Doc Watson

Arthel Lane "Doc" Watson (3 marzo 1923 a 29 mayo 2012) fue un guitarrista, compositor y cantante de bluegrass, Folk, Country, Blues y Gospel. Watson ganó siete Grammys, así como un Grammy Lifetime Achievement Award. Sus habilidades de Flatpicking  y conocimiento de la música tradicional americana son muy apreciados. Actuó con su hijo, el guitarrista Merle Watson, por más de 15 años hasta la muerte de Merle en 1985 en un accidente en la granja familiar.

Primeros años 

Watson nació en Deep Gap, Carolina del Norte. Según Watson. se puso el apodo de "Doc", durante un programa de radio en vivo cuando el locutor comentó que su nombre de pila Arthel era extraño y que necesitaba un apodo fácil.

Una infección ocular lo llevó a perder su visión cuando tenía 1 año de edad. Él fue enseñado por sus padres a trabajar duro y cuidar de sí mismo. Asistió a The Governor Morehead School, en Raleig, Carolina del Norte, una escuela para discapacidad visual.

En una entrevista de radio en 1989 con Terry Gross en la Radio Pública Nacional, Watson explica cómo consiguió su primera guitarra. Su padre le dijo que si él y su hermano David talaban las maderas que rodeaban su campo, podrían venderla una curtiembre. Watson compró una guitarra Stella de Sears Roebuck  que valía 10 dolares con sus ganancias, mientras que su hermano compró un traje nuevo. Más tarde en esa misma entrevista, Watson explicó que su primera guitarra de alta calidad fue una Martin D-18.

Las principales influencias de Watson eran los músicos de country roots y grupos, como Carter Family y Jimmie Rodgers. La primera canción que aprendió a tocar en la guitarra fue "When Roses Bloom in Dixieland", registrada por la Carter Family en 1930. Watson declaró en una entrevista con  American SongwriteR que, "Jimmie Rodgers fue al primero que noombré como mi favorito  ". Watson demostró ser un talento musical natural y en cuestión de meses se realiza en las esquinas locales tocando canciones de los Delmore Brothers, Louvin Brothers, y Monroe Brothers junto a su hermano Linny. Cuando Watson llegó a la edad adulta, ya se había convertido en un guitarrista competente.

Carrera 

En 1953, Watson se unió a la Johnson City, junto a Jack Williams. Siguiendo el ejemplo de los guitarristas de Country como Grady Martin y Hank Garland, Watson aprendió a tocar melodías de violín en su guitarra eléctrica Les Paul. Más tarde se trasladó a la técnica de la guitarra acústica, y tocando melodías de violín se convirtió en parte de su sonido característico. Durante su tiempo con Jack Williams, Doc también ayudó a su familia trabajando en afinar pianos.

En 1960, como el renacimiento de la música popular americana creció, Watson tomó el consejo de la musicólogo Ralph Rinzler y comenzó a tocar la guitarra acústica y banjo exclusivamente.
Ese movimiento encendió la carrera de Watson cuando realizó en su primera grabación, Old Time Music at Clarence Ashley's. También es de importancia crucial para su carrera fue el 11 de febrero de 1961 cuando tuvo una aparición en PS 41 en Greenwich Village. Posteriormente, comenzó su carrera como solista y apareció en universidades y clubes como el Ash Grove en Los Ángeles. Watson finalmente consiguió una gran oportunidad junto a críticas muy favorables con su actuación en el famoso Festival de Folk de Newport en Newport, Rhode Island en 1963. Watson grabó su primer álbum en solitario en 1964 y comenzó a tocar con su hijo Merle, el mismo año.

Después que el renacimiento popular se desvaneció durante la década de 1960, la carrera de Watson fue sostenida por su performance de la canción de Jimmy Driftwood Tennessee Stud en el 1972 junto a la grabación del álbum en vivo Will the Circle Be Unbroken. Tan popular como siempre, Doc y Merle comenzaron a tocar como trío, con T. Michael Coleman en el bajo, en 1974. El trío recorrió el mundo durante la década de los setenta y principios de los ochenta, registró casi quince álbumes entre 1973 y 1985, llevando la música acústica a millones de nuevos fans. En 1985, Merle murió en un accidente de tractor en su finca familiar.


Hoy se encuentra una escultura de Doc Watson  en la esquina de las calles King y Depot en Boone, Carolina del Norte. La placa en el banco dice "Just One of the People".
Arlen Roth escribe: "... podemos atribuir un estilo completamente nuevo y toda una generación de artistas inspirados por Doc. Fue el primer guitarrista acústico rural de verdad, y el primero en sorprender a las audiencias urbanas a principios de 1960 con su deslumbrante y rápida técnica, y no ha dejado de ser un conductor en la fuerza creativa de la música acústica.

