Un verdadero carioca de Río de Janeiro, nació y se crió en el barrio de Tijuca, donde con un grupo de amigos cambiarían para siempre la cara de la música popular brasileña. Algunos de los miembros de este grupo fueron: Roberto Carlos, Erasmo Carlos y Jorge Ben Jor. Durante décadas, Tim recogió hits, ganó un lugar para sí mismo en los corazones del pueblo brasileño y garantizó su lugar como un ídolo eterno. Su poderosa voz, su agudo sentido del ritmo y su carisma inigualable fueron los elementos que componen el estilo inconfundible del "supervisor" de Brasil, quien influyó en artistas como Roberto Carlos, Jorge Ben Jor, Marisa Monte, Jota Quest, Ivete Sangalo y a una gran legión de genios de la música brasileña. El padre de la música del alma brasileña vivió durante cinco años en los EE.UU., bebiendo directamente de la fuente, siendo influenciado por el Funk y el Soul. Una sobredosis de Motown. Fue elegido por la revista Rolling Stone Brasil como el noveno más grande artista de la música brasileña (Fuente: Rolling Stone Brasil) Indomable, él fue el primer artista brasileño para ser completamente independiente de las grandes compañías discográficas. Para lograr la libertad artística completa y el control financiero de su trabajo, fundó la editorial seroma y la compañía de grabación Vitória Régia Discos. Después de establecerse como un ejecutivo de éxito en la industria discográfica, continuó produciendo grandes éxitos hasta su muerte en 1998. Tim Maia dejó un enorme legado que ha dejado una profunda huella en la historia de la música brasileña e internacional.
Apodada "The First Lady of Song," Ella Fitzgerald fue la más popular cantante de jazz femenina en los Estados Unidos por más de medio siglo. En su vida, ganó 13 premios Grammy y vendió más de 40 millones de álbumes. Su voz era flexible, amplia, precisa y sin edad. Ella podía cantar baladas sensuales, sweet jazz e imitar todos los instrumentos en una orquesta. Ella trabajó con todos los grandes del jazz: Duke Ellington, Count Basie y Nat King Cole, Frank Sinatra, Dizzy Gillespie y Benny Goodman. (O más bien, algunos podrían decir que todos los grandes del jazz tuvieron el placer de trabajar con Ella.) Actuó en los mejores lugares de todo el mundo, llenando cada escenario. Sus audiencias eran tan diversas como su rango vocal. Eran ricos y pobres, compuesto de todas las razas, todas las religiones y todas las nacionalidades. De hecho, muchos de ellos tenían sólo un factor de unión en común - todos la querían. Comienzos: Ella Jane Fitzgerald nació en Newport News, Va., El 25 de abril de 1917. Su padre, Guillermo, y su madre, Templanza (Tempie), se separaron poco después de su nacimiento. Juntos, Tempie y Ella fueron a Yonkers, Nueva York, donde finalmente se mudaron con el novio de mucho tiempo de Tempie José Da Silva. Su media hermana de Ella, Frances, nació en 1923 y pronto comenzó a referirse a Joe como su padrastro. Para apoyar a la familia, Joe cavó zanjas y era un chofer a tiempo parcial, mientras que Tempie trabajaba en una lavandería e hizo catering. De vez en cuando, Ella asumió pequeños trabajos para contribuir dinero también. Tal vez ingenua a las circunstancias, Ella trabajó como un corredora de apuestas para los jugadores locales, dejandole algo de dinero. Su apartamento estaba en un barrio mixto, donde Ella hizo amigos fácilmente. Ella se consideraba más un "marimacho", y con frecuencia se unió en los juegos de barrio de béisbol. Deportes de lado, ella disfrutó bailando y cantando con sus amigos, y algunas noches tomaban el tren en Harlem a ver diversos actos en el Teatro Apolo.
