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Mérola Producciones es una página Uruguaya dedicada de lleno a pensar y compartir la música. Aquí encontrarán un espacio de reflexión y creatividad, en el cual podrán disfrutar de informarse mientras escuchan temas grandiosos especialmente seleccionados y renovados cada semana. Todo el contenido compartido en el blog, youtube y facebook, es contenido que se encuentra público para descarga en la web. Muchas gracias por su preferencia y sobre todo, gracias por el interés en la música.

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domingo, 31 de mayo de 2015

Cream

Cream

1966 – 1968

 Integrantes: Ginger Baker, Eric Clapton, Jack Bruce

Cream, míticos dioses del Blues Rock por Howard Druckman.

El tocar virtuoso de Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker hizo de Cream la primera banda de solistas. En sus 2 años de carrera llevaron el blues a toda una generación de rockeros blancos y legiones engendrados del Power Trio, bandas de surf y los grupos de heavy metal.

A pesar de que duró sólo dos años, Cream vendió 15 millones de discos; ganado el primer disco de platino certificado en la historia, redefinido el papel del instrumentista de rock.

De hecho, el trío se cita a menudo como la primera pasión de Eric Clapton y fluidez en la guitarra eléctrica.La brutal intensidad del Ginger Baker en la batería ayudó a crear la tradición del solo de batería en el rock; y Jack Bruce fue uno de los primeros bajistas para introducir una sensibilidad del jazz a un formato de rock duro.

Eric Clapton, nacido en marzo de 1945, fue inspirada por primera vez por Sonny Terry y Brownie McGhee, y más tarde por Jerry Lee Lewis. Allí, se sumergió en la incipiente escena del blues británico, tocando en the Roosters and Casey Jones & the Engineers antes de alcanzar la reputación de un maestro con los Yardbirds y Bluesbreakers de John Mayall.


En la última línea de Bluesbreakers, Jack Bruce estaba tocando el bajo. Se fue a unirse a Manfred Mann. Cuando el baterista Ginger Baker, a punto de salir del Graham Bond Organisation, pidió Clapton si quería formar una banda, el trío se hizo inevitable. A pesar de la animosidad entre Bruce y Baker, Cream se formó en julio de 1966.

Ellos hicieron su debut en el 1966 en el Windsor Festival en Inglaterra, y rápidamente establecieron su legendario estilo directo - una combinación de alto volumen de blues jamming solos extendidos y espectaculares instrumentales largas.

Su primer álbum, Fresh Cream , fue lanzado en enero de 1967 , para moderar el éxito del Reino Unido. Incluía algunos covers como Skip James "Estoy tan contenta" y Muddy Waters "Rollin 'and Tumblin'".

En el ínterin, sin embargo, flower power, la psicodelia y Jimi Hendnx se dirigían a través del Atlántico. En consecuencia, el segundo LP de Cream, Disraeli Gears, se llenó de cortos empapados de fuzz-tone, wah-wah y otros efectos de guitarra entonces revolucionarias. Fue lanzado en diciembre de 1967 y unos meses más tarde " Sunshine of Your Love "alcanzó el número cinco en las listas de Estados Unidos. Picantes, rockeros sofisticados como "Tales of Brave Ulises" y "Swalbr" se convirtieron en la programación diaria de radio FM subterráneo.

Naturalmente, el éxito fue acompañado por la tensión. Sus egos hicieron que sus personalidades chocaran; cuando Bruce y Baker no luchaban entre sí - que no era a menudo - se quejaron de la dominación de Clapton. También hubo tensiones entre el enfoque de blues de Clapton y el esnobismo de jazz de la sección rítmica.

Fuera del escenario, el abuso de drogas de Cream era mítico. Los tres se entregaron a la hierba, el ácido y la cocaína. Baker hizo uso de la heroína en gran medida, y Clapton se comenzó a salpicar por un camino que finalmente lo llevaría a una aislada adicción a la heroína dura, de dos años.
 En este contexto, Cream lanzó Wheels of Fire en junio de 1968. 
La banda dio conciertos finales en Londres y Nueva York en noviembre de 1968. En enero de 1969, lanzaron una colección post-ruptura, Goodbye.
Jack Bruce pasó a la experimentación de jazz. Ginger Baker descubrió África antes de llegar fresco, y se trasladó allí pasando por dos bandas.