Watson tocó la guitarra tanto con la técnica de flatpicking como la de fingerpicking, pero es más conocido por su trabajo flatpick. Sus habilidades de guitarra, junto con su autenticidad como un mountain musician, hacen de él una figura muy influyente en el renacimiento de la música popular. Watson fue pionero en un rápido y llamativo bluegrass de guitarra solista incluyendo melodías de violín y técnicas de crosspicking  que fueron adoptadas y se extendían por Clarence White, Tony Rice y muchos otros. Watson también fue un gran tocador del banjo y, a veces también acompañado a sí mismo con la armónica. Conocido también por su distintiva y rica voz de barítono, Watson a lo largo de los años ha desarrollado un vasto repertorio de mountain ballads a través de la tradición oral de su zona de origen en Deep Gap, Carolina del Norte. Su actitud afable, humilde naturaleza y delicioso ingenio era aplaudido por sus fans casi tanto como su talento musical.

Watson tocó con la guitarra Martin modelo D-18 en sus primeras grabaciones. En 1968,  comenzó una relación con Gallagher Guitars cuando empezó a tocar con su modelo G-50. Su primera Gallagher, que Watson se refiere como "Old Hoss", está en exhibición en el Country Music Hall of Fame, en Nashville, Tennessee. En 1974, Gallagher creó un modelo personalizado G-50 que pretende comulir con las especificaciones preferidas de Watson, llevando el nombre de Doc Watson. En 1991, Gallagher personaliza una guitarra cutaway para Watson que tocó hasta su muerte y que se refirió como "Donald" en honor al propietario de la segunda generación de Gallagher, Don Gallagher. En los últimos años, Doc había estado jugando unA  Dana Bourgeois dreadnought dada a él por Ricky Skaggs por su cumpleaños 80 .

En 1986, Watson recibió el Premio de Carolina del Norte y en 1994 como Patrimonio Folclórico de Carolina del Norte. También en 1994, Watson se unió a los músicos Randy Scruggs y Earl Scruggs para contribuir con la clásica canción "Keep on the Sunny Side" para el álbum a beneficio del SIDA Red Hot + Country elaborado por la Red Hot Organization.

Vida posterior 

En 2000, Watson fue incluido en el Salón de Música Bluegrass Internacional de Honor en Owensboro, Kentucky. En 1997, Watson recibió la Medalla Nacional de las Artes del presidente de Estados Unidos Bill Clinton.En 2010, se le concedió un doctorado honorario en música de Berklee College of Music en Boston, Massachusetts.

En su vida posterior, Watson redujo su calendario de gira. Fué generalmente acompañado en el escenario por su nieto (hijo de Merle) Richard, así como los socios musicales de toda la vida David Holt o Jack Lawrence. En una ocasión, Watson fue acompañado por el guitarrista australiano Tommy Emmanuel en un concierto en el Bass Performance Hall en Fort Worth, Texas. Watson también tocó acompañado por Holt yRichard, en el Hardly Strictly Bluegrass Festival en San Francisco en 2009, como lo habían hecho varios años anteriores.

Watson realizó el  Merlefest festival de música que se celebra cada abril en Wilkes Community College en Wilkesboro, Carolina del Norte. El festival cuenta con una amplia gama de música de estilo acústico centrándose en el folk, bluegrass, blues y old-time music. Fue nombrado en honor de Merle Watson y es uno de los festivales de música acústicas más populares en el mundo, atrayendo a más de 70.000 aficionados a la música cada año. 

Watson fue incluido en el Music Hall de la Fama de Carolina del Norte en 2010. 

Vida personal y muerte 

En 1947, Doc se casó con Rosa Lee Carlton, la hija del violinista popular Gaither Carlton. Watson y Rosa Lee tuvierpm dos hijos - Eddy Merle (el nombre de las leyendas de la música country Eddy Arnold y Merle Travis) en 1949 y Nancy Ellen en 1951. 

Última actuación de Doc Watson.

El 29 de abril de 2012, Watson toca su última actuación con el Nashville Bluegrass Band en el escenario Creekside at Merlefest.

Watson murió el 29 de mayo de 2012 a Wake Forest Baptist Medical Center de complicaciones después de una cirugía de colon a la edad de 89. Está enterrado en el Merle y Doc Watson Memorial Cemetery, Deep Gap. Watauga County, Carolina del Norte con su esposa e hijo. 

Legado 

En 2002, el High Windy Audio lanzó un CD múltiple biográfico titulado Legacy. La colección cuenta con entrevistas en audio con Watson intercaladas con la música, así como una grabación completa de una presentación en vivo en el Diana Wortham Theatre en Asheville, Carolina del Norte. La colección ganó en el 2002 el Premio Grammy por el Mejor album Folk.

En 2010, Blooming Twig Books publicó una biografía completa de Doc Watson, escrito por Kent Gustavson. El libro, titulado Blind But Now I See: The Biography of Music Legend Doc Watson, da a conocer contenido nunca antes publicado respecto a la vida y la carrera de Watson, obtenida de las entrevistas con los amigos y colaboradores de Watson, entre ellos Norman Blake, Sam Bush, miembros de la familia de Seeger , Michelle Shocked y muchos otros. 

En abril de 2013, Open Records lanzó una colección de discos múltiples de grabaciones inéditas de Doc Watson. La colección, titulada Milestones, cuenta con 94 canciones, así como historias, recuerdos, y más de 500 fotografías. La colección fue creada por la hija de Watson Nancy y está siendo producido por ETSU Bluegrass y el profesor de ETSU Roy Andrade.