Una mala racha En 1932, Tempie murió a causa de lesiones graves que recibió en un accidente de coche. Ella se llevó la derrota muy dura. Después de quedarse con Joe por un corto tiempo, la hermana de Tempie Virginia tomó a Ella en su casa. Poco después Joe sufrió un ataque cardíaco y murió, y su pequeña hermana Frances se unió a ellos. Incapaz de adaptarse a las nuevas circunstancias, Ella se hizo cada vez más infeliz y entró en un período difícil de su vida. Sus calificaciones bajaron drásticamente, faltando a clases. Después de meterse en problemas con la policía, fue detenida y enviada a un reformatorio. Vivir allí era aún más insoportable, ya que sufrió palizas a manos de sus cuidadores. Eventualmente Ella escapó del reformatorio. A los 15 años de edad, se encontró a sí misma y durante una Gran Depresión, y se esforzó para estar mejor. Ella reflejó más tarde sus años más difíciles con un aprecio por la forma en que la ayudaron a madurar. Ella utilizó los recuerdos de esos tiempos para ayudar a reunir las emociones para las actuaciones, y sintió que estaba más agradecida por su éxito, porque sabía lo que era luchar en la vida. ¿Qué va a hacer? En 1934 el nombre de Ella fue retirado en un sorteo semanal en el Apollo y ella ganó la oportunidad de competir en la Noche Amateur. Ella fue al teatro en la planificación de la noche a bailar, pero cuando las frenéticas Hermanas Edwards cerraron el espectáculo principal, Ella cambió de opinión. "They were the dancingest sisters around", dijo Ella, y sintió que su acto no sería nada comparado a ellas. Una vez en el escenario, frente a los abucheos y murmullos de "¿Qué va a hacer?" de la multitud ruidosa, una Ella asustada y despeinada tomó la decisión de última hora de cantar. Pidió a la banda para tocar de Hoagy Carmichael "Judy", una canción que conocía bien porque la interpretación de Connee Boswell fue una de las favoritas de Tempie. Ella calmó rápidamente la audiencia, y por el final de la canción que exigían un bis. Ella aceptó y cantó la otra cara de Boswell Sister's record, "The Object of My Affections." Fuera del escenario, y lejos de la gente que conocía bien, Ella era tímida y reservada. Ella era consciente de su apariencia, y por un tiempo, incluso dudaba de la medida de sus capacidades. En el escenario, sin embargo, Ella se sorprendió al descubrir que no tenía miedo. Se sentía como en casa siendo el centro de atención. "Once up there, I felt the acceptance and love from my audience," dijo Ella. "I knew I wanted to sing before people the rest of my life." En la banda esa noche fue el saxofonista y arreglista Benny Carter. Impresionado con su talento natural, comenzó la introducción de Ella a las personas que podrían ayudar a lanzar su carrera. En el proceso, Ella y Benny se hicieron amigo de toda la vida, trabajando a menudo juntos. Impulsada por partidarios entusiastas, Ella comenzó a entrar - y ganar - cada show de talento que pudo encontrar. En enero de 1935 ganó la oportunidad de llevar a cabo durante una semana con la banda Bradshaw Tiny en la Ópera de Harlem. Fue allí donde Ella conoció al baterista y director de orquesta Chick Webb. Aunque su voz le impresionó, Chick ya había contratado un cantante masculino Charlie Linton para la banda. Le ofreció a Ella la oportunidad de probar con su banda en la Universidad de Yale. "If the kids like her," dijo Chick, "she stays." A pesar de la multitud dura, Ella fue un gran éxito, y Chick la contrató para viajar con la banda por $ 12.50 a la semana. Cosas de Jazz A mediados de 1936, Ella hizo su primera grabación. "Love and Kisses" fue lanzado bajo el sello Decca, con un éxito moderado. En ese momento ella estaba actuando con la banda de Chick en la prestigiosa Savoy Ballroom de Harlem, que se refiere a menudo como "The World's Most Famous Ballroom." Poco después, Ella comenzó a cantar una versión de la canción "(If You Can't Sing It) You Have to Swing It."Durante este tiempo, la era de las grandes bandas de swing estaba cambiando, y el foco estaba girando más hacia el bebop. Ella cantó el nuevo estilo, a menudo usando su voz para asumir el papel de otra trompeta en la banda. "You Have to Swing It" fue una de las primeras veces que ella comenzó a experimentar con Scat (estilo musical), y su improvisación y la vocalización emocionado a fans. A lo largo de su carrera, Ella podría dominar el Scat, convirtiéndolo en una forma de arte.
