar jazz en la escuela secundaria, inicialmente influenciado por Oscar Peterson y Bill Evans. También desarrolló una pasión por la electrónica y la ciencia, y se especializó en la música y la ingeniería eléctrica en Grinnell College. Comienzos: Vida temprana y el quinteto de Miles Davis En 1960, Herbie fue descubierto por el trompetista Donald Byrd. Después de dos años de trabajo de la sesión con Byrd, así como Phil Woods y Oliver Nelson, firmó con Blue Note como artista en solitario. Su álbum debut en 1963, 'Takin' Off ', fue un éxito inmediato, la producción de la exitosa "Watermelon Man". En 1963, Miles Davis invitó a Herbie a unirse al quinteto de Miles Davis. Durante sus cinco años con Davis, Herbie y sus colegas Wayne Shorter (saxo tenor), Ron Carter (bajo) y Tony Williams (batería) grabaron muchos clásicos, entre ellos 'ESP', 'Nefertiti' y 'Sorcerer'. Más tarde, Herbie hizo apariciones en la Davis ' groundbreaking ' 'In a Silent Way' y 'Bitches Brew', que anunció el nacimiento del jazz-fusión. La carrera en solitario de Herbie floreció en Blue Note, con álbumes clásicos incluyendo 'Maiden Voyage' , 'Empyrean Isles ", y" Speak Like a Child'. Él compuso la música para la película de Michelangelo Antonioni 1966 'Blow Up', que llevó a una exitosa carrera en cine y música de televisión. 1970: Los Headhunters y VSOP Después de salir de Davis, Herbie armó una nueva banda llamada The Headhunters y, en 1973, grabó 'Head Hunters. Creó el "Camaleón", que se convirtió en el primer álbum de jazz platino. A mediados de década, Herbie fue tocando para multitudes en todo el mundo y no tenía menos de cuatro álbumes en las listas de éxitos a la vez. En total, Herbie tenía 11 álbumes en las listas de éxitos durante la década de 1970. Harbie inspiró y proporcionó muestras para las generaciones de hip-hop y danza. Herbie también se quedó cerca de su amor por el jazz acústico en los años 70, la grabación y la realización con VSOP (él reunirse con sus colegas de Miles Davis), y en entornos dúo con Chick Corea y Oscar Peterson.
1980: El shock del futuro, Cine y Televisión En 1980, Herbie presentó el trompetista Wynton Marsalis al mundo como solista, la producción de su primer álbum y gira con él también. En 1983, un nuevo tirón al lado alternativo llevó a Herbie a una serie de colaboraciones con Bill Laswell. El primero, "Future Shock", nuevamente platino, y el single "Rockit" sacudieron el baile y al R & B, ganando un Grammy por Mejor R & B Instrumental. El video de la canción ganó cinco premios MTV. 'Sound System', el seguimiento, también recibió un Grammy en la categoría R & B instrumental. Herbie ganó un Oscar en 1986 al rodar la película "'Round Midnight", en la que también apareció como actor. Numerosos aspectos de la televisión en los últimos años llevaron a dos asignaciones de alojamiento en la década de 1980: "Escuela de Rock" en PBS y de Showtime "Coast To Coast". 2000, Álbum del Año y hoy Herbie se reunió con Bill Laswell a colaborar con algunos jóvenes de hip-hop y el tecno artist en FUTURE2FUTURE de 2001. También se unió con Roy Hargrove y Michael Brecker en 2002 para grabar un álbum en vivo, 'Directions In Music: Live at Massey Hall' Un homenaje a John Coltrane y Miles Davis. 'Possibilities' lanzado en agosto de 2005, se asociaron con Herbie muchos artistas populares, como Sting, Annie Lennox, John Mayer, Christina Aguilera, Paul Simon, Carlos Santana, Joss Stone y Damien Rice. Ese año, tocó una serie de conciertos con un re-personal Headhunters, y se convirtió en el primer artista en residencia en el festival con sede en Tennessee Bonnaroo. En 2007, Hancock grabó y lanzó 'River: The Joni Letters' , un homenaje a su viejo amigo y colaborador Joni Mitchell con Wayne Shorter, el guitarrista Lionel Loueke, el bajista Dave Holland y el baterista Vinnie Colaiuta y co-producido por Larry Klein. Se alistó vocalistas como Norah Jones, Tina Turner, Corinne Bailey Rae, Luciana Souza, Leonard Cohen y Mitchell a sí misma para la realización de las canciones que escribió o se inspiró. El álbum recibió buenas críticas y fue una elección a fin de año Top 