Fuente: https://en.wikipedia.org/wiki/Doc_Watson

Merle Travis

Un cantante y compositor de grandes proporciones y estilista de la guitarra de influencia monumental, Merle Travis también demostró ser adepto como actor, autor y hasta dibujante. Un estilista único, que era respetado y destacado lo suficiente como para tener el estilo instrumental, 'Travis picking,' que lleva su nombre. Como compositor, fue tan exitoso e influyente, siendo responsable de canciones clásicas como Sixteen Tons, Dark As A Dungeon, Divorce Me C.O.D. So Round, So Firm, So Fully Packed y Smoke! Smoke! Smoke!. Él también estaba muy bien considerado como un folclorista a través de sus álbumes conceptuales FOLK SONGS OF THE HILLS y SONGS OF THE COAL MINES. Se le atribuye la elaboración de la primera guitarra eléctrica de cuerpo sólido, un modelo, que, al ser perfeccionado por Leo Fender, se convertiría en un elemento clave en el rock and roll temprano. Junto con la reputación de ser uno de los mejores guitarristas de la música country, Travis también tenía una reputación por su comportamiento salvaje, sobre todo cuando bebía. Fue arrestado más de una vez por intoxicación pública y conducir ebrio en su motocicleta. En 1956 hubo un informe muy publicitado de la policía, rodearon su casa después de haber agredido a su esposa. Luego, durante la década de 1960, fue hospitalizado brevemente después de ser arrestado durante la conducción bajo la influencia de narcóticos. Merle Travis Robert nació el 29 de noviembre de 1917, en  Rosewood, en el condado de Muhlenberg, Kentucky. Su padre era un minero de carbón, y la familia era muy pobre. Su primer instrumento fue un banjo de cinco cuerdas, pero cuando él tenía doce años, su hermano mayor le regaló una guitarra casera. Él aprendió los fundamentos de su estilo de guitarra célebre de Mose Rager, tocando con un estilo único de tres dedos que había recogido del trabajador del ferrocarril negro, violinista y guitarrista Arnold Shultz. Un vecino cercano era Ike Everly, otro guitarrista local de dominio y más tarde el padre de Don y Phil, The Everly Brothers. Merle adaptó el finger-style a un grado de complejidad en un repertorio que incluye blues, ragtime y melodías populares. 

No fue suficiente para ganarse la vida, y él sobrevivió trabajando en el Cuerpo Civil de Conservación siendo adolescente. Durante su visita a su hermano en Evansville, Indiana, en 1935, se entretuvo en un local de baile, lo que resulta en miembros de bandas locales y la oportunidad de aparecer en una estación de radio local. En 1937, él era un miembro de los Clayton McMichen’s Georgia Wildcats, y un año después se había unido a The Drifting Pioneers, tocando regularmente en el programa de radio Boone County Jamboree de Cincinnati. Fue también en esta época cuando empezó a tocar con Grandpa Jones and The Delmore Brothers en un cuarteto de gospel llamado The Browns Ferry Four. Un poco más tarde se asoció con Jones como The Shepherd Brothers, y se convirtieron en el primer acto firmado a los King Records (recién fundadas en 1943). Tras su paso por la Infantería de Marina, Travis volvió a Cincinnati brevemente antes de mudarse a Los Angeles, donde comenzó haciendo apariciones en B-western movies y tocando conciertos con banda Western Swing de Ray Whitley. Él firmó con Capitol Records en 1946, entrando en el Top Ten de ese verano con No Vacancy y Cincinnati Lou. Fue en este tiempo que él armó una serie de discos conceptuales de 78 rpm, FOLK SONGS OF THE HILLS, que se destinan a dinero en efectivo en las grabaciones populares exitosas Burl Ives '. Lanzada en 1947, la serie no pudo hacer un impacto, aunque dos de las canciones, Dark As A Dungeon y Sixteen Tons, recibieron un poco más de interés en la radio, estando al aire por un tiempo limitado. Travis estaba disfrutando el éxito sin embargo. Además de la venta exitosa de  Smoke! Smoke! Smoke! de Tex Williams, que tenía media docena de los mejores diez registros a sí mismo, incluyendo Divorce Me C.O.D. y So Round, So Firm, So Fully Packed, que eran los dos grandes éxitos. Él no pudo llegar al éxito en la década de 1950, pero su carrera todavía estaba en tendencia al alza. Él era un habitual tanto en los programas de televisión Hometown Jamboree y Town Hall Party y en fiestas, y consiguió un papel protagonista en la película From Here To Eternity. Él lanzó una serie de registros instrumentales de guitarra influyente y llevó a cabo una gran cantidad de trabajo de sesión, en particular sobre Hank Thompson y grabaciones Tex Ritter. Él fue acreditado en el 1955 Hank Thompson hit de Wildwood Flower. Ese mismo año Tennessee Ernie Ford tenía un pop-country masivo con Sixteen Tons de Merle. Durante el resto de la década de 1950 y comienzos de 1960, los compañeros músicos como Chet Atkins, Scotty Moore, The Everly Brothers refieren a Travis como una gran influencia, pero pocos de la población en general nunca habían oído hablar de él. Finalmente, fue "descubierto" por el renacimiento popular urbano de la década de 1960, e hizo varias apariciones en festivales. Capitol Records reeditó varios de sus clásicos más viejos y por un tiempo se trasladó a Nashville. Él hizo algunas grabaciones con Joe Maphis y Johnny Bond (una brillante colección de Delmore Brothers Songs), e hizo un breve regreso a las listas de éxitos en 1966 con John Henry Jr. una pista de sus canciones aclamadas del álbum COAL MINES. En 1974 se reunió con Chet Atkins para la ATKINS-TRAVIS TRAVELLING SHOW, que ganó un Grammy a la Best Country Instrumental Performance. A lo largo de la década de 1970, después de haberse trasladado a Oklahoma, tocó en las fechas folclóricas de las universidades y emprendió grabaciones ocasionales para CMH Records y también haciendo un álbum tributo a Clayton McMichen con Mac Wiseman. En ese momento, se había establecido con su cuarta esposa, pero sus años de satisfacción iban a ser de corta duración, ya que sufrió un ataque cardíaco fatal el 20 de octubre de 1983. Su hijo, multi-instrumentista Thom Bresh, no ha dejado de mantener la música de su padre con vida. Tanto Doc Watson y Chet Atkins nombrados hijos después de él. 