En 1938, a la edad de 21, Ella grabó una versión lúdica de la canción infantil, "A-Tisket, A-Tasket." El álbum vendió 1 millón de copias, alcanzó el número uno, y se quedó en las listas de éxitos durante 17 semanas. De repente, Ella Fitzgerald era famosa. Al llegar a si misma El 16 de junio de 1939, Ella lloraba la pérdida de su mentor Chick Webb. En su ausencia, la banda pasó a llamarse "Ella Fitzgerald and Her Famous Band," y ella empezó la abrumadora tarea de directora de orquesta. Quizás en busca de estabilidad y protección, Ella se casó con Benny Kornegay, un trabajador portuario local que la había estado persiguiendo. Al enterarse de que Kornegay tenía antecedentes penales, Ella se dio cuenta de que la relación fue un error y tenía el matrimonio anulado. Mientras estaba de gira con la banda de Dizzy Gillespie en 1946, Ella se enamoró de el bajista Ray Brown. Los dos se casaron y, finalmente, adoptó un hijo, a quien llamaron Ray Jr. En ese momento, Ray estaba trabajando para el productor y gerente Norman Granz en el "Jazz en la Filarmónica" tour. Norman vio que Ella tenía lo necesario para ser una estrella internacional, y convencido de Ella de firmar con él. Fue el comienzo de una relación de negocios y amistad para toda la vida. Bajo la dirección de Norman, Ella se unió a la gira de la Filarmónica, trabajó con Louis Armstrong en varios álbumes y comenzó a producir su serie cancionero infame. Desde 1956-1964, grabó portadas de álbumes de otros músicos, entre ellos los de Cole Porter, Duke Ellington, los Gershwin, Johnny Mercer, Irving Berlin, y Rodgers y Hart. La serie fue muy popular, tanto con los fans de Ella como con los artistas. "I never knew how good our songs were until I heard Ella Fitzgerald sing them," Ira Gershwin dijo una vez. Ella también comenzó a aparecer en programas de variedades de televisión. Rápidamente se convirtió en una invitada favorita y frecuente en numerosos programas, incluyendo "The Bing Crosby Show", "The Dinah Shore Show", "The Frank Sinatra Show", "The Ed Sullivan Show", "The Tonight Show", "The Nat King Cole Show "," The Andy Willams Show "y" The Dean Martin Show ". Debido a un calendario de gira ocupado, Ella y Ray se encontraban a menudo fuera de casa, forzando el vínculo con su hijo. En última instancia, Ray Jr. y Ella se reconectaron, y remendaron su relación. "All I can say is that she gave to me as much as she could," dijo Ray, Jr. , "and she loved me as much as she could." Por desgracia, los horarios de trabajo ocupados también les duelen a Ray y el matrimonio de Ella. Los dos se divorciaron en 1952, pero se mantuvieron como buenos amigos por el resto de sus vidas. La superación de la discriminación En el circuito de giras era bien sabido que el gerente de Ella fué muy fuertemente sobre los derechos civiles, exigiendo la igualdad de trato para sus músicos, independientemente de su color. Norman se negó a aceptar cualquier tipo de discriminación en hoteles, restaurantes o salas de conciertos, incluso cuando viajaron al Deep South. Una vez, mientras que en Dallas estaba de gira la Filarmónica, un escuadrón de la policía irritado por los principios de Norman irrumpió en el backstage para molestar a los artistas. Entraron en el camerino de Ella, donde miembros de la banda de Dizzy Gillespie e Illinois Jacquet estaban disparando los dados, y arrestaron a todos. "They took us down," dijo Ella , "and then when we got there, they had the nerve to ask for an autograph." Norman no fue el único dispuesto a ponerse de pie para Ella. Recibió el apoyo de numerosos fans de celebridades, incluyendo un celoso Marilyn Monroe. "I owe Marilyn Monroe a real debt," dijo más tarde Ella. "Fue gracias a ella que toqué en el Mocambo, un club nocturno muy popular en los años 50. Ella llamó personalmente