10 para muchos críticos. También obtuvo tres premios Grammy, incluyendo Álbum del Año; Herbie es uno de sólo un puñado de músicos de jazz en recibir ese honor. En 2010 Hancock lanzó el CD aclamado por la crítica, "de Herbie Hancock The Imagine Project", ganador de dos 20ll Premios Grammy por Mejor Colaboración Pop y Mejor Improvisación Jazz Solo. Utilizando el lenguaje universal de la música para expresar sus temas centrales de la paz y la responsabilidad global, el proyecto "Imagine" se registró en todo el mundo y cuenta con un grupo estelar de músicos como Jeff Beck, Seal, Pink, Dave Matthews, The Chieftains, Lionel Loueke , Oumou Sangare, Konono #L, Anoushka Shankar, Chaka Khan, Marcus Miller, Derek Trucks, Susan Tedeschi, Tinariwen, y Ceu. Herbie Hancock también mantiene una próspera carrera fuera del escenario y estudio de grabación. Recientemente nombrado por la Filarmónica de Los Ángeles como Presidente Creativo Para Jazz, que actualmente también se desempeña como Presidente del Instituto del Instituto Monk Thelonious de Jazz, la organización internacional más importante dedicada al desarrollo de la actuación de jazz y la educación en todo el mundo. Hancock es también uno de los fundadores del Comité Internacional de Artistas por la Paz, y fue recientemente galardonado con el muy estimado "Commandeur des Arts et des Lettres" por el primer ministro francés, Francois Fillon. En julio de 2011 Hancock fue designado Embajador de Buena Voluntad de la UNESCO honorífico por la UNESCO Directora General, Irina Bokova. Reconociendo "dedicación a la promoción de la paz a través del diálogo, la cultura y las artes," de Herbie Hancock el Director General ha pedido al músico de jazz célebre "para contribuir a los esfuerzos de la UNESCO para promover el entendimiento mutuo entre las culturas, con un énfasis particular en el fomento de la emergencia de ideas nuevas y creativas entre los jóvenes, para encontrar soluciones a los problemas globales, así como garantizar la igualdad de acceso a la diversidad de expresiones artísticas. "Embajadores de Buena Voluntad de la UNESCO son un destacado grupo de defensores de la celebridad que generosamente han aceptado utilizar su talento y el estado de ayudar a centrar la atención del mundo sobre los objetivos y propósitos de la labor de la UNESCO en sus esferas de competencia:. la educación, la cultura, la ciencia y la comunicación / información Ahora en la quinta década de su vida profesional, Herbie Hancock sigue donde siempre ha estado: en el vanguardia de la cultura mundial, la tecnología, los negocios y la música. Aunque no se puede rastrear exactamente donde va a ir la próxima, él está seguro de dejar su huella inimitable donde aterriza.
Nunca ha habido y nunca podra volver a haber un bluesman como Albert Collins. "El amo de la Telecaster", nació el 1 de octubre de 1932, en Leona, Texas. Un primo del legendario Lightnin 'Hopkins, Collins salió con un blues de sonido y estilo propio, que ofrece una combinación de icy echo, shattering, ringing, sustained high notes, y ultra-percussive right-hand attack y una afinación de guitarra a tono menor (que le había enseñado su primo Willow Young). Profundamente influenciado por T-Bone Walker, John Lee Hooker y Gatemouth Brown, Collins absorbe los sonidos de Mississippi, Chicago, y sobre todo Texas. Formó su propia banda en 1952, tocando en varios clubes alrededor de Houston. A principios de 1960, instrumentales de Collins "cool sound" como el millón de ventas Frosty (grabados con un joven Johnny Winter y Janis Joplin en la asistencia en el estudio) y seguimientos Sno Cone y Thaw Out estaban por todas las radios R&B. Pronto él estaba compartiendo escenario con sus ídolos Gatemouth Brown y T-Bone Walker. Luego, a mediados de los años 60 (después de un movimiento de Texas a Kansas City a California), Collins entró dentro del Rock, la liberación de tres álbumes producidos por miembros de Canned Heat, y comenzaron a tocar en el circuito psicodélico de San Francisco. Pero el mayor éxito de Albert se produjo después de que firmó con Cocodrilo en 1978 y lanzó Ice Pickin'.
