Barney Kessel

Barney Kessel (17 octubre 1923 hasta 6 mayo 2004) fue un guitarrista de jazz estadounidense nacido en Muskogee, Oklahoma . Por su conocimiento de los acordes y las inversiones y melodías basadas en acordes, fue miembro de muchos grupos de jazz prominentes, y un gran sesionista de estudio, cine, televisión y grabación. Kessel era un miembro del grupo de músicos de sesión informalmente conocida como la Wrecking Crew .

Kessel comenzó su carrera en la adolescencia tocando en bandas locales. Cuando tenía 16 años, empezó a tocar con la banda de Oklahoma A & M,"Hal Price & the Varsitonians". Los miembros de la banda lo apodaron "Fruitcake", porque él practicaba hasta 16 horas al día. Luego pasó a bandas como la dirigida por Chico Marx. En 1944 participó en la película Jammin 'the Blues , que contó con Lester Young , y en 1947 grabó conCharlie Parker's New Stars en el Relaxin en Camarillo Sesion para Dial Records . Él fue calificado como el guitarrista Nº 1 en Esquire, Down Beat y Playboy Magazine entre 1947 y 1960.

Kessel era conocido por su trabajo innovador. En la década de 1950, hizo una serie de álbumes llamados  The Poll Winners con Ray Brown en el bajo y Shelly Manne en la batería. También fue el guitarrista en el álbum Julie Is Her Name (1955) de Julie London , que incluye " Cry Me a River "; esta canción que tuvo millones de ventas cuenta con una parte de guitarra de Kessel, que ilustra su acercamiento al chord melody.

Kessel era también un miembro del Oscar Peterson Trio con Ray Brown por un año, dejando en 1953. Kessel también tocó con Sonny Rollins a finales de 1950 y se puede oír en el álbum Sonny Rollins and the Contemporary Leaders en canciones como "How High the Moon".

En 1957, Barney Kessel fue introducido en el Kay Musical Instrument Company mientras tocaba en un club de jazz local en Chicago. Se le ofreció tres modelos de guitarra de la firma, la K1700 (Pro), K6700 (artist) y K8700 (Jazz Especial)  y cada una llevaba su firma grabada en la parte inferior del golpeador. Esta fue también la introducción de la palanca "full kelvinator". En 1960 Kessel las abandonó, pero la producción de estas guitarras continuó sin su firma. En 2014, la Compañía guitarra Kay, que trabaja en estrecha colaboración con la viuda de Kessel Phillis, se aseguró los derechos de licencia para que la firma Kessel volviera a emitir estas tres guitarras.

Kessel fue muy solicitado en Columbia Pictures durante los años 1960, y se convirtió en uno de los guitarristas de sesión mas demandados en los Estados Unidos. Tuvo colavoraciones con  Phil Spector , The Beach Boys , The Monkees y muchos otros.

En 1961 la Gibson Guitar Corporation introdujo el modelo de guitarra Barney Kessel en el mercado y continuó haciendo hasta 1973.

Algunos de los artistas con los que tocó:

Chico Marx , Oscar Peterson , Ray Brown , Sonny Rollins , Phil Spector , The Beach Boys , The Monkees , Milt Jackson , The Wrecking Crew





Fuente: https://en.wikipedia.org/wiki/Barney_Kessel

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Ginger Baker

Peter Edward "Ginger" Baker (19 de agosto de 1939 en Lewisham, Londres) es un baterista inglés mejor conocido por su trabajo con el grupo Cream.

También es conocido por sus numerosas asociaciones con la música del Nuevo Mundo, el uso de las influencias africanas en sus trabajos y de otras diversas colaboraciones, como su trabajo con la banda de rock Hawkwind.