al propietario del Mocambo, y le dijo que quería que yo toque ahí, y que si él lo haría, ella cantaría cada noche Ella le dijo - y era verdad, debido a la condición de superestrella de Marilyn - que la prensa iba salvaje el propietario dijo que sí, y Marilyn estaba allí, cada noche, la prensa se fue por la borda después de eso.". Reconocimiento mundial Ella continuó trabajando tan duro como lo había hecho desde el principio de su carrera, a pesar de los efectos nocivos sobre su salud. Ella estuvo de gira por todo el mundo, a veces realizaba dos shows diarios en ciudades a cientos de millas de distancia. En 1974, Ella pasó unas legendarias dos semanas en Nueva York con Frank Sinatra y Count Basie. Cinco años después, la instalaron en la Down Beat magazine Hall of Fame, y recibió los honores de Kennedy Center por sus continuas contribuciones a las artes. Fuera de las artes, Ella tuvo una profunda preocupación por el bienestar del niño. Aunque este aspecto de su vida rara vez publicitado, ella con frecuencia hizo generosas donaciones a organizaciones para jóvenes desfavorecidos, y la continuación de estas contribuciones era parte de la fuerza motriz que le impidió desaceleración. Además, cuando Frances murió, Ella sintió que tenía las responsabilidades adicionales de cuidar de la familia de su hermana. En 1987, el presidente de Estados Unidos Ronald Reagan otorgó a Ella la Medalla Nacional de las Artes. Era uno de sus momentos más preciados. Francia hizo lo mismo varios años más tarde, la presentación de ella con su Comandante del premio Artes y las Letras, mientras que la Universidad de Yale, Dartmouth y varias otras universidades otorgaron a Ella doctorados honorarios. El final de una era En septiembre de 1986, Ella se sometió a una cirugía de bypass quíntuple coronaria. Los médicos también reemplazaron una válvula en su corazón y le diagnosticaron diabetes, que se culpaban por su mala vista. La prensa lleva a los rumores de que ella nunca sería capaz de cantar de nuevo, pero Ella demostró que estaban equivocados. A pesar de las protestas de los familiares y amigos, incluyendo Norman, Ella volvió a los escenarios y siguió adelante con una agenda exhaustiva. Por la década de 1990, Ella había grabado más de 200 álbumes. En 1991, dio su último concierto en el famoso Carnegie Hall de Nueva York. Como los efectos de su diabetes empeoró, de 76 años de edad, Ella experimentó problemas circulatorios graves y fue forzada a tener ambas piernas amputadas por debajo de las rodillas. Ella nunca se recuperó de la cirugía, y después, rara vez era capaz de realizar. Durante este tiempo, Ella disfrutaba sentada fuera en su patio trasero, y pasaba tiempo con Ray, Jr. y su nieta Alice. "Sólo quiero oler el aire, escuchar a los pájaros y escuchar a Alice reír", dijo. El 15 de junio de 1996, Ella Fitzgerald murió en su casa de Beverly Hills. Horas más tarde, los signos de recuerdo comenzaron a aparecer en todo el mundo. Una corona de flores blancas se puso de pie al lado de su estrella en el Hollywood Walk of Fame, y una carpa fuera del teatro de lectura Hollywood Bowl, "Ella, we will miss you." Después de un servicio fúnebre privado, el tráfico en la autopista se detuvo para dejar al cortejo fúnebre pasar a través de la misma. Fue enterrada en el "Sanctuary of the Bells" sección de la puesta del sol Misión Mausoleo de Inglewood Park Cemetery en Inglewood, California. Fuente: http://www.ellafitzgerald.com/about/index.html