Recommended Listening

Walkin' The Strings (Capitol 1960; reissued 1996)
Capitol Country Music Classics (Capitol 1992)
Folk Songs Of The Hills (Bear Family 1993)
Guitar Rags And A Too Fast Past (Bear Family 1995)
The best of Merle Travis: Sweet Temptation (Razor & Tie 2000)
Hot Pickin’ (Proper 2003)
The Very Best of Merle Travis (Varese Sarabande 2003)
Boogie Woogie Cowboy 1944-1956 (Country Routes 2003)
In Boston 1959 (Rounder 2003)


Fuente: http://www.alancackett.com/merle-travis-biography

Ella Fitzgerald

Apodada "The First Lady of Song,"  Ella Fitzgerald fue la más popular cantante de jazz femenina en los Estados Unidos por más de medio siglo. En su vida, ganó 13 premios Grammy y vendió más de 40 millones de álbumes.

Su voz era flexible, amplia, precisa y sin edad. Ella podía cantar baladas sensuales, sweet jazz e imitar todos los instrumentos en una orquesta. Ella trabajó con todos los grandes del jazz: Duke Ellington, Count Basie y Nat King Cole, Frank Sinatra, Dizzy Gillespie y Benny Goodman. (O más bien, algunos podrían decir que todos los grandes del jazz tuvieron el placer de trabajar con Ella.)

Actuó en los mejores lugares de todo el mundo, llenando cada escenario. Sus audiencias eran tan diversas como su rango vocal. Eran ricos y pobres, compuesto de todas las razas, todas las religiones y todas las nacionalidades. De hecho, muchos de ellos tenían sólo un factor de unión en común - todos la querían.

Comienzos:

Ella Jane Fitzgerald nació en Newport News, Va., El 25 de abril de 1917. Su padre, Guillermo, y su madre, Templanza (Tempie), se separaron poco después de su nacimiento. Juntos, Tempie y Ella fueron a Yonkers, Nueva York, donde finalmente se mudaron con el novio de mucho tiempo de Tempie José Da Silva. Su media hermana de Ella, Frances, nació en 1923 y pronto comenzó a referirse a Joe como su padrastro.

Para apoyar a la familia, Joe cavó zanjas y era un chofer a tiempo parcial, mientras que Tempie trabajaba en una lavandería e hizo catering. De vez en cuando, Ella asumió pequeños trabajos para contribuir dinero también. Tal vez ingenua a las circunstancias, Ella trabajó como un corredora de apuestas para los jugadores locales, dejandole algo de dinero.

Su apartamento estaba en un barrio mixto, donde Ella hizo amigos fácilmente. Ella se consideraba más un "marimacho", y con frecuencia se unió en los juegos de barrio de béisbol. Deportes de lado, ella disfrutó bailando y cantando con sus amigos, y algunas noches tomaban el tren en Harlem a ver diversos actos en el Teatro Apolo.

Una mala racha

En 1932, Tempie murió a causa de lesiones graves que recibió en un accidente de coche. Ella se llevó la derrota muy dura. Después de quedarse con Joe por un corto tiempo, la hermana de Tempie Virginia tomó a Ella en su casa. Poco después Joe sufrió un ataque cardíaco y murió, y su pequeña hermana Frances se unió a ellos.

Incapaz de adaptarse a las nuevas circunstancias, Ella se hizo cada vez más infeliz y entró en un período difícil de su vida. Sus calificaciones bajaron drásticamente, faltando a clases. Después de meterse en problemas con la policía, fue detenida y enviada a un reformatorio. Vivir allí era aún más insoportable, ya que sufrió palizas a manos de sus cuidadores.

Eventualmente Ella escapó del reformatorio. A los 15 años de edad, se encontró a sí misma y  durante una Gran Depresión, y se esforzó para estar mejor.

Ella reflejó más tarde sus años más difíciles con un aprecio por la forma en que la ayudaron a madurar. Ella utilizó los recuerdos de esos tiempos para ayudar a reunir las emociones para las actuaciones, y sintió que estaba más agradecida por su éxito, porque sabía lo que era luchar en la vida.