Baker ganó fama como miembro de la agrupación Graham Bond Organization, para luego convertirse en miembro de la banda Cream junto con Jack Bruce y Eric Clapton desde 1966 hasta que se disolvió en 1968. Más tarde se uniría al grupo Blind Faith. En 1970 Baker formó, hizo una gira y grabó un disco con su grupo de fusion rock llamado Ginger Baker's Air Force. Grabaría en 1972 un álbum llamado Stratavarious con el nigeriano pionero del afrobeat Fela Ransome-Kuti y el vocalista Bobby Tench del The Jeff Beck Group bajo su propio nombre. Baker Gurvitz Army se formó en 1974 y lanzó tres álbumes antes de su desaparición en 1976. Desde entonces, Baker ha publicado muchos álbumes de jazz y fusión étnica de percusión también ha grabado y realizado giras con diversos conjuntos de jazz, clásica y rock.

La forma de tocar de Baker atrajo la atención por su exuberancia, espectáculo, y uso pionero de dos bombos en lugar de uno solo. Firmemente convencido como un baterista de jazz, se disgustaba cuando se referían a él como un baterista de rock. Aunque a veces actuaba en forma similar a Keith Moon de The Who, Baker también empleó un estilo más restringido influenciado por los grupo de Jazz británicos que escucho a finales de los 50's y principios de los 60's.

En sus primeros días como baterista ejecutaba largos solos, el más conocido es una pieza de 16 minutos de duración llamada "Toad" que se encuentra en el álbum doble de Cream Wheels of Fire.

También es conocido por utilizar una variedad de otros instrumentos de percusión y por su aplicación de los ritmos africanos.

Baker formó y grabó con Ginger Baker's Energy y ha estado involucrado en colaboraciones con Bill Laswell, el bajista de jazz Charlie Haden y el guitarrista de jazz Bill Frisell. También fue miembro de Hawkwind, Atomic Rooster y Public Image. En 1994 formó The Ginger Baker Trio y se unió el bajista Googe en el Masters of the Reality formada por el productor, cantante y guitarrista Chris Goss.

Baker y Bruce tocaron juntos en la Graham Bond Organization antes de que aceptaran una invitación de Eric Clapton para unirse a la banda en 1966, a pesar de que Jack y Ginger no se llevaban muy bien, lo cual fue uno de los desencadenantes de la posterior disolución de Cream. Cream se disolvería en 1968 luego en 1969 Baker se unió junto con Clapton a Ric Grech y Steve Winwood en la formación de Blind Faith. En 1994 Baker se unió a BBM (Bruce-Baker-Moore) un power trio de corta vida compuesto por Ginger Baker, Jack Bruce y el guitarrista de blues rock irlandés Gary Moore. Durante mayo de 2005 Baker se reunió con Eric Clapton y Jack Bruce para un re-unión del grupo en el Royal Albert Hall. En estos conciertos y en los que dieron posteriormente en el Madison Square Garden de Nueva York volvieron a aparecer las diferencias entre Ginger y Jack. Este último es citado en un artículo de la revista Rolling Stone escrito en 2009 diciendo: "Hoy en día, estamos felices de coexistir en diferentes continentes [Bruce vive en Gran Bretaña, Baker en Sudáfrica] ... Aunque yo estaba pensando en pedirle que cambie nuevamente de residencia. Todavía está un poco demasiado cerca."


Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Ginger_Baker

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Steve Swallow

Steve Swallow es un compositor y bajista de jazz muy respetado. Nacido el 4 de octubre de 1940 ,Fair Lawn, Nueva Jersey, Estados Unidos, Swallow comenzó su educación musical por el aprendizaje de la trompeta y el piano antes de cambiar al contrabajo. Swallow tocó con muchos grandes músicos de jazz durante esta primera parte de su carrera y se unió Cuarteto de Art Farmer en 1964. Por ese tiempo Swallow también comenzó a componer y a generar una relación de trabajo con Gary Burton que con el tiempo sería duradera.

A principios de 1970 Steve Swallow dejó de tocar el contrabajo y se cambió definitivamente al bajo eléctrico. Swallow enseñó en el Berklee College of Music a mediados de 1970 y se afirma que han influido en el contenido del Real Book.