Nunca ha habido y nunca podra volver a haber un bluesman como Albert Collins. "El amo de la Telecaster", nació el 1 de octubre de 1932, en Leona, Texas. Un primo del legendario Lightnin 'Hopkins, Collins salió con un blues de sonido y estilo propio, que ofrece una combinación de icy echo, shattering, ringing, sustained high notes, y ultra-percussive right-hand attack y una afinación de guitarra a tono menor (que le había enseñado su primo Willow Young). Profundamente influenciado por T-Bone Walker, John Lee Hooker y Gatemouth Brown, Collins absorbe los sonidos de Mississippi, Chicago, y sobre todo Texas. Formó su propia banda en 1952, tocando en varios clubes alrededor de Houston. A principios de 1960, instrumentales de Collins "cool sound" como el millón de ventas Frosty (grabados con un joven Johnny Winter y Janis Joplin en la asistencia en el estudio) y seguimientos Sno Cone y Thaw Out estaban por todas las radios R&B. Pronto él estaba compartiendo escenario con sus ídolos Gatemouth Brown y T-Bone Walker. Luego, a mediados de los años 60 (después de un movimiento de Texas a Kansas City a California), Collins entró dentro del Rock, la liberación de tres álbumes producidos por miembros de Canned Heat, y comenzaron a tocar en el circuito psicodélico de San Francisco. Pero el mayor éxito de Albert se produjo después de que firmó con Cocodrilo en 1978 y lanzó Ice Pickin'.
Ganó el Mejor Álbum de Blues del Año del Festival de Jazz de Montreux, y fue nominado para un Grammy. Sus siguientes álbumes cocodrilo ayudaron a Collins a ganar todos los premios que el mundo del blues tenía para ofrecer. Y, junto con Johnny Copeland y Robert Cray (quien decidió entrar en una carrera como músico de blues después de ver a Collins tocar). Incluso después de que se estableció firmemente como un músico de blues moderno importante, Collins nunca renunció al volante de su maltrecho autobús que le encantaba conducir tanto. Junto con su banda, Los Icebreakers, los espectáculos en vivo de Collins - impulsados por su cinética presencia en el escenario - fueron testamentos legendarios a la potencia del blues. Con su prematura muerte en 1993, Albert Collins dejó un legado en el blues que continúa asombrando y deleitando a los fans de blues en todo el mundo. Fuente: http://www.alligator.com/artists/albert-collins/
Los
aficionados y admiradores se refieren a él, comúnmente y sin hipérbole, como
"el padrino del soul", "Soul Brother Número Uno" y "el
hombre más trabajador del mundo del espectáculo." Michel Jackson le cita
como "mi mayor inspiración." Y el crítico Robert Christgau, escribió
en la revista Rolling Stone como "el músico más grande de la era del rock".
Con unas
800 canciones en su repertorio, James Brown ha influido en artistas
contemporáneos de prácticamente todos los populares género de la música - rock,
soul, jazz, R & B. Su funk polirítmico prácticamente reformó la música de
baile, y su impacto en el hip-hop, en particular, era enorme; en los primeros
años de la música, Brown fue, por mucho, el artista más citado. A pesar de que
sería perseguido por problemas legales y controversia en la vida posterior, era
un artista de principios. También fue un showman inimitable, y la única cosa
más divertida que escuchar a James Brown era verlo en vivo.
Brown nació
en la pobreza en las zonas rurales de Barnwell, Carolina del Sur (algunos
registros dan su fecha de nacimiento como 1928, él afirma que fue 03 de mayo
1933), y se crió en Augusta, Georgia. Cuando era niño, él recogió algodón, lustró
zapatos, bailó por dinero en las calles de Augusta, y robó. Condenado por robo
a mano armada en el 16, pasó tres años en una institución de detención juvenil.
Mientras encarcelado, Brown conoció a Bobby Byrd, quien actuó con su grupo de
gospel de la familia en la institución. La familia de Byrd finalmente ayudó a obtener
la liberación de Brown tomando al joven y consiguiéndole un trabajo. Brown realizó
deporte semi-profesional, primero como un boxeador, y luego como un lanzador de
béisbol, pero una lesión en la pierna arruinó sus posibilidades de convertirse
en profesional.