¿Qué va a hacer?

En 1934 el nombre de Ella fue retirado en un sorteo semanal en el Apollo y ella ganó la oportunidad de competir en la Noche Amateur. Ella fue al teatro en la planificación de la noche a bailar, pero cuando las frenéticas Hermanas Edwards cerraron el espectáculo principal, Ella cambió de opinión. "They were the dancingest sisters around", dijo Ella, y sintió que su acto no sería nada comparado a ellas.

Una vez en el escenario, frente a los abucheos y murmullos de "¿Qué va a hacer?" de la multitud ruidosa, una Ella asustada y despeinada tomó la decisión de última hora de cantar. Pidió a la banda para tocar de Hoagy Carmichael "Judy", una canción que conocía bien porque la interpretación de Connee Boswell fue una de las favoritas de Tempie. Ella calmó rápidamente la audiencia, y por el final de la canción que exigían un bis. Ella aceptó y cantó la otra cara de Boswell Sister's record, "The Object of My Affections."

Fuera del escenario, y lejos de la gente que conocía bien, Ella era tímida y reservada. Ella era consciente de su apariencia, y por un tiempo, incluso dudaba de la medida de sus capacidades. En el escenario, sin embargo, Ella se sorprendió al descubrir que no tenía miedo. Se sentía como en casa siendo el centro de atención.

"Once up there, I felt the acceptance and love from my audience," dijo Ella. "I knew I wanted to sing before people the rest of my life."

En la banda esa noche fue el saxofonista y arreglista Benny Carter. Impresionado con su talento natural, comenzó la introducción de Ella a las personas que podrían ayudar a lanzar su carrera. En el proceso, Ella y Benny se hicieron amigo de toda la vida, trabajando a menudo juntos.

Impulsada por partidarios entusiastas, Ella comenzó a entrar - y ganar - cada show de talento que pudo encontrar. En enero de 1935 ganó la oportunidad de llevar a cabo durante una semana con la banda Bradshaw Tiny en la Ópera de Harlem. Fue allí donde Ella conoció al baterista y director de orquesta Chick Webb. Aunque su voz le impresionó, Chick ya había contratado un cantante masculino Charlie Linton para la banda. Le ofreció a Ella la oportunidad de probar con su banda  en la Universidad de Yale.

"If the kids like her," dijo Chick, "she stays."

A pesar de la multitud dura, Ella fue un gran éxito, y Chick la contrató para viajar con la banda por $ 12.50 a la semana.

Cosas de Jazz

A mediados de 1936, Ella hizo su primera grabación. "Love and Kisses" fue lanzado bajo el sello Decca, con un éxito moderado. En ese momento ella estaba actuando con la banda de Chick en la prestigiosa Savoy Ballroom de Harlem, que se refiere a menudo como "The World's Most Famous Ballroom."

Poco después, Ella comenzó a cantar una versión de la canción "(If You Can't Sing It) You Have to Swing It."Durante este tiempo, la era de las grandes bandas de swing estaba cambiando, y el foco estaba girando más hacia el bebop. Ella cantó el nuevo estilo, a menudo usando su voz para asumir el papel de otra trompeta en la banda. "You Have to Swing It" fue una de las primeras veces que ella comenzó a experimentar con Scat (estilo musical), y su improvisación y la vocalización emocionado a fans. A lo largo de su carrera, Ella podría dominar el Scat, convirtiéndolo en una forma de arte.

En 1938, a la edad de 21, Ella grabó una versión lúdica de la canción infantil, "A-Tisket, A-Tasket." El álbum vendió 1 millón de copias, alcanzó el número uno, y se quedó en las listas de éxitos durante 17 semanas. De repente, Ella Fitzgerald era famosa.

Al llegar a si misma

El 16 de junio de 1939, Ella lloraba la pérdida de su mentor Chick Webb. En su ausencia, la banda pasó a llamarse "Ella Fitzgerald and Her Famous Band," y ella empezó la abrumadora tarea de directora de orquesta.

Quizás en busca de estabilidad y protección, Ella se casó con Benny Kornegay, un trabajador portuario local que la había estado persiguiendo. Al enterarse de que Kornegay tenía antecedentes penales, Ella se dio cuenta de que la relación fue un error y tenía el matrimonio anulado.

Mientras estaba de gira con la banda de Dizzy Gillespie en 1946, Ella se enamoró de el bajista Ray Brown. Los dos se casaron y, finalmente, adoptó un hijo, a quien llamaron Ray Jr.

En ese momento, Ray estaba trabajando para el productor y gerente Norman Granz en el "Jazz en la Filarmónica" tour. Norman vio que Ella tenía lo necesario para ser una estrella internacional, y convencido de Ella de firmar con él. Fue el comienzo de una relación de negocios y amistad para toda la vida.

Bajo la dirección de Norman, Ella se unió a la gira de la Filarmónica, trabajó con Louis Armstrong en varios álbumes y comenzó a producir su serie cancionero infame. Desde 1956-1964, grabó portadas de álbumes de otros músicos, entre ellos los de Cole Porter, Duke Ellington, los Gershwin, Johnny Mercer, Irving Berlin, y Rodgers y Hart. La serie fue muy popular, tanto con los fans de Ella como con los artistas.