Durante su larga carrera, Steve Swallow ha integrado muchos excelentes conjuntos, además de ser acompañante de varios de los grandes incluyendo Carla Bley, John Scofield, Pat Metheny, Joe Lovano y Paul Motian. Algunas de sus composiciones como 'Falling Grace','Ladies in Mercedes' y 'Up Too Late' han sido interpretados innumerables veces por una multitud de diferentes artistas. Swallow ha dejado una grán influencia en el mundo del jazz debido a sus composiciónes y al modo de ejecutar el instrumento. Steve Swallow tiene un sonido muy distintivo. Ha usado una variedad de modelos de bajos a lo largo de su carrera y actualmente toca en un bajo Citron AE5 Swallow Signature Custom. En combinación con una púa de cobre, el bajo suena casi como un "sintetizador" sonando muy diferente a cualquiera de los otros grandes nombres en la historia del bajo de jazz.  Steve Swallow es conocido por tocar solos muy líricos y de ser un acompañante de gran apoyo. Su trabajo con el John Scofield Trio ha sido una gran prueba de su estilo único.

Recomendado Grabaciones


Hotel Hello - w/Gary Burton
Damaged in Transit - Steve Swallow Trio
En Route - John Scofield Trio
Duets - w/Carla Bley

Fuente: http://www.bassguitarcourse.com/steve-swallow

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Joe Pass

Joe Pass (nacido Joseph Anthony Jacobi Passalacqua 13 de enero de 1929 - 23 de mayo de 1994) fue un Siciliano guitarrista  virtuoso del jazz . Se le considera generalmente que es uno de los más grandes guitarristas de jazz del siglo 20. Su estilo sofisticado y melodico, con un conocimiento sobresaliente de inversiones de acordes y progresiones , un amplio uso de líneas de bajo para caminar, y un gran contrapunto durante la improvisación, a abierto nuevas posibilidades para la guitarra de jazz y tuvo una profunda influencia en guitarristas posteriores.
Además de su extenso trabajo en solitario, Pass es recordado por sus asociaciones a largo plazo con la cantante Ella Fitzgerald y el pianista Oscar Peterson .

Nacido en New Brunswick , Nueva Jersey , Joe Pass, el hijo de Mariano Passalacqua, un siciliano trabajador de la acería, se crió en Johnstown, Pennsylvania . Recibió su primera guitarra, una  Harmony  modelo comprado por $ 17, en su noveno cumpleaños. El padre de Pass detecta que a su temprana edad tenía talento y lo empujó constantemente para sacar melodías de oído, tocar piezas que no estaban escritas específicamente para el instrumento, la práctica de escalas y  a "no dejar espacios "- es decir, a rellenar el espacio sonoro entre las notas de la melodía.

Ya a los 14, Pass comenzó a conseguir conciertos y fue tocando con bandas junto a Tony Pastor y Charlie Barnet , perfeccionando sus habilidades con la guitarra y aprendiendo el negocio de la música. Él comenzó a viajar con grupos de jazz pequeñas y finalmente se trasladó desde Pennsylvania hasta la ciudad de Nueva York . En pocos años, desarrolló una adicción a la heroína y pasó gran parte de la década de 1950 en la cárcel.Pass logró salir de la adicción a los narcóticos a través de una estancia de dos años y medio de duración en el Synanon rehabilitation program. Durante ese tiempo, "no tocó mucho". En 1962 grabó sonidos de Synanon . Fue por entonces cuando Pass recibió su guitarra marca Gibson ES-175 como un regalo, que posteriormente la utilizó para sus giras y grabaciones durante muchos años.

Ella Fitzgerald y Joe Pass, 1974

Pass a grabado una serie de álbumes durante la década de 1960 para el Pacific Jazz label incluyendo los primeros clásicos Catch Me,12-String Guitar, For Django, y Simplicity. En 1963, Pass recibió el Downbeat de la revista "New Star Award". Pass también fue presentado en el Pacific Jazz recordings por Gerald Wilson , Bud Shank , y Les McCann . Pass se va de gira con George Shearing en 1965. Durante la década de 1960, sin embargo, lo hizo sobre todo en la televisión y sesiones de grabación en Los Ángeles .