Ganó el Mejor Álbum de Blues del Año del Festival de Jazz de Montreux, y fue nominado para un Grammy. Sus siguientes álbumes cocodrilo ayudaron a Collins a ganar todos los premios que el mundo del blues tenía para ofrecer. Y, junto con Johnny Copeland y Robert Cray (quien decidió entrar en una carrera como músico de blues después de ver a Collins tocar). Incluso después de que se estableció firmemente como un músico de blues moderno importante, Collins nunca renunció al volante de su maltrecho autobús que le encantaba conducir tanto. Junto con su banda, Los Icebreakers, los espectáculos en vivo de Collins - impulsados por su cinética presencia en el escenario - fueron testamentos legendarios a la potencia del blues. Con su prematura muerte en 1993, Albert Collins dejó un legado en el blues que continúa asombrando y deleitando a los fans de blues en todo el mundo. Fuente: http://www.alligator.com/artists/albert-collins/
¿Que es lo cool ? En
su esencia, cool tiene que ver con lo que está pasando al lado . En la cultura
popular, lo que está pasando al lado es un caleidoscopio que abarca el pasado,
presente y futuro: lo que está a punto de suceder puede ser cool , y lo que
sucedió en el pasado lejano también puede ser cool . Esta cualidad atemporal,
cuando se aplica a la música, permite el debate minimalista - con pocas
excepciones, lo que ha sido cool siempre será cool .
Durante casi seis
décadas, Miles Davis ha plasmado todo lo que es cool - en su música (y muy
especialmente el jazz), en su arte, la moda, el romance, y en su internacional,
si no intergaláctica, presencia que se cierne hoy más fuerte que nunca. 2006 -
El año en el que Miles Davis fue incluido en el Rock and Roll Hall de la Fama
el 13 de marzo - es un año histórico, en conmemoración del 80 aniversario de su
nacimiento el 26 de mayo de 1926, y el 15 aniversario de su muerte el 28 de
septiembre , 1991. Entre estos dos marcadores es más de medio siglo de la
brillantez - a menudo exasperante, brutalmente honesto consigo mismo y con los
demás, sin concesiones de una manera que trasciende la mera intuición.
Al llevar a cabo lo
que siempre pareció una misión, Miles Dewey Davis III - músico, compositor,
arreglista, productor y líder de la banda - siempre estaba en el lugar correcto
en el momento adecuado, otro aspecto que define cool . Nacido en Alton,
Illinois, y se crió en East St. Louis, donde su padre fue un dentista, Miles se
le dio su primera trompeta a los 13 años un niño prodigio, su dominio del
instrumento se aceleró cuando llegó bajo el hechizo de los "jazzmen"
mayores Clark Terry, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Billy Eckstine, y otros
que pasaron por. Él aceptó la admisión a la Escuela Juilliard en 1944, pero fue
un ardid para llegar a Nueva York y conectar con Bird y Diz. Miles tenía
18. Cool .
Dentro de un año, que
logró su objetivo. Se puede escuchar en sesiones dirigidas por Parker que se
publicaron sobre el Savoy en 1945 (con Max Roach), '46 (con Bud Powell), '47
(con Duke Jordan y JJ Johnson) y '48 (con John Lewis). En 1947, el Miles Davis
All-Stars (con Bird, Roach, Lewis y Nelson Boyd) debutó en Saboya. Sus años en
la calle 52 durante la última mitad de la década de 1940 lo llevaron a la
órbita bop de músicos cuyas leyendas que compartiría antes de cumplir 25 años.
A comienzos de la
década en 1950, Miles condujo a sus primeros grupos pequeños, una asociación
con Gerry Mulligan y arreglista Gil Evans marcó el comienzo de El Birth of the
Cool (Capitol), un movimiento que desafió el dominio de bebop y hard-bop.