"I never knew how good our songs were until I heard Ella Fitzgerald sing them," Ira Gershwin dijo una vez.

Ella también comenzó a aparecer en programas de variedades de televisión. Rápidamente se convirtió en una invitada favorita y frecuente en numerosos programas, incluyendo "The Bing Crosby Show", "The Dinah Shore Show", "The Frank Sinatra Show", "The Ed Sullivan Show", "The Tonight Show", "The Nat King Cole Show "," The Andy Willams Show "y" The Dean Martin Show ".

Debido a un calendario de gira ocupado, Ella y Ray se encontraban a menudo fuera de casa, forzando el vínculo con su hijo. En última instancia, Ray Jr. y Ella se reconectaron, y remendaron su relación.

"All I can say is that she gave to me as much as she could," dijo Ray, Jr. , "and she loved me as much as she could."

Por desgracia, los horarios de trabajo ocupados también les duelen a Ray y el matrimonio de Ella. Los dos se divorciaron en 1952, pero se mantuvieron como buenos amigos por el resto de sus vidas.

La superación de la discriminación

En el circuito de giras era bien sabido que el gerente de Ella fué muy fuertemente sobre los derechos civiles, exigiendo la igualdad de trato para sus músicos, independientemente de su color. Norman se negó a aceptar cualquier tipo de discriminación en hoteles, restaurantes o salas de conciertos, incluso cuando viajaron al Deep South.

Una vez, mientras que en Dallas estaba de gira la Filarmónica, un escuadrón de la policía irritado por los principios de Norman irrumpió en el backstage para molestar a los artistas. Entraron en el camerino de Ella, donde miembros de la banda de Dizzy Gillespie e Illinois Jacquet estaban disparando los dados, y arrestaron a todos.

"They took us down," dijo Ella , "and then when we got there, they had the nerve to ask for an autograph."

Norman no fue el único dispuesto a ponerse de pie para Ella. Recibió el apoyo de numerosos fans de celebridades, incluyendo un celoso Marilyn Monroe.

"I owe Marilyn Monroe a real debt," dijo más tarde Ella. "Fue gracias a ella que toqué en el Mocambo, un club nocturno muy popular en los años 50. Ella llamó personalmente al propietario del Mocambo, y le dijo que quería que yo toque ahí, y que si él lo haría, ella cantaría cada noche Ella le dijo - y era verdad, debido a la condición de superestrella de Marilyn - que la prensa iba salvaje el propietario dijo que sí, y Marilyn estaba allí, cada noche, la prensa se fue por la borda después de eso.".

Reconocimiento mundial

Ella continuó trabajando tan duro como lo había hecho desde el principio de su carrera, a pesar de los efectos nocivos sobre su salud. Ella estuvo de gira por todo el mundo, a veces realizaba dos shows diarios en ciudades a cientos de millas de distancia. En 1974, Ella pasó unas legendarias dos semanas en Nueva York con Frank Sinatra y Count Basie. Cinco años después, la instalaron en la Down Beat magazine Hall of Fame, y recibió los honores de Kennedy Center por sus continuas contribuciones a las artes.

Fuera de las artes, Ella tuvo una profunda preocupación por el bienestar del niño. Aunque este aspecto de su vida rara vez publicitado, ella con frecuencia hizo generosas donaciones a organizaciones para jóvenes desfavorecidos, y la continuación de estas contribuciones era parte de la fuerza motriz que le impidió desaceleración. Además, cuando Frances murió, Ella sintió que tenía las responsabilidades adicionales de cuidar de la familia de su hermana.

En 1987, el presidente de Estados Unidos Ronald Reagan otorgó a Ella la Medalla Nacional de las Artes. Era uno de sus momentos más preciados. Francia hizo lo mismo varios años más tarde, la presentación de ella con su Comandante del premio Artes y las Letras, mientras que la Universidad de Yale, Dartmouth y varias otras universidades otorgaron a Ella doctorados honorarios.

El final de una era

En septiembre de 1986, Ella se sometió a una cirugía de bypass quíntuple coronaria. Los médicos también reemplazaron una válvula en su corazón y le diagnosticaron diabetes, que se culpaban por su mala vista. La prensa lleva a los rumores de que ella nunca sería capaz de cantar de nuevo, pero Ella demostró que estaban equivocados. A pesar de las protestas de los familiares y amigos, incluyendo Norman, Ella volvió a los escenarios y siguió adelante con una agenda exhaustiva.

Por la década de 1990, Ella había grabado más de 200 álbumes. En 1991, dio su último concierto en el famoso Carnegie Hall de Nueva York.

Como los efectos de su diabetes empeoró, de 76 años de edad, Ella experimentó problemas circulatorios graves y fue forzada a tener ambas piernas amputadas por debajo de las rodillas. Ella nunca se recuperó de la cirugía, y después, rara vez era capaz de realizar. Durante este tiempo, Ella disfrutaba sentada fuera en su patio trasero, y pasaba tiempo con Ray, Jr. y su nieta Alice.