Era un acompañante de Louis Bellson , Frank Sinatra , Sarah Vaughan , Joe Williams , Della Reese , Johnny Mathis , y trabajó en programas de televisión, incluyendoThe Tonight Show Starring Johnny Carson , The Merv Griffin Show , El Show de Steve Allen , y otros. A principios de la década de 1970, Pass y el guitarrista Herb Ellis tocaban juntos con regularidad en el club de jazz de Donte en Los Angeles. Esta colaboración llevó a Pass y Ellis a grabar el primer álbum en el nuevo  Concord Jazz label, titulado simplemente Jazz / Concord (# CJS-1), junto con el bajista Ray Brown y el baterísta Jake Hanna . A principios de la década de 1970, Pass también colaboró en una serie de libros de música, y su Joe Pass Guitar Style (escrito con Bill Thrasher) es considerado un libro de texto que lleva la improvisación del jazz para los estudiantes.
Norman Granz , el productor de Jazz en la Filarmónica y el fundador de Verve Records firmó paso a la nueva de Granz Pablo Records label en 1970. En 1974, lanzó su paso hito disco solista virtuoso sobre Pablo Records. También en 1974, Pablo Records lanzó el álbum El Trío con Pass, Oscar Peterson , y Niels-Henning Ørsted Pedersen . Él tocó con ellos en muchas ocasiones a lo largo de los años 1970 y 1980. En los premios Grammy de 1975 , El trío ganó el premio Grammy a la mejor interpretación de jazz por un Grupo . Como parte de la Pablo Records "stable,"  Pass también grabó con Benny Carter , Milt Jackson , Herb Ellis , Zoot Sims , Duke Ellington , Dizzy Gillespie , Ella Fitzgerald , Count Basie , y otros.
Pass y Ella Fitzgerald grabaron seis álbumes juntos en Registros Pablo, hacia el final de la carrera de Fitzgerald:  Take Love Easy (1973), Fitzgerald and Pass... Again(1976), "Hamburg Duets - 1976" (1976), "Sophisticated Lady" (1975, 1983), Speak Love (1983), y Easy Living (1986).
En 1994, Joe Pass murió de cáncer de hígado en Los Ángeles, California a la edad de 65. Antes de su muerte, había grabado un disco de versiones instrumentales de canciones de Hank Williams con el guitarrista country Roy Clark .

Legado 

Joe Pass in concert in 1974 playing his famous Gibson ES-175 guitar

Joe Pass en concierto en 1974 tocando su famosa guitarra Gibson ES-175
Además de las actuaciones del conjunto, la comunidad del jazz se refiere a Joe Pass como un guitarra solista influyente. New York Magazine dijo de él: "Joe Pass parece el tío de alguien y toca la guitarra como nadie. A menudo comparado  a Paganini por su virtuosismo. Hay una cierta pureza de su sonido que lo hace destacarse fácilmente de otros guitarristas de jazz de primer nivel.  Su estilo en solitario estuvo marcado por una técnica avanzada lineal, sentido armónico sofisticado, contrapunto, figuras de bajo y acordes, modulaciones espontáneas y las transiciones de tempos. Añadía regularmente lo que llamó "tonos de color" a sus composiciones, para dar lo que él creía que era un sonido "funky" más sofisticado. A menudo utilizaba el contrapunto melódico durante la improvisación, moviendo líneas y acordes cromáticamente o reproducir melodías de acordes exclusivamente cambiantes, y descendiendo con arpegios aumentados al final de las frases.

El estilo tempranod e Pass '(influenciado por el guitarrista Django Reinhardt y el saxofonista Charlie Parker ), estuvo marcado por las líneas de una sola nota rápidas y un sentido melódico que fluye. 


Epiphone ha producido una edición en su honor. Anteriormente Ibáñez tenía un modelo de guitarra de jazz Joe Pass.