Clapton pasó a sesiones con los Beatles; a la efímera supergrupo Blind Faith; de ser un acompañante de Delaney y Bonnie Bramlett; a un álbum en solitario; y luego a Derek and the Dominoes, cuyo álbum doble Layla ofrecido la guitarra más exquisitamente dolorosa de su carrera. Él reaparece periódicamente, más recientemente con Phil Collins, pero pocos argumentarían que su estilo relajado coincide con la inspiración de su trabajo con Cream.
 Ginger Baker, por su parte, insiste en que Cream  no  volverá a la forma. Sin embargo, en estos días de reactivación post-psicodélica, no es raro escuchar Cream en un club de baile o en el bar de rock.








Fuente: 
http://www.gingerbaker.com/bands/cream.htm
https://www.youtube.com/watch?v=kLx44oEr-jE 

sábado, 30 de mayo de 2015

The Who

The Who



The Who es una banda británica de rock considerada un icono de la música del siglo XX, formada en 1962 con el nombre de The Detours que cambió a aquel tras la incorporación del baterista Keith Moon. De esa manera, con Roger Daltrey (voz), Pete Townshend (guitarra, teclados y voz), John Entwistle (bajo y voz) y Keith Moon (batería y voz) potenció su carrera trepando a los primeros puestos del ambiente del rock inglés. Fue conocida por sus energéticas presentaciones en vivo.
The Who ha vendido alrededor de 100 millones de discos.




The Who alcanzó la fama en el Reino Unido con una serie de sencillos que se ubicaron en el Top 10, impulsado en parte por emisoras de radio piratas como Radio Caroline.

Moon murió en 1978 a la edad de 32 años. Luego de su deceso, la banda lanzó dos álbumes de estudio, Face Dances (1981) que alcanzó el Top 5 en las listas de Estados Unidos y el Reino Unido, y posteriormente It's Hard (1982), que alcanzó el Top 10 en el ranking musical estadounidense, trabajos que realizaron con el baterista Kenney Jones, antes de que la banda se separase en 1983. The Who volvió a reagruparse para participar en el Live Aid, en el vigésimo quinto aniversario de la banda y en la gira de Quadrophenia en 1996 y 1997.

The Who fue incluido en el Salón de la Fama del Rock en 1990.
La revista Time expresó en 1979 que «Ningún otro grupo ha llevado el rock tan lejos».
Rolling Stone escribió: «Junto con The Beatles y The Rolling Stones, The Who completa la santísima trinidad del rock británico».

Se suele referir a la banda como el eslabón entre el rock psicodélico y el punk rock.


Fuente:
 http://es.wikipedia.org/wiki/The_Who
https://www.youtube.com/watch?v=F03a-EYvifU