"Sólo quiero oler el aire, escuchar a los pájaros y escuchar a Alice reír", dijo.

El 15 de junio de 1996, Ella Fitzgerald murió en su casa de Beverly Hills. Horas más tarde, los signos de recuerdo comenzaron a aparecer en todo el mundo. Una corona de flores blancas se puso de pie al lado de su estrella en el Hollywood Walk of Fame, y una carpa fuera del teatro de lectura Hollywood Bowl, "Ella, we will miss you."

Después de un servicio fúnebre privado, el tráfico en la autopista se detuvo para dejar al cortejo fúnebre pasar a través de la misma. Fue enterrada en el "Sanctuary of the Bells" sección de la puesta del sol Misión Mausoleo de Inglewood Park Cemetery en Inglewood, California.



Fuente: http://www.ellafitzgerald.com/about/index.html

James Brown

James Brown

Los aficionados y admiradores se refieren a él, comúnmente y sin hipérbole, como "el padrino del soul", "Soul Brother Número Uno" y "el hombre más trabajador del mundo del espectáculo." Michel Jackson le cita como "mi mayor inspiración." Y el crítico Robert Christgau, escribió en la revista Rolling Stone como "el músico más grande de la era del rock".

Con unas 800 canciones en su repertorio, James Brown ha influido en artistas contemporáneos de prácticamente todos los populares género de la música - rock, soul, jazz, R & B. Su funk polirítmico prácticamente reformó la música de baile, y su impacto en el hip-hop, en particular, era enorme; en los primeros años de la música, Brown fue, por mucho, el artista más citado. A pesar de que sería perseguido por problemas legales y controversia en la vida posterior, era un artista de principios. También fue un showman inimitable, y la única cosa más divertida que escuchar a James Brown era verlo en vivo.

Brown nació en la pobreza en las zonas rurales de Barnwell, Carolina del Sur (algunos registros dan su fecha de nacimiento como 1928, él afirma que fue 03 de mayo 1933), y se crió en Augusta, Georgia. Cuando era niño, él recogió algodón, lustró zapatos, bailó por dinero en las calles de Augusta, y robó. Condenado por robo a mano armada en el 16, pasó tres años en una institución de detención juvenil. Mientras encarcelado, Brown conoció a Bobby Byrd, quien actuó con su grupo de gospel de la familia en la institución. La familia de Byrd finalmente ayudó a obtener la liberación de Brown tomando al joven y consiguiéndole un trabajo. Brown realizó deporte semi-profesional, primero como un boxeador, y luego como un lanzador de béisbol, pero una lesión en la pierna arruinó sus posibilidades de convertirse en profesional.

Mientras tanto, Byrd y Brown se habían reunido un grupo de gospel, que lleva a cabo bajo una sucesión de nombres diferentes en el Monte Zion Baptist Church, en Toccoa, Georgia, y en los auditorios de la zona. Byrd y Brown cantaron a dúo, con tres o cuatro otros miembros cantando coros y armonías de fondo. Después de ver un show de rock & roll con Hank Ballard y los Midnighters, Fats Domino, y otros, Brown y Byrd dejaron atrásla música gospel, transformando el grupo (Johnny Terry, Sylvester quillas, y Floyd Scott) en  el grupo“The Flames”. Cada integrante cantó, bailó y tocó un instrumento o dos - Brown era piano y batería. Byrd también tocó los teclados y voces compartidas; permanecería al lado de Brown de vez en cuando durante las próximas décadas, más de tres.

A partir de una base en Macon, Georgia, The Flames habían estado recorriendo el Sur desde hace dos años, cuando Ralph Bass, director de la Federal Records, firmó en 1956. Su primer single, "Please, Please, Please," un gran éxito en Georgia y estados adyacentes, eventualmente vendieron un millón de copias. Las versiones posteriores de la misma poseían el más áspero estilo R & B gospel-influenciado haciendo de Brown una estrella regional hasta que "Try Me" se convirtió en un éxito nacional en 1958, trazando el número uno en el R & B, número 48 en el pop.

Para ese tiempo, Brown se había convertido en el líder del grupo, que ahora se llama The Famous Flames. Guiados por el director de Universal Attractions Ben Bart, Brown creó el James Brown Revue, con actos de apertura, su maestro de ceremonias, y una banda de escenario, The James Brown Band. El espectáculo fue coreografiado precisamente, Brown, bombeando sus caderas, girando sobre un pie, y que ejecuta sus propios pasos de baile que lo llevarían a ser una marca registrada. Noche tras noche, iba a fingir un colapso y ser ayudado desde el escenario, sólo para detenerse, deshacerse de la capa, y empezar todo de nuevo. A pesar de su previsibilidad, el truco nunca perdió su poder. Transpiraba unas 7 libras por noche, y rompiendo récords de taquilla en cada lugar negro importante en América, Brown ganó el apodo de "Mr. Dynamite" y el título "El hombre mas trabajador del mundo del espectáculo."