Fuente: https://en.wikipedia.org/wiki/Joe_Pass

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Cacho Tirao

Tirao nació el 5 de abril de 1941 y comenzó a tocar la guitarra a los cuatro años, de la mano de su padre. A los siete años ganó su primer premio, por una presentación en la sección artística de Radio Mitre. Con sólo 16 años fue incluido como solista en la orquesta del Teatro Argentino de La Plata. Integrante del mítico quinteto de Astor Piazzolla, Tirao trabajó entre otros con Osvaldo Tarantino, Dino Saluzzi y Rodolfo Mederos. Acompañó a Josephine Baker y dejó grabados cerca de 40 discos, uno de los cuales vendió un millón de placas. Además es autor de numerosas composiciones propias, dentro de ellas el Concierto para Guitarra y Orquesta Sinfónica "Conciertango Buenos Aires", creado a instancias del genial concertista español Joaquín Rodrigo y que estrenó en Bélgica en 1985.

En febrero de 1986, su hija Alejandra jugando con su hermano Gabriel -de catorce años de edad-, tomó un revólver que creyó de juguete y le disparó causándole la muerte. La tragedia dejó secuelas, primero un asma pertinaz que le duró hasta el final y luego, una hemiplejía.

Durante la década de 1970 estuvo al frente del programa Recitales espectaculares, que tenía elevados niveles de audiencia. Por esos años también comenzó a dar recitales con Paco de Lucía, quien luego se convirtió en un gran amigo. En el año 2000 Cacho Tirao se desplomó en pleno concierto, mientras daba un recital en la Casa de Cultura de Adrogué. Tras haber abandonado la actividad artística por seis años, luego de un incidente cardiovascular en 2000 que le generó una hemiplejia, Tirao había retomado sus presentaciones y a fines del año 2006 registró su última placa discográfica, "Renacer", que se editó en enero y que pensaba presentar en vivo en Buenos Aires.

En este material, que incluye una serie de temas propios como "Le petit tango", "Tercer tiempo" y "Teresa, mi renacer", dedicado a su esposa, participó también su hija Alejandra en voz. Cacho Tirao falleció el 30 de mayo de 2007 en su casa de Capital Federal.

Trayectoria artística

Se destacó como solista virtuoso, compuso e interpretó tango, milonga, zamba, cueca, chacarera y otros diversos géneros musicales. Entre sus particulares composiciones se destacan "La Milonga de Don Taco", en memoria de su padre; "La milonga del niño deseado" dedicada a su nieto y la excelente bossa nova titulada "Sonveri",grabada para CBS en 1979 en el álbum "Cacho Tirao ... Sin Lugar a Dudas".

Grabó 36 discos, el primero como solista en 1971 "Mi guitarra, tú y yo"; y el último en 2006, "Renacer", tras recuperarse de una hemiplejía sufrida a raíz de un accidente cerebrovascular.

Alcanzó altos niveles de popularidad en la década de 1970, cuando conducía el ciclo Televisivo "Recitales Espectaculares", al punto que una de sus grabaciones en 1978 vendió más de un millón de placas.


Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Cacho_Tirao

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Béla Fleck

 

En caso de que no estés familiarizado con Béla Fleck, hay algunos que dicen que es el mejor del mundo tocando el banjo. Otros afirman que ha reinventado el sonido del banjo a través de un rendimiento notable en su carrera discográfica y en una serie de proyectos en solitario y colaboraciones. En cambio, si usted ya está familiarizado con Béla, entonces sabe que le encanta tocar el banjo, y que hademás lo ha llevado a un entorno único.

Cualquier músico de clase mundial que nace con los nombres de Béla (por Bartok), Anton (por Dvorak) y Leo (por Janacek) parece destinado a tocar música clásica. Con una fuerza poderosamente creativa en bluegrass, jazz, pop, rock y world beat, Béla al fin hizo la conexión clásica con el “Perpetual Motion” su aclamada grabación clásica de 2001 de la mano de Sony, que pasó a ganar un par de Grammys, incluyendo Mejor Clásica Crossover Album, en la 44ª edición de los premios Grammy. Colaborando con Fleck sobre “Perpetual Motion” se encuentra su viejo amigo y colega Edgar Meyer, un bajista cuyo virtuosismo desafía las etiquetas y también un aclamado compositor. Béla y Edgar co-escribieron y realizaron un doble concierto de banjo, junto a un bajo y la Sinfónica de Nashville, que comenzó en noviembre de 2003. También co-escribió un concierto triple para el banjo, el bajo y la tabla, con el renombrado virtuoso de tabla Zakir Hussain titulado The Melody of Rhythm.