miércoles, 27 de mayo de 2015

Dave Weckl

Dave Weckl





Por más de 25 años, Dave Weckl ha desarrollado y mantenido una reputación entre los aficionados, compañeros y la comunidad musical internacional como uno de los grandes bateristas. Para ello, ha recibido numerosos premios y honores.
Dave está en el Salón de la Fama como "uno de los 25 mejores bateristas de todos los tiempos." Pero estos honores, además de muchos más otorgado por la comunidad de la música, son el producto del compromiso inquebrantable de Dave a hacer grandes composiciones. Los tambores increíblemente dinámicos y diversos, que han inspirado a músicos de todo el mundo, están construidos sobre una base sólida de conocimiento y respeto por la música.
Nacido en St. Louis Missouri, 8 de enero de 1960, de una madre que amaba la música y un padre que tocaba el el piano como afición, Dave empezó a tocar la batería alrededor de la edad de los 8 años. Durante sus años escolares con buenas calificaciones, Dave recibió muchos premios de la (Asociación Nacional de Educadores de Jazz) NAJE para actuaciones destacadas en la banda de jazz de competencia, ganador de su escuela secundaria. Estuvo involucrado con numerosos grupos locales desde una edad muy joven, mientras estudiaba con los maestros del área de St. Louis, Bob Matheny y Joe Buerger. A los 16 años, Dave empezó a trabajar profesionalmente 
con grupos de pop y jazz locales. En 1979, se trasladó a la costa este para estudiar música en la Universidad de Bridgeport en Connecticut. Con tan sólo 19 años de edad, Dave estaba siendo reconocido. Durante los toques en los clubes en la ciudad de Nueva York con un grupo llamado Nite Sprite, Dave empezó a recibir elogios de músicos de estudio establecidos como Steve Kahn, Michael Brecker, y especialmente el gran Peter Erskine. Fue Peter quien recomendó a Dave para su primer 'gran concierto’ en la ciudad con un grupo llamado French Toast, precursor de la banda de Michel Camilo, que ha sido grabado bastante extensivamente durante los años. De este grupo, el legendario bajista Anthony Jackson recomendó a Dave para la prestigiosa gira de reunión Simon y Garfunkel en 1983. Después
de esta gira, no pasó mucho tiempo antes de Dave regularmente estaba siendo llamado por radio y televisión para jingles, sesiones de pista de sonido, y fechas de grabación superiores con artistas como George Benson, Peabo Bryson, Diana Ross y Robert Plant, por nombrar algunos. En 1985, Michael Brecker sugirió a Chick Corea que mirara en los servicios de Dave para su nuevo Elektric Band. Ese fue el comienzo de una relación de siete años con ambas, las Bandas Elektric y Akoustic, donde se produjeron nueve grabaciones y tres videos, incluyendo un Grammy por la primera versión Akoustic Band. El Elektric Band mostró tambores de vanguardia de Dave y el uso innovador de la electrónica y baterías acústicas, trayéndolo al reconocimiento mundial. Aunque la Elektric Band fue en un continuo de 10 años en los años 90, hoy en día la banda sale de giras de vez en cuando. También lanzó un álbum conceptual 17 partes titulado "To The Stars" a mediados de 2004. Como solista, Dave ha grabado y producido nueve grabaciones hasta la fecha, incluyendo GRP / MCA. En 1998, Dave se dio cuenta de su objetivo de largo plazo de la formación de una world-touring banda. The Dave Weckl Band lanzado cinco discos de estudio, incluyendo: Rhythm Of The Soul, Synergy, Transition, Perpetual Motion, , y  Multiplicity . La banda también lanzó un álbum en directo, y una recopilación de MSF y videos de instrucción titulados The Zone. Más recientemente, Dave ha disfrutado de asumir más trabajo sideman. Se une a regular el guitarrista Mike Stern, Chuck Loeb, Oz Noy, y Chris Minh Doky y the Nomads, entre otros. Al lado de la carretera, Dave mantiene ocupado con la sesión y el trabajo de producción en su casa de estudio en Los Ángeles. También es profesor en la reunión anual del tambor Fantasy Camp . 



Un estudiante constante del arte de la percusión y la música, Dave da vuelta cada vez que puede a través de clínicas y clases por todo el mundo. De la enseñanza, Dave dice: "Mi objetivo es inspirar a tantos jóvenes (y no tan jóvenes) como sea posible a querer tocar la música, ya sea en la batería o otro instrumento. Con todas las cosas negativas del mundo de hoy, siento que este es mi forma de
contribuir una acción positiva hacia la felicidad espiritual, el que la música puede ser una gran parte de, si se lo permites. Así que a los padres, si su hijo tiene un talento para la música,  permitale por favor la oportunidad de desarrollar ese talento! “Por supuesto, un hombre tan ocupado necesita moverse por la ciudad de manera eficiente. Un fanático de los automóviles, Dave tiene un Corvette Z06! Pero más allá de toda la grabación, producción, turismo, enseñanza, trabajando con empresas que respalda a construir mejores productos, y rompiendo la carretera de vez en cuando, Dave. La pasión es pasar tiempo de calidad con su hija, Claire, Sofía (su golden retriever), y los amigos. Todo el trabajo duro es para – Inspirarse a seguir haciendo lo que hace - y que esa perspectiva es, probablemente, lo que mas impulsa a Dave.

Fuentes: http://www.daveweckl.com/

martes, 26 de mayo de 2015

Frank Zappa

Frank Zappa  


Productor musical,compositor,director,percusionista, guitarrista, tecladista.
(1940-1993)

Con mas de 60 álbumes durante su carrera. Zappa violó toda convención musical, fusionando muchos géneros. La música de Zappa era a menudo de una gran carga política e intencionalmente impactante.


"Una mente es como un paracaídas. No funciona si no está abierto”.



Frank Zappa fue en gran medida un músico autodidacta, cuya carrera de 30 años adoptó una amplia variedad de géneros musicales, abarcando el rock, el jazz, el sintetizador y sinfonías.
Compositores de vanguardia, así como las matemáticas y la química de la obra de su padre, todos cayeron en la mezcla de Zappa. Comprendieron su enfoque único para su arte, junto con una burla de las convenciones. Zappa también dirigió películas, portadas de discos diseñadas y habló acerca de los problemas sociales. Aunque su aspecto no convencional a menudo eclipsaba su brillantez, Zappa es muy respetado como un pionero musical. Murió de cáncer de próstata, el 4 de diciembre de 1993, a los 52 años.