'Fechas de registro posteriores como líder en los principios de los años 50
Millas (en Blue Note, entonces Prestige) ayudaron a introducir Sonny Rollins,
Jackie McLean, Horace Silver, y Percy Heath, entre muchos otros, el
establecimiento de papel de Miles como el explorador de primera en talentos de
jazz para el resto de su carrera.
Un conjunto histórico
en el Festival de Jazz de Newport en 1955 dio lugar a la firma de George
Avakian Miles de Columbia Records, y llevó a la formación de su llamado
"primer gran quinteto", con John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers
y Philly Joe Jones (el 'Round About Midnight sesiones). Los 30 años de Miles en
Colombia fue uno de los fichajes más larga exclusivos de la historia del jazz,
y uno que se extendió por al menos media docena de generaciones distintas de
los cambios en la música - casi todos los cuales fueron previstos o llevaron
por Miles o su ex acompañantes.
Kind Of Blue ,
indiscutiblemente el álbum mas cool de jazz jamás registrado, se hizo en 1959
con la segunda edición de Miles “first great quintet”- principalmente Coltrane,
Chambers, Cannonball Adderley, Bill Evans, y Jimmy Cobb - que se quedaron
juntos hasta 1961.
Después de varios
grupos intermedios (que ofrecieron tales gigantes como Hank Mobley, Wynton
Kelly, Victor Feldman, y George Coleman), Miles "segundo gran quinteto"
lentamente fusionado durante 1963-1964, en la alineación de Wayne Shorter,
Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams (quien tenía 17 años cuando se unió
a Miles). Grabaron con el productor Teo Macero y recorrieron todo el mundo
juntos hasta 1968, logrando el éxito artístico y comercial que no tiene
precedentes en el jazz moderno.
1968 fue un año
catastrófico del cambio radical de Miles y para los Estados Unidos, un año de
agitación - la escalada de la guerra en el sudeste asiático, los asesinatos de
Martin Luther King y Robert Kennedy, y el surgimiento del movimiento Poder
Negro fueron algunos de los factores que empujó la música de Miles hacia una
eléctrica (amplificada) de pulso más insistente. Al mismo tiempo, Miles cavó el
triple golpe que escuchó en la música de James Brown, Jimi Hendrix y Sly Stone.
Lo que comenzó en 1968 con el quinteto de Miles adoptar silencio piano
eléctrico y guitarra, estalló en una sonora banda de rock a gran escala contra
avance doble-LP de 1969 Bitches Brew (que lo llevó en la portada de Rolling
Stone , el primer músico de jazz que aparezca en de primera página de la
revista. Muy cool .)
En el núcleo de
Bitches Brew , cuyas sesiones se llevó a cabo la semana después del festival de
Woodstock en agosto de 1969, se produjo el pequeño grupo final conocido como el
"tercer gran quinteto" - Shorter, Chick Corea, Dave Holland, y Jack
DeJohnette - aumentada por John McLaughlin, Larry Young, Joe Zawinul, Bennie
Maupin, Steve Grossman, Billy Cobham, Lenny White, Don Alias, Airto Moreira,
Harvey Brooks, y ex miembros quinteto Hancock y Carter.
Seis meses después,
en febrero de 1970, Miles comenzó las Jack Johnson sesiones, arrastrando muchos
de esos mismos músicos en los próximos dos meses, más Sonny Sharrock, Steve
Grossman, Michael Henderson, Keith Jarrett y otros. En términos muy claros, el
movimiento de fusión jazz-rock se había lanzado a toda velocidad, y el espíritu
de Miles permeado las tres bandas dominantes que sacudieron las etapas (como lo
hizo) del Fillmore Oriente y Occidente ( y otras cosas ) a través de los ' 70 y
más allá - Weather Report, Return to Forever, y la Orquesta Mahavishnu.
Su estilo de vida y
de alta energía de incursiones en el funk y R & B de alguna manera
encajaban con un período de deterioro de la salud en los años 70, hasta que
Miles finalmente pasó a la clandestinidad en 1975, después de tocar (lo que
resultó ser) su último concierto en York de Nueva Central Park Music Festival
ese verano. Una serie de LPs vivos (nacionales e importados de Japón) y otros
comunicados de archivo de los años 50 y 60 se pusieron a disposición en los
próximos cinco años para llenar el vacío.