En 2011, Béla escribió su primer stand alone concierto de banjo con la Sinfónica de Nashville. Este trabajo, titulado "The Impostor", junto con su nuevo quinteto para banjo y cuarteto de cuerda se dará a conocer en agosto en la etiqueta de Deutche Gramaphone.

En estos días se habla de las diversas futuras giras: Un dúo con Chick Corea, un trío con Zakir Hussain y Edgar Meyer, conciertos con el cuarteto de cuerdas de Brooklyn Rider, dúos con Abigail Washburn, con artistas africanos Oumou Sangare como Toumani Diabate y, en una colaboración con el jazz Marcus Roberts Trio, haciendo bluegrass con sus viejos amigos, y conciertos en solitario. Y Béla Fleck y el Flecktones todavía tocan juntos, a 25 años después del inicio de la banda.

Béla tiene 15 Grammys ganados, y 30 nominaciones. Ha sido nominado en más diferentes categorías musicales que nadie en la historia de los Grammy.





Fuente : http://belafleck.com/bio/

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Tom Zé

Tom Zé, de nombre completo Antônio José Santana Martins (nacido en Irará, Bahía, el 11 de octubre de 1936) es un músico brasileño, compositor de canciones y multiinstrumentalista, del género denominado música popular de Brasil.

Nacido en una familia acomodada, gracias a un boleto premiado de lotería, la infancia de Tom Zé transcurre en la agreste región bahiana de Irará. Posteriormente se muda a Salvador para estudiar gimnasia. De adolescente, comienza a interesarse por la música y estudia guitarra clásica. Toca esporádicamente en algunos shows de aficionados de la televisión brasileira en los años 60, y acaba ingresando en la Escola de Música da Universidade Federal da Bahia que cuenta, entre su profesorado de la época, con la presencia de Ernst Widmer, Walter Smetak y el dodecafonista Hans Joachim Koellreutter.

En la misma época, se junta con Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa y Maria Bethânia en el espectáculo Nós, Por Exemplo nº 2, en el Teatro Castro Alves, en Salvador. Con el mismo grupo, va a São Paulo a escenificar Arena Canta Bahia, bajo la dirección de Augusto Boal, y graba el álbum manifiesto del movimento Tropicalista, Tropicália ou Panis et Circensis, en 1968.

En 1968, obtiene el premio en el IV Festival da Música Brasileira, del canal de televisión TV Record, con su tema São, São Paulo, Meu Amor.

Pasó los años 70 y los años 80 avanzando aún más su concepto de pop experimental editando álbumes relativamente desconocidos, sin lograr atraer la atención del gran público.

A finales de los años 80, es “descubierto” por el músico británico David Byrne (ex Talking Heads) quien edita un recopilatorio en dos volúmenes de Tom Zé, a través del sello Luaka Bop, con gran éxito entre el público y la crítica.

Lentamente, su carrera se va recuperando y Tom Zé pasa a llenar escenarios en toda Europa, Estados Unidos y Brasil especialmente a partir del lanzamiento de su CD Com Defeito de Fabricação en 1998. Hoy, en 2010, a sus 74 años de edad, sigue en plena efervescencia creativa.


Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Tom_Z%C3%A9

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Johnny Winter

Johnny Winter ha sido un héroe de la guitarra sin igual. Con un constante cambio entre country y blues en la línea de Robert Johnson, Johnny siempre ha sido uno de los cantantes más respetados y guitarristas del rock y el claro vínculo entre British blues-rock y rock sureño americano (al estilo de la Allman Brothers y Lynyrd Skynyrd.) A lo largo de los años 70 y 80, Johnny fue un abanderado para defender y ayudar a las carreras de sus ídolos como Muddy Waters y John Lee Hooker.