Vida Temprana

Frank Vincent Zappa, nacido en Baltimore, Maryland, el 21 de diciembre de 1940, el primero de cuatro hijos a Rose Marie (Colimore) y Francisco Vicente Zappa, un inmigrante siciliano. La familia se mudó con frecuencia debido a la experiencia de Francisco Vicente Zappa como químico y matemático, contratado con diversos aspectos de la industria de defensa.
La exposición del joven Zappa a los productos químicos, como el gas mostaza, puede haber tenido un efecto profundo en su salud, que siempre fue un reto. Mostró interés temprano en la innovación a través de aparatos pero pronto volvió a la música. Compositores de vanguardia tales como Igor Stravinsky y Edgard Varèse le atrajeron junto interés en doo-wop / R & B y jazz moderno. La familia finalmente se estableció fuera de Los Angeles en el final de la adolescencia de Zappa, y pronto tomó tambor y guitarra. Su dominio creció tan rápidamente que por su último año en la escuela secundaria, que estaba escribiendo, componiendo y realizando arreglos de vanguardia para la orquesta de la escuela.

Carrera Musical

Frank Zappa inició su carrera como músico profesional poco después de la escuela secundaria..  Zappa se unió a The Soul Giants , convirtiéndolos de una banda de covers a una banda de material original, que se transformaron en The Mothers  en el Día de la Madre, en 1965.
Pero la banda se estaba muriendo de hambre, hasta que el empresario hierba Cohen (quién produjo a  Pete Seeger, Alice Cooper, Lenny Bruce y Linda Ronstadt) los llevó hacia delante.
Su álbum debut, Freak Out! , les lanzó como The Mothers of Invention. 
Su reputación  estaba establecida, ganando un público europeo y con un aspecto memorable con la Filarmónica de Londres. En 1971,durante un concierto en Suiza, el lugar se incendió. En ese espectáculo se encontraban los integrantes de Deep Purple, que en honor a ese suceso conmemoraron el clásico "Smoke on the Water" dado que Zappa estaba fumando sobre el agua. Sólo una semana después, Zappa sufrió un descenso en el escenario que resultó en lesiones graves incluyendo una laringe aplastada y fracturas múltiples, él se quedó con una cojera, voz baja, y dolor de espalda durante el resto de su vida.
Nunca totalmente apropiado en el género de rock de todos modos, en parte debido a su negativa a aceptar la cultura de la droga, se trasladó hacia la formación de nuevas bandas con más de una base de jazz. En la década de los años 70 cultiva su reputación como uno de los directores de orquesta más destacados y exigentes de la industria musical. Su producción orquestal prolífica fue dividido en dos por una inesperada Top 40, "Valley Girl", interpretada con su hija, que financió más de sus proyectos musicales menos comercialmente viables.




Otros Proyectos

Zappa dirigió videos musicales, cortometrajes y características, y se obsesionó con la infinidad de posibilidades que ofrece la música sintética, ya que podría dar cabida a casi cualquier cosa que se forjó. Participaciones como orador invitado en el activismo social lo llevó a dar su testimonio ante el Senado sobre la censura en la música.
En 1990, el presidente checoslovaco Vaclav Havel nombró Zappa como su oficial de enlace cultural, sino Pesident George HW Bush pronto anuló la cita.A partir de entonces, Zappa consideró brevemente candidato a la presidencia de Estados Unidos.
Mientras que la percepción del público en general a menudo era uno de un chiflado, Zappa era profundamente respetado como músico consumado y compositor, un cineasta innovador y un prolífico artista.
Muerte y legado
Frank Zappa murió de cáncer de próstata, el 4 de diciembre de 1993, a la edad de 52 años, en Los Ángeles. Le sobreviven su esposa durante 26 años, Gail Sloatman, que había logrado gran parte de las preocupaciones comerciales de Zappa en su carrera posterior, y sus cuatro hijos: Moon Unit, Dweezil, Ahmet Emuukha Rodan y Diva Thin Muffin Pigeen. 
En 1995, Frank Zappa fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll;en 1997, fue galardonado con un Grammy Lifetime Achievement Award.




Fuentes: 
http://www.zappa.com 
http://www.biography.com/people/frank-zappa-9540382

lunes, 25 de mayo de 2015

La música de las plantas (Artículo de Terra.Org)

Culturas ancestrales de todo el planeta conservan tradiciones acerca del papel de los árboles y el bosque como bibliotecas de conocimiento en las cuales los seres humanos podemos elevar nuestra consciencia.