En los años 80, la
reputación de Miles como cazatalentos extraordinario fue incuestionable. Él
emergió más fuerte que nunca en 1981 en The Man With the Horn con una formación
de primer nivel de los jóvenes músicos - Mike Stern, Marcus Miller, Bill Evans
(sin parentesco), Al Foster, y Mino Cinelu (todos los cuales pasaron al éxito).
Fue el primer LP de Miles para bordear el Billboard de lista de álbumes Top 50
desde Bitches Brew , y la banda fue grabada en vivo para el seguimiento de
doble LP, de 1982 We Want Miles . Ellos se mantuvieron estables (instigada por
John Scofield) en 1983 en Star People . La alineación luego se transformó en la
de 1984 Decoy , como Miller fue reemplazado por Daryll 'Munch' Jones, Robert
Irving III fue introducido en los sintetizadores y programación, y Branford
Marsalis compartió partes de saxofón con Evans.
Último álbum de Miles
para Columbia Records fue lanzado en 1985, el crípticamente tituló está bajo
arresto . Se (re) -introduced Miles sobrino Vince Wilburn en la alineación (tocó
brevemente en The Man With the Horn), como Bob Berg hizo cargo de la silla
grande de Evans y Marsalis. El álbum debutó dos baladas que serían básicos de
actuaciones de Miles para el resto de su carrera, de Michael Jackson
"Human Nature" y Cyndi Lauper del "Time After Time".
Al año siguiente,
Miles comenzó a grabar para Warner Bros., un período prolífico que dio un nuevo
álbum cada año (la primera de cuatro co-producido con Marcus Miller): Tutu
(1986), música de Siesta (1987, una colaboración con banda sonora de la
película Miller), vivo en todo el mundo (1988), Amandla (1989), Dingo (1990,
una colaboración orquestal con Michel Legrand), y su último álbum de estudio.
el hip-hop informó Doo-Bop (1991), cuyo título melodía dio un Millas Rap
póstuma / R & B hit single en 1992.
"Miles Dewey
Davis III - trompetista, visionario, y modernista eterna - era una fuerza de la
naturaleza", escribió Ashley Kahn (autor de Kind Of Blue: la realización
de la obra maestra de Miles Davis , Da Capo, 2000) en el Rock and Roll Hall de
la Fama revista cena con motivo de la inducción de Miles. "Con un oído que
ignoró las categorías de estilo, fue en busca de nuevos mundos musicales, y las
generaciones siguieron sus pasos. Mientras que la fiebre creativa y
experimental cargo que vienen a la mayoría de los músicos en la juventud con el
tiempo se agoten, Davis mantuvo una ventaja de exploración para la mayoría de
sus 65 años. Tenía que ser cool, o olvidarlo ".
En 1996, cinco años
después de su muerte, Columbia / Legacy emitió la primera caja de discos
múltiples de lujo situado en la Davis Serie Miles, el 6-CD Miles Davis y Gil
Evans: El Columbia Studio Recordings completa , (colaboraciones de 1957-'68 ).
Se pasó a ganar tres premios Grammy - Mejor Álbum Histórico, Mejores Notas
Álbum y Mejor Paquete de grabación (en caja) - el segundo de sólo tres veces en
la historia de los Grammy que se logró jamás.
Miles Davis Serie de
Legacy se inauguró extraoficialmente en 1997 con cinco Digipaks doble CD en
vivo, incluyendo Black Beauty: Miles Davis en Fillmore West (abril de 1970,
cuando Steve Grossman reemplazado Wayne Shorter) y Miles Davis en Fillmore (en
la sede de Nueva York, junio 1970, con Keith Jarrett en la nueva formación),
junto con In Concert: Live At Philharmonic Hall (Nueva York, septiembre de
1972); Oscura Mago: Live At Carnegie Hall (Nueva York, marzo de 1974); y
Live-Evil (Nueva York, febrero y junio de 1970; y en Washington, DC, Diciembre
1970).
1998 trajo los
próximos dos sistemas de la caja: el ganador del Grammy de 6 CD de Miles Davis
Quintet 1965-'68: The Complete Columbia Studio Recordings ; y el ganador del
Premio Grammy 4-CD completos Bitches Brew Sesiones (de 1969-'70). El cuarto
sistema de la caja se publicó en 2000, el 6-CD Miles Davis y John Coltrane: The
Complete Columbia Recordings 1955-1961 , que ganó dos premios Grammy, por Mejor
en caja del paquete de grabación y Mejor Álbum Notas.