Al crecer en una ciudad áspera de campos petroleros y trabajadores de los astilleros, dedicaba su tiempo a escuchar por largas horas a un disc jockey local llamado JP Richardson - The Big Bopper de la fama "Chantilly Lace" - y se convirtió en adicto del rock & roll de los años 50 . Formó su primera banda, Johnny and the Jammers, en 1959 a la edad de 15, junto a su hermano de 12 años  Edgar en los teclados. Las tensiones raciales en Beaumont seguian siendo elevadas en aquellos días. La ciudad había tenido uno de los peores disturbios raciales en la historia de Texas sólo nueve meses antes del nacimiento de Johnny. Las turbas vagaban por las calles, los negocios quemados, la ley marcial entró en vigor, y más de 2.000 uniformados de la Guardia Nacional y los Rangers de Texas sellaron la ciudad del resto del mundo hasta que los ánimos se enfriaron. A pesar de eso, Johnny se recuerda vacilando como un niño aventurandose en los barrios negros para escuchar y tocar música. Mirando hacia atrás, él cree que la gente de la comunidad negra sabían que era sincero, que estaba realmente poseído por el blues. "Fui a clubes de negros todo el tiempo, y nunca nadie me molestó. Siempre me sentí bienvenido.También se hizo amigo de Clarence Garlow, un deejay en la estación de radio negra Kjet en Beaumont.

Hay una famosa historia sobre un momento en 1962 cuando Johnny y su hermano fueron a ver a BB King en un club de Beaumont llamado Raven. Los únicos blancos en la multitud, sin duda, se destacaron. Pero Johnny ya tenía sus relevancia y quería tocar con BBK "Tenia aproximadamente 17 años," Johnny recuerda, "y BB no quería dejarme entrar en escena al principio. Él me pidió una tarjeta de unión, y tuve una. Además, me mantuve enviando gente a pedirle que me deja tocar. Finalmente, decidió que habían suficientes personas que querían oírme. Me dio su guitarra y me dejó tocar. Me dieron una ovación de pie, y él tomó su guitarra de vuelta! "


Un gran avance le llegó unos años más tarde en 1968 , Stone Larry Sepulvado y John Burks le ofrecen en un lugar en la escena musical de Texas, lo que provocó una guerra de ofertas entre las etiquetas, que Columbia Records finalmente ganó.El autotitulado disco de Johnny 1969 anunció en voz alta que había una nueva guitarra hondero en la nueva escena nacional. El disco incluye covers audaces, clásicos del blues como BB King  “Be Careful with a Fool,” Sonny Boy Williamson II’s “Good Morning Little School Girl,” Robert Johnson’s “When You Got a Good Friend” y Lightin’ Hopkins’ “Back Door Friend.” También contó con dos canciones de Winter principales “Dallas” y el controversial “I’m Yours and I’m Hers,”que entró en rotación en la radio FM de metro. El álbum alcanzó el puesto No.24 en el Billboard.
Mirando hacia atrás, el escritor Cub Koda describió el periodo como "Recién salido de Texas, con un trío caliente,Winter hizo la música de blues-rock de los ángeles." Ese trío, dicho sea de paso, era incluido por el bajista Tommy Shannon y el baterista John Turner. Winter se quedó con Columbia por un tiempo, y posteriormente se unió Alligator Records en 1984 para grabar unicamente álbums de Blues. 




Hoy Johnny Winter está disfrutando de un resurgimiento sin precedentes, las entradas para los espectáculos se agotan en todo el mundo, incluso después de una larga vida llena de honores y logros, como una aparición triunfal en el Festival de Crossroads de Eric Clapton con Derek Trucks, Buddy Guy y Clapton que ha sido inmortalizado en el premio Emmy. En una ceremonia con Slash presentada en Nashville, Gibson Guitars lanzó la firma Johnny Winter Firebird, guitarra que ha sido su amada marca comercial por años. Además Winter ha sido cabeza de cartel de eventos de prestigio tales como el New Orleans Jazz & Heritage Festival, Chicago Blues Festival, Swedish Rock Fest, Warren Haynes X-mas jam y Europe’s Rockpalast vistos por millones sólo para nombrar unos pocos.




Fuente: http://www.johnnywinter.com/about/

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