Mientras
tanto, Byrd y Brown se habían reunido un grupo de gospel, que lleva a cabo bajo
una sucesión de nombres diferentes en el Monte Zion Baptist Church, en Toccoa,
Georgia, y en los auditorios de la zona. Byrd y Brown cantaron a dúo, con tres
o cuatro otros miembros cantando coros y armonías de fondo. Después de ver un
show de rock & roll con Hank Ballard y los Midnighters, Fats Domino, y
otros, Brown y Byrd dejaron atrásla música gospel, transformando el grupo
(Johnny Terry, Sylvester quillas, y Floyd Scott) en el grupo“The Flames”. Cada integrante cantó,
bailó y tocó un instrumento o dos - Brown era piano y batería. Byrd también tocó
los teclados y voces compartidas; permanecería al lado de Brown de vez en
cuando durante las próximas décadas, más de tres.
A partir de
una base en Macon, Georgia, The Flames habían estado recorriendo el Sur desde
hace dos años, cuando Ralph Bass, director de la Federal Records, firmó en
1956. Su primer single, "Please, Please, Please," un gran éxito en
Georgia y estados adyacentes, eventualmente vendieron un millón de copias. Las
versiones posteriores de la misma poseían el más áspero estilo R & B gospel-influenciado
haciendo de Brown una estrella regional hasta que "Try Me" se
convirtió en un éxito nacional en 1958, trazando el número uno en el R & B,
número 48 en el pop.
Para ese
tiempo, Brown se había convertido en el líder del grupo, que ahora se llama The
Famous Flames. Guiados por el director de Universal Attractions Ben Bart, Brown
creó el James Brown Revue, con actos de apertura, su maestro de ceremonias, y
una banda de escenario, The James Brown Band. El espectáculo fue coreografiado
precisamente, Brown, bombeando sus caderas, girando sobre un pie, y que ejecuta
sus propios pasos de baile que lo llevarían a ser una marca registrada. Noche
tras noche, iba a fingir un colapso y ser ayudado desde el escenario, sólo para
detenerse, deshacerse de la capa, y empezar todo de nuevo. A pesar de su
previsibilidad, el truco nunca perdió su poder. Transpiraba unas 7 libras por
noche, y rompiendo récords de taquilla en cada lugar negro importante en
América, Brown ganó el apodo de "Mr. Dynamite" y el título "El
hombre mas trabajador del mundo del espectáculo."
Como la
banda de Brown se convirtió en uno de los más reconocidas en el campo, Brown
quería mostrarlo en sus grabaciones. Federal, sin embargo, se negó a permitir
el uso de Brown en el estudio, por lo que dispuso a la banda que grabara para
otra empresa como Nat Kendrick and the Swans. El resultado instrumental "Mashed
Potatoes," convenció a la empresa matriz de Federal, Rey, para hacerse
cargo del contrato de Brown y firmar el James Brown Band.
En 1962,
Brown quiso lanzar un álbum en vivo, pero el dueño del sello Rey Syd Nathan se negó
a financiarlo, no viendo potencial comercial en el mismo. Así de Brown pagó por
él mismo, y Live at the Apollo, fue grabado en Harlem en 1962.
Los finales
de los 60 encontraron a James Brown como un héroe cultural "Soul Brother
Number One". Como un hombre negro de la riqueza, la independencia, y la
influencia, era un símbolo de la libre determinación y triunfo sobre el
racismo. Él tomó en serio esa responsabilidad. Canciones como "Say It Loud (I'm Black and
I'm Proud)," "Don't Be a Drop-Out," y "I Don't Want Nobody
to Give Me Nothing (Open Up the Door I'll Get It Myself)" contiene
mensajes sociales directos.
A finales
de 1969 Brown formó su banda Sixties, que incluyó al saxofonista Maceo Parker y
el trombonista Fred Wesley. Brown alistó instrumentistas jóvenes y motivados
que continuaron desarrollando el sonido que posteriormente se le llamaría funk.