En 2001, una década
después de su muerte - y en honor a su 75 cumpleaños - Legacy formalmente (re) lanzó The Davis
Serie Miles, con la película de los álbumes originales banda sonora de Columbia
Pictures ' Descubriendo a Forrester (protagonizada por Sean Connery y dirigida
por Gus Van Sant), que consiste casi enteramente de la música de Miles Davis.
Cinco nuevos títulos remasterizados digitalmente siguieron: 'Round About
Midnight (con cuatro bonus tracks de las sesiones 1955-1956 originales, no
escuchado en el original 1957 LP); Hitos (con los tres alternativo conocido
lleva desde las 1.958 sesiones LP); Miles Davis En Newport (el rendimiento de
larga duración desde el festival de jazz de 1958); Jazz At The Plaza (también
de 1958, inédito hasta 1973, pero fuera de impresión durante casi dos décadas);
y Miles Davis y John Coltrane: The Best Of The Complete Columbia Recordings
1955-1961 , un solo CD de canciones del box set.
Más tarde, en 2001
llegó The Essential Miles Davis , el doble CD de la colección 23-pista obtenida
de las discografías de las seis empresas para quienes Miles hizo sus
grabaciones más importantes (Savoy, Capitol, Prestige, Blue Note, Columbia y
Warner Bros. ). Los archivos Columbia luego rindieron un vivo tesoro concierto
largo considerado como un importante "eslabón perdido" en la
iconografía de Miles Davis, con el lanzamiento de la doble-CD Es sobre ese
tiempo: Miles Davis Live At Fillmore East (7 de marzo de 1970) . Fue seguido -
en el fatídico día en las tiendas el 11 de septiembre de 2001 - por la caja de
tres CD fijó The Complete In A Silent Camino Sesiones , cubriendo esas fechas
1967-'69. En 2002, los tres álbumes que salieron de esas sesiones fueron
restaurados, el clásico de una manera silenciosa , y ediciones de ampliar
Filles De Kilimanjaro y bebés del agua .
La Davis Serie Miles
regresó en 2003, con la caja de 5 CD fijó The Complete Jack Johnson Sesiones ,
la crónica de esos febrero-junio 1970 las fechas de estudio que introdujeron
John McLaughlin. (El álbum resultante, de 1971 Un tributo a Jack Johnson , fue
reeditado en enero de 2005, junto con el documental de Ken Burns PBS, la
negritud Imperdonable : El ascenso y caída de Jack Johnson .) Mientras tanto,
Agosto 2004 trajo el sexto sistema de la caja, la 7-CD Siete Pasos: The
Complete Columbia Recordings Of Miles Davis 1963-1964 , el volumen más grande
jamás producido en la serie.
En 2005, Legacy
conmemoró el quincuagésimo aniversario de la firma original de Miles de
Columbia en 1955, comenzando con el tiempo (febrero) lanzamiento de My Funny
Valentine , por primera vez en CD en los EE.UU. (grabado 02 1964 en
Philharmonic Hall de Lincoln Center en Nueva York). Una semana más tarde llegó
la configuración "DualDisc" de Kind Of Blue , con la cara de CD que
contiene el álbum original más su toma alternativa única existente
("Flamenco Sketches"), y el lado de DVD que contiene un
mini-documental de 25 minutos, Made In Heaven .
Al igual que con su
predecesor, el Siete pasos box set 'estalló' varios títulos como ediciones
recién expandidas marzo 2005: Siete Pasos al Cielo , Miles Davis En Europa ,
cuatro y más (el seguimiento de My Funny Valentine ) y Millas En Tokio y Miles
En Berlín (ambos emitió por primera vez en los EE.UU.). Puede traído 'Round
About Midnight: Legacy Edition , la versión de lujo de 2 CD de Miles primer
larga duración Columbia LP, más bonus tracks en disco uno; con dos discos que
comprende el desempeño Newport Jazz Festival de "'Round Midnight"
(con Thelonious Monk) a partir de 1955, además de la anteriormente no emitido
1956 Pasadena concierto.
2005 concluyó con el
lanzamiento de septiembre del sistema de la caja de 6 CD, The Cellar Door
Sessions 1970 , seis conjuntos completos de rendimiento en el Washington, DC
discoteca en diciembre de 1970, por la alineación que protagonizó Miles, Keith
Jarrett, Gary Bartz, Michael Henderson, Jack DeJohnette, Airto Moreira, y (en
la noche final) el guitarrista John McLaughlin.