Las plantas como seres vivos disponen de la capacidad de aprender y comunicarse. Aunque no tengan orejas, las plantas oyen y aunque no tengan cuerdas vocales, cantan. De estos sentidos tenemos evidencias científicas. Así, por ejemplo, son reveladores los experimentos (narrados en un librito de 1973, titulado The Sound of Music and Plants) en el cual la Dra. Dorothy Retallackdetalla los experimentos que había estado llevando a cabo en el Colorado Woman’s College de Denver.

Uno de los experimentos más espectaculares de la señora Retallack fue colocar en dos cámaras insonorizadas y con cámaras de filmación con sendas plantas. Una de las cámaras, la radio estaba sintonizada a una emisora de rock local, y en la otra la la emisora escogida emitía música relajante "middle-of-the-road". Sendas cámaras con sus respectivas plantas fueron sometidas tan solo a tres horas de música al día. En el quinto día, empezó a notar cambios drásticos. En la cámara con la música suave, las plantas estaban creciendo sanamente y sus tallos se inclinaban hacia el aparato de  la radio! En la cámara que se escuchaba el rock and roll, la mitad de las plantas tenían hojas pequeñas y mientras algunos tallos habían crecido escasamente, otros se atrofiaron. Después de dos semanas, las plantas en la cámara con música relajante tenían el follaje uniforme en tamaño, exuberante y verde, y se inclinaban entre 15 y 20 grados hacia la ubicación del aparato de radio. Las plantas en la cámara donde se escuchaba rock and roll habían crecido muy alto y estaban alicaídas, las flores se habían marchitado y los tallos se apartaban de la radio. En el día decimosexto, casi todas las plantas de la cámara de rock and roll estaban moribundas. En la otra cámara, las plantas que habían escuchado música relajante lucían un verde vivo y crecían en abundancia. Desconocemos que es lo que hace que las plantas tiendan a crecer o morir según la frecuencia de una determinada música y porqué se inclinan hacia una fuente de música que las mantiene vigorosas. Los experimentos de la Dr. Retallack son realmente reveladores y sus trabajos posteriormente se aplicaron a la “música ambiental” en centros de trabajo y otros espacios colectivos. 

Escuchando la música de las plantas

En 1976, pocos años después de esta experimentación, investigadores de la comunidad espiritualDamanhur iniciaron un estudio particular colocando sensores eléctricos en las plantas y transformarlos en música. En pocas palabras, utilizaban la expresión bioeléctrica de las plantas para traducirla a música.  La técnica era pues transmitir las emisiones eléctricas de las plantas a un instrumento MIDI (Musical Instrument Digital Interface), un dispositivo electrónico (ver wiki) que transforma señales eléctricas en anotaciones instrumentales.  De este modo, los biorritmos de los árboles y las plantas se convertían en una actuación musical. Gracias a esta tecnología se convierte en música en tiempo real las variaciones en las plantas de factores ambientales. Entre los estímulos que afectan a las plantas hay la proximidad de los seres humanos, la temperatura, la humedad, la audición musical, etc. 



La base tecnológica para captar esta biosensibilidad de las plantas es una variante del circuito electrónico conocida como puente de Wheatstone –un circuito inicialmente descrito en 1833 por Samuel Hunter Christie (1784-1865), aunque se debe a Charles Wheatestone quien le dio muchos usos cuando lo empleó en 1843–, el cual se utiliza para medir resistencias desconocidas mediante el equilibrio de los brazos del puente. El puente lo forman cuatro resistencias que constituyen un circuito cerrado. El sensor usado para captar las variaciones eléctricas en las plantas cuenta con tres resistencias fijas y una variable. De este modo, se mide el diferencial eléctrico entre las hojas y las raíces de la planta. Estas diferencias pueden ser traducidas a una variedad de efectos, incluyendo la música, encender luces, movimiento y otros. En el caso que nos ocupa, al concetarse con un equipo MIDI se traduce a instrumentación musical.

Para conseguir la música de las plantas, el equipo MIDI traduce las variaciones eléctricas y convierte los potenciales eléctricos en sonidos instrumentales. A partir de esta conversión podemos oír lo que llamamos (aunque no sea apropiadamente) la música de las plantas y que como decíamos, en la comunidad espiritual italiana Damanhur, se viene experimentando desde 1976 la cual a su vez comercializa el llamado dispositivo U1. Com este dispositivo cualquiera pueda experimentar con el sonido musical de las plantas. 