La nueva banda, llamada la JBS, incluido hermanos William "Bootsy" y
Phelps "Bagre" Collins, cuyo distintivo era el bajo y la guitarra de
plomo, marcó el comienzo de un nuevo sonido en la música soul.
Los JBS
fueron dirigidos por Wesley, quien con Brown comenzó la creación de música que
era incluso menos formal que antes.
Brown había
estado manejando sus propios asuntos desde la muerte de su manager a finales de
los años sesenta, y en 1971 firmó con una compañía discográfica internacional,
Polydor.
Alrededor
de 1975 la popularidad de Brown comenzó a menguar. Debido a las dificultades
financieras, Brown se vio obligado a vender sus tres estaciones de radio negras
y su jet. El Servicio de Impuestos Internos afirmó que debía $ 4.5 millones en
impuestos atrasados. El hijo de Brown había muerto en un accidente
automovilístico en 1973; y su segundo matrimonio terminó. Pero a pesar de todo
Brown continuó trabajando.
En 1984
Brown se unió con el rapero Afrika Bambaataa en "Unity," lanzado en
el sello de rap de Nueva York Tommy Boy. En ese momento, su música había sido utilizada
como base virtual para ritmos de hip-hop; entre otros, Kool Moe Dee y Eric B.
& Rakim impactaron muestreando ritmos de Brown, y su grabación en 1969
"Funky Drummer" (con el baterista Clyde Stubblefield) comenzaron a
aparecer en las versiones en innumerables discos de rap y pop. Los raperos
también realizaban poses del personaje de Brown. Con Brown exaltado como
miembro fundador en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986, su renacimiento
fue reforzado por "Living in America", el tema principal de Rocky IV.
Grabado a petición del director Sylvester Stallone, el single (Número 4, 1986),
incluido en el álbum Gravity (con estrellas invitadas como Alison Moyet y Steve
Winwood), ganando un Grammy en 1987 por mejor trabajo en el estilo R & B.
En 1989 Brown (con el escritor Bruce Tucker) publicó una autobiografía, James
Brown: El Padrino del Soul.
En 1988,
sin embargo, la carrera de Brown volvió a descender. Cuando su cuarta esposa,
Adrienne, informó que era golpeada. Brown fue acusado de asalto con intento de
asesinato y asalto con agravantes. Se entregó en el Condado de Aiken, Carolina
del Sur a las autoridades cerca de su casa de 60 acres en mayo y fue puesto en
libertad bajo fianza. Luego siguió un extraño año de problemas legales durante
el cual Adrienne, después de que su propia detención por presunta posesión de
PCP, primero anunció que iba a solicitar la separación legal, y luego cedió y
también retiró los cargos de asalto. Adrienne fue detenida de nuevo por
posesión de PCP y acusada de incendio. En septiembre, ya que circularon rumores
acerca de su propio abuso de drogas y problemas con el IRS, Brown supuestamente
amenazó a un grupo de personas con una escopeta y luego se fugó dando lugar a
una persecución de coches interestatal con la policía que terminó en la
recepción de una sentencia de seis años en un programa de rehabilitación.
Puesto en
libertad condicional en 1991 después de cumplir dos años de su condena, Brown volvió
al trabajo.
Los finales
de los noventa fueron difíciles para Brown personalmente. Su esposa murió en
enero de 1996, dos días después de someterse a una cirugía estética. Dos años
más tarde, el cantante fue arrestado por posesión de drogas y armas de fuego.
Su último
álbum de estudio fue el siguiente paso en el año 2002. Al año siguiente fue
objeto de un documental de PBS American Masters, James Brown: Soul Survivor.
El día de
Navidad de ese año, Brown murió de insuficiencia cardíaca congestiva debido a
complicaciones de una neumonía. Él fue elogiado en todo el mundo. Su féretro
fue sacado por coche con caballos por las calles de Harlem, con una multitud de
10,000 personas, y Michael Jackson rindió homenaje en un evento público en
Augusta.