Como la banda de Brown se convirtió en uno de los más reconocidas en el campo, Brown quería mostrarlo en sus grabaciones. Federal, sin embargo, se negó a permitir el uso de Brown en el estudio, por lo que dispuso a la banda que grabara para otra empresa como Nat Kendrick and the Swans. El resultado instrumental "Mashed Potatoes," convenció a la empresa matriz de Federal, Rey, para hacerse cargo del contrato de Brown y firmar el James Brown Band.

En 1962, Brown quiso lanzar un álbum en vivo, pero el dueño del sello Rey Syd Nathan se negó a financiarlo, no viendo potencial comercial en el mismo. Así de Brown pagó por él mismo, y Live at the Apollo, fue grabado en Harlem en 1962.

Los finales de los 60 encontraron a James Brown como un héroe cultural "Soul Brother Number One". Como un hombre negro de la riqueza, la independencia, y la influencia, era un símbolo de la libre determinación y triunfo sobre el racismo. Él tomó en serio esa responsabilidad. Canciones como "Say It Loud (I'm Black and I'm Proud)," "Don't Be a Drop-Out," y "I Don't Want Nobody to Give Me Nothing (Open Up the Door I'll Get It Myself)" contiene mensajes sociales directos.

A finales de 1969 Brown formó su banda Sixties, que incluyó al saxofonista Maceo Parker y el trombonista Fred Wesley. Brown alistó instrumentistas jóvenes y motivados que continuaron desarrollando el sonido que posteriormente se le llamaría funk. La nueva banda, llamada la JBS, incluido hermanos William "Bootsy" y Phelps "Bagre" Collins, cuyo distintivo era el bajo y la guitarra de plomo, marcó el comienzo de un nuevo sonido en la música soul.

Los JBS fueron dirigidos por Wesley, quien con Brown comenzó la creación de música que era incluso menos formal que antes.

Brown había estado manejando sus propios asuntos desde la muerte de su manager a finales de los años sesenta, y en 1971 firmó con una compañía discográfica internacional, Polydor.

Alrededor de 1975 la popularidad de Brown comenzó a menguar. Debido a las dificultades financieras, Brown se vio obligado a vender sus tres estaciones de radio negras y su jet. El Servicio de Impuestos Internos afirmó que debía $ 4.5 millones en impuestos atrasados. El hijo de Brown había muerto en un accidente automovilístico en 1973; y su segundo matrimonio terminó. Pero a pesar de todo Brown continuó trabajando.

En 1984 Brown se unió con el rapero Afrika Bambaataa en "Unity," lanzado en el sello de rap de Nueva York Tommy Boy. En ese momento, su música había sido utilizada como base virtual para ritmos de hip-hop; entre otros, Kool Moe Dee y Eric B. & Rakim impactaron muestreando ritmos de Brown, y su grabación en 1969 "Funky Drummer" (con el baterista Clyde Stubblefield) comenzaron a aparecer en las versiones en innumerables discos de rap y pop. Los raperos también realizaban poses del personaje de Brown. Con Brown exaltado como miembro fundador en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986, su renacimiento fue reforzado por "Living in America", el tema principal de Rocky IV. Grabado a petición del director Sylvester Stallone, el single (Número 4, 1986), incluido en el álbum Gravity (con estrellas invitadas como Alison Moyet y Steve Winwood), ganando un Grammy en 1987 por mejor trabajo en el estilo R & B. En 1989 Brown (con el escritor Bruce Tucker) publicó una autobiografía, James Brown: El Padrino del Soul.

En 1988, sin embargo, la carrera de Brown volvió a descender. Cuando su cuarta esposa, Adrienne, informó que era golpeada. Brown fue acusado de asalto con intento de asesinato y asalto con agravantes. Se entregó en el Condado de Aiken, Carolina del Sur a las autoridades cerca de su casa de 60 acres en mayo y fue puesto en libertad bajo fianza. Luego siguió un extraño año de problemas legales durante el cual Adrienne, después de que su propia detención por presunta posesión de PCP, primero anunció que iba a solicitar la separación legal, y luego cedió y también retiró los cargos de asalto. Adrienne fue detenida de nuevo por posesión de PCP y acusada de incendio. En septiembre, ya que circularon rumores acerca de su propio abuso de drogas y problemas con el IRS, Brown supuestamente amenazó a un grupo de personas con una escopeta y luego se fugó dando lugar a una persecución de coches interestatal con la policía que terminó en la recepción de una sentencia de seis años en un programa de rehabilitación.

Puesto en libertad condicional en 1991 después de cumplir dos años de su condena, Brown volvió al trabajo.

Los finales de los noventa fueron difíciles para Brown personalmente. Su esposa murió en enero de 1996, dos días después de someterse a una cirugía estética. Dos años más tarde, el cantante fue arrestado por posesión de drogas y armas de fuego.

Su último álbum de estudio fue el siguiente paso en el año 2002. Al año siguiente fue objeto de un documental de PBS American Masters, James Brown: Soul Survivor.

El día de Navidad de ese año, Brown murió de insuficiencia cardíaca congestiva debido a complicaciones de una neumonía. Él fue elogiado en todo el mundo. Su féretro fue sacado por coche con caballos por las calles de Harlem, con una multitud de 10,000 personas, y Michael Jackson rindió homenaje en un evento público en Augusta.

Fuente:  http://www.rollingstone.com/music/artists/james-brown/biography