El aparato MIDI preparado para traducir en música la sensibilidad eléctrica de las plantas.




Gracias a este dispositivo, algunos artistas han preparado grabaciones de la “música de las plantas”. Otros ven en esta "música" un potencial para la sanación.  Aunque e
l interés para la investigación científica sobre este tema es crucial, la principal aplicación por el momento ha sido lacreatividad artística que es quien ha despertado el interés popular por la música de las plantas. Escuchar la melodía de las plantas es una alegría para nuestra esencia humana y algunos proyectos artísticos han trabajado en esta línea. A modo de ejemplo, el reciente Bio-Symphony: Music of the Plants de Oliver Jennings.

Exhibición de Bio-Symphony: Music of the Plants con Oliver Jennings en 2014 en el Chelsea Flower Show.

Sensibilidad musical

De alguna manera, esta interacción con las plantas muestra que es también una posible forma para aprender a comunicarse con ellas. La dilatada experimentación nos muestra que las plantas tienen las variaciones más sensibles cuando se encuentran cerca de una persona que se preocupa por ellas, cuando se las riega, cuando se les habla, o se interactúa con ellas haciéndoles escuchar música, etc. La cuestión es que hoy podemos ser conscientes de la habilidad innata presente en la naturaleza para comunicarnos entre todos los seres vivos (humanos incluidos). La tecnología MIDI aplicada a escuchar esta forma de variaciones “eléctricas” en las plantas nos abre un mundo de posibilidades .


La certeza científica de que las plantas disponen de un lenguaje propio basado sobretodo en moléculas químicas es incuestionable. Otra cuestión es comprender este lenguaje e interactuar con él. Por el momento, podemos convertir estas variaciones basadas en el potencial eléctrico entre las hojas y raíces de las plantas  para traducirlas a música y acercarnos más a un “lenguaje” común. De la misma experimentación con la “música de las plantas” se ha constatado que las plantas poseen la capacidad de disfrutar aprendiendo a utilizar la armonía musical y también hacer su propia música a medida que escuchan la propia. Seguro que en el futuro los conciertos vegetales no serán nada raros. 
Las plantas son inteligentes y se comunican entre ellas y con el resto de los seres vivos. Acercarnos a la expresividad de las plantas nos ayuda a conseguir más armonía en nuestras vidas. Cada vez son más los grupos de trabajo e información disponible sobre el papel sanador de los árboles y los beneficios de los baños de bosque. Estamos en los albores pues de redescubrir nuestra olvidada historia de amor entre las plantas y los seres humanos y la tecnología nos permite acercarnos a la misma, especialmente como medio común de expresión artística y de sanación.


Fuente: http://www.terra.org/categorias/articulos/la-musica-de-las-plantas


domingo, 24 de mayo de 2015

Dreaming Moths & Woodwalker - (Marcelo Guaraglia)

Dreaming Moths & Woodwalker - (Marcelo Guaraglia)






Marcelo Guaraglia es un joven compositor Uruguayo, que esta vez nos ha brindado una atractiva creación  en la cual nos presenta su música. La misma se expresó en formato de álbum, cuyas piezas fueron trabajadas en conjunto con su colega "Rex". Las mismas están relacionadas entre si a través de un concepto músico-estético el cual les invitamos a apreciar.
Palabras de Marcelo:
"Este es un disco compartido entre Rex y yo, en el que ya hemos estado trabajando por algo más de un año y medio. No es realmente el formato común de un disco compartido, no hay un lado Woodwalker y un lado Dreaming Moths con una canción hecha entre los dos en el medio. En vez de eso, las canciones están mezcladas y arregladas en un orden que pensamos que era apropiado. La creación del álbum fue muy colaborativa, trabajamos muy juntos a la hora de escribir y producir cada canción.

Trabajar con alguien que vive en el extremo opuesto del continente en el que vives fue un proceso increíblemente divertido e interesante. Rex y yo nos hemos hecho muy buenos amigos mientras que trabajábamos en este álbum, y estamos muy felices de poder compartirlo finalmente con ustedes.

"Ligeramente derivado de la palabra del Budismo Zen "mu", la cual se traduce a "nada" o "la nada" y es usado como respuesta a preguntas que están fundamentalmente erradas, Mu's Journey (El Viaje de Mu) cuenta las experiencias del titular Mu, una amalgama de las personalidades de Brown y Guaraglia, cada canción detallando el viaje de Mu a través de la vida, sus memorias, esperanzas y fallos, todos ellos envueltos en un cómodo sentimiento de merodeo y curiosidad."