En total, desde 1997,
la Serie Davis Miles ha reeditado digitalmente remasterizado y versiones
(muchos de ellos ediciones ampliadas) restaurada de: 'Round About Midnight (1957), Miles Ahead
(1957), Porgy and Bess (1958), Hitos (1958), Miles Davis At Newport (1958),
Jazz At The Plaza (1958), Kind Of Blue (1959), Bosquejos De España (1960),
algún día mi príncipe Will Come (1961), Miles Davis en el Carnegie Hall - El
concierto completo (1961 ), En Persona: Viernes noche en el Blackhawk (1961),
En Persona: Sábado noche en el Blackhawk (1961), Quiet Nights (1962), Siete
Pasos al Cielo (1963), Miles Davis en Europa (1963), Miles En Tokio (1964),
Miles En Berlín (1964), My Funny Valentine (1965), ESP (1965), Miles Smiles
(1966), Cuatro & More (1966), Brujo (1967), Nefertiti (1967), Miles En el
Sky (1968), In a Silent Way (1969), Filles De Kilimanjaro (1969), Bitches Brew
(1970), A Tribute To Jack Johnson (1971), On the Corner (1972), Big Fun (1974),
Get Up con ella (1974), Water Babies (1976) y Aura (1985).
Varias colecciones
incluyen cuatro paquetes seleccionados de los respectivos sistemas encajonados,
el CD-single The Best Of Miles Davis y Gil Evans , el doble CD The Best Of
Miles Davis Quintet 1965-'68 , el single-CD Miles Davis y John Coltrane : The
Best Of The Complete Columbia Recordings 1955-1961 , y el CD-single The Best Of
Seven Steps To Heaven ; además de Miles Davis Love Songs (un especial 1999 Día
de San Valentín) y de 2003 Love Songs 2 ; el 2-CD The Essential Miles Davis ;
el Miles Davis / Ken Burns JAZZ compilación; Azul Miles ; Azul Moods - Music
For You , The Best Of Miles Davis ; y Miles Davis Jazz Moods - fresco ; y frío
y sereno . La historia de Miles Davis ,
el primer documental importante que se producirán con Miles en casi 15 años, se
publicó en 2002 en VHS y formatos de DVD interactivos.
El cuadro 8 aclamada
setsof La Davis Serie Miles comprenden:
● Miles Davis y Gil
Evans: The Complete Columbia Studio Recordings (lanzado en 1996), el 6-CD
decodificador que ganó premios Grammy por Mejor Álbum Histórico, Mejores Notas
Álbum y Mejor Paquete de grabación;
● Miles Davis Quintet
1965-'68: The Complete Columbia Studio Recordings (febrero de 1998), el 6-CD
decodificador que ganó el Premio Grammy por Mejor Álbum de Notas;
● The Complete
Bitches Brew Sesiones (octubre de 1998); el 4-CD box set que ganó el Grammy
como Mejor Grabación del paquete en caja;
● Miles Davis y John
Coltrane: The Complete Columbia Recordings 1955-1961 (febrero de 2000), el 6-CD
decodificador que ganó premios Grammy por Mejor Grabación del paquete en caja y
Mejores Notas Álbum;
● La completa en un
silencioso camino Sesiones (septiembre de 2001), el sistema de la caja de 3 CD;
● The Complete Jack
Johnson Sesiones (agosto de 2003), el 5-CD decodificador que ganó el Premio
Grammy por Mejor en caja o especial de edición limitada de paquetes;
● Siete Pasos: The
Complete Columbia Recordings Of Miles Davis 1963-1964 (agosto de 2004), el
sistema de la caja 7-CD; y
● El Cellar Door
Sessions 1970 (septiembre de 2005), el sistema de la caja de 6 CD.