El álbum está compuesto en su mayoría de samples, cada canción sampleando más de cinco o seis canciones, algunas más que otras (La canción 3, Plastic Clock samplea entre 12 y 13 canciones).

Rex y yo esperamos que disfrutes escuchando este álbum tanto como lo disfrutamos haciéndolo, y muchas gracias por tomarte el tiempo de escuchar nuestro álbum".



Link de descarga:  https://dreamingmoths.bandcamp.com/



Fuentes: https://dreamingmoths.bandcamp.com/

viernes, 22 de mayo de 2015

Cubase y Allan Holdsworth

Cubase y Allan Holdsworth

Cubase es una serie de aplicaciones informáticas para editar audio digital, MIDI y un secuenciador de música, (comúnmente conocidas como DAW - Digital Audio Workstation), creadas originalmente por la firma alemana Steinberg en 1989.





El maestro Allan Holdsworth ha usado esta aplicación para realizar su último album "Tales from the Vault" (2015). Y además ha firmado con Steinberg  una serie de recomendaciones de grabación para Cubase 8 la cual se puede descargar desde la página oficial de la empresa.



Fuentes: http://www.steinberg.net/ - http://es.wikipedia.org/wiki/Cubase




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miércoles, 20 de mayo de 2015

Carystal Voyager


Crystal Voyager es un film de Surf Australiano del año 1973 dirigido por David Elfick .
Fue filmado, escrito y narrado por el surfista, fotógrafo y cineasta George Greenough que había hecho anteriormente la película de 1970 de surf "The Innermost Limits of Pure Fun."

La película está estructurada como una biografía de Greenough. En él se documenta la búsqueda de Greenough para las playas ondas con poca gente, lo que llevó a la construcción de su yate de 37 pies para ir a alta mar. También aparecen sus amigos Richie West y el campeón mundial australiano Nat Young .

Crystal Voyager se estrenó en el Teatro de la Ópera de Sydney , el 5 de diciembre de 1973 y tuvo una exitosa carrera de tres semanas antes de la apertura en otros estados. La versión teatral de 35 mm de la película es diferente de la versión de 16 mm original y fue re-editado por Elfick y Greenough.Se convirtió en una de las películas de surf más exitosos 





La secuencia de cierre, cortometraje de Greenough Echoes , se considera generalmente que es el punto culminante de la película. Filmada con una cámara en una carcasa resistente al agua atado a la espalda de Greenough, la secuencia se compone en su totalidad de cámara lenta, metraje realizado dentro de las olas, editado a la canción de 23 minutos " Echoes "de Pink Floyd . El grupo de los informes, permitió Elfick y Greenough a utilizar la música en su película a cambio de la utilización de material de archivo de Greenough como fondo visual cuando se realizan "Echoes" en concierto.


Fuente:  http://en.wikipedia.org/wiki/Crystal_Voyager
                 

martes, 19 de mayo de 2015

Beledo



José Pedro Beledo es un músico nacido en Uruguay con gran trayectoria en el extranjero, cosa que nos pone contentos a todos los que sabemos a qué se ha dedicado.
Éste gran artista es alguien que dada nuestra consideración, es de imprescindible importancia conocerlo y tenerlo presente a cada instante.
Su estilo es único, original y sensible, en el cual su personalidad se ve reflejada en ritmo, armonía y melodía.

Su carrera es muy larga y exitosa, se podría decir que desde los 6 años de edad, en la que empezó a estudiar música y  piano formalmente.
Posteriormente, se dedicó de lleno al estudio de la guitarra, y con el correr del tiempo adoptó varias influencias musicales entre las cuales se encontraban el Rock, el Blues y el Pop (entre otras) terminando finalmente por acentuar su estilo dentro del Jazz-Rock Progresivo, siendo pionero del género en nuestro país.

Beledo participó e innovó en varias bandas uruguayas muy importantes, dentro de las cuales se encuentra Opa, cuya repercusión en los U.S. llevó a que  lo condecoraran una promesa guitarrística por las revistas de Jazz (condecoración que no era errada).

The Avangers




El último Proyecto de Beledo  “The Avangers”  con su álbum “On a Mission” es uno de los mas importantes que ha realizado, no por ser mas reciente que los otros, ni por ser mejor ni peor, sino por ser una banda que plasma totalmente su personalidad. En éste su música es más concisa en cuanto a sus preferencias actuales, como por ejemplo la gran influencia del maestro Allan Holdsworth. El álbum contiene piezas grandiosas, las cuales en su generalidad, se las puede incluir dentro del género Prog-Rock Fusión.
Les recomendamos a los estudiantes de guitarra, que lo escuchen con atención. Van a encontrar escalas y licks que parecen salidos de otro planeta.  Todas las composiciones son de Beledo exceptuando una: “Portia”, que pertenece a Marcus Miller, músico con el cual  también ha compartido experiencias.

A continuación les dejamos su Página Oficial en la cual pueden encontrar mucho de su material y su biografía mas detallada.

Beledo Página Oficial








Fuente:   http://beledo.com/biography.htm

lunes, 18 de mayo de 2015

Nuevo Álbum 2015 de John McLaughlin : "Black Light"

John McLaughlin lanzará su nuevo album nombrado "Black Light" en el otoño del 2015 con su banda "4th Dimension"







El guitarrista John McLaughlin lanzará un nuevo álbum "Black Light" este otoño, con su banda "4th Dimension"

El álbum incluirá ocho composiciones originales McLaughlin, entre ellos, de acuerdo con un comunicado de prensa, "un homenaje a su colega fallecido y colaborador, Paco De Lucía, con quien McLaughlin había previsto los informes, para componer el valor de un álbum de material nuevo justo antes de la muerte de De Paco. 

El homenaje, titulado" El Hombre Que Sabia", cuenta con McLaughlin en la guitarra acústica.

La 4th Dimension band está compuesta por:


  • Gary Husband en los teclados y tambores



  • Etienne Mbappe en el bajo eléctrico



  • Ranjit Barot en batería 




El lanzamiento será seguido por una gira mundial.









Fuente:

http://jazztimes.com/articles/161319-john-mclaughlin-to-release-black-light-in-fall




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domingo, 17 de mayo de 2015

Entradas agotadas para David Gilmour Tour 2015


Era de esperarse, en 2 meses, todas las entradas agotadas desde su lanzamiento el viernes 6 de marzo a las 10 de la mañana. La gira de David Gilmour va a tener lugar en algunos puntos específicos de Europa, cada uno de ellos mas impresionante que el otro. Al parecer tendremos que esperar un poco mas para poder ver a este genio por la región Latinoamericana.

Fuentes:
http://www.davidgilmour.com
http://rockthebestmusic.com/2015/03/david-gilmour-gira-2015.html





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sábado, 16 de mayo de 2015

B.B. King



Durante más de medio siglo, Riley B. King - más conocido como BB King - ha definido el blues para una audiencia mundial. Desde que comenzó a grabar en la década de 1940, ha publicado más de cincuenta álbumes, muchos de ellos clásicos. Él nació el 16 de septiembre de 1925, en una plantación en Itta Bena, Mississippi, cerca de Indianola. En 1947 se fue a Memphis para dedicarse a su carrera musical.
La primera gran oportunidad de BB se produjo en 1948 cuando actuó en el programa radial de Sonny Boy Williamson en KWEM de West Memphis. Pronto BB necesitaba un nombre pegadizo de radio. Lo que comenzó como Beale Street Blues Boy fue acortado en Blues Boy King, y, finalmente, BB King.
Historia de "Lucille"
A mediados de la década de 1950, mientras que BB estaba actuando en un baile en Twist, Arkansas, se produjo un conflicto. Dos hombres se enzarzaron en una pelea y derribaron una estufa de queroseno, prendiendo fuego la sala. BB corrió al aire libr a la seguridad con todos los demás, entonces se dio cuenta de que él dejó su guitarra acústica dentro, por lo que se apresuró a entrar en el edificio en llamas para recuperarlo, escapando poco a la muerte. Cuando más tarde se enteró de que la lucha había sido más de una mujer llamada Lucille, decidió dar el nombre de su guitarra para recordarle que nunca de hacer una locura como una lucha por una mujer. Desde entonces, cada una de la marca de guitarras Gibson de BB ha sido llamada Lucille.
BB se ha convertido en el más famoso músico de blues de los últimos 40 años .
Con los años, BB ha desarrollado uno de los estilos de guitarra más identificables del mundo. Él tomó prestado de Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walker y otros, la integración de sus precisas y complejas curvas de cuerdas vocales  y su vibrato en la mano izquierda, los cuales se han convertido en componentes indispensables de vocabulario del guitarrista de rock. 

Fuente: http://www.bbking.com
A continuación les dejamos un material único, Pappo y BB king juntos:







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