Un verdadero carioca de Río de Janeiro, nació y se crió en el barrio de Tijuca, donde con un grupo de amigos cambiarían para siempre la cara de la música popular brasileña. Algunos de los miembros de este grupo fueron: Roberto Carlos, Erasmo Carlos y Jorge Ben Jor. Durante décadas, Tim recogió hits, ganó un lugar para sí mismo en los corazones del pueblo brasileño y garantizó su lugar como un ídolo eterno. Su poderosa voz, su agudo sentido del ritmo y su carisma inigualable fueron los elementos que componen el estilo inconfundible del "supervisor" de Brasil, quien influyó en artistas como Roberto Carlos, Jorge Ben Jor, Marisa Monte, Jota Quest, Ivete Sangalo y a una gran legión de genios de la música brasileña. El padre de la música del alma brasileña vivió durante cinco años en los EE.UU., bebiendo directamente de la fuente, siendo influenciado por el Funk y el Soul. Una sobredosis de Motown. Fue elegido por la revista Rolling Stone Brasil como el noveno más grande artista de la música brasileña (Fuente: Rolling Stone Brasil) Indomable, él fue el primer artista brasileño para ser completamente independiente de las grandes compañías discográficas. Para lograr la libertad artística completa y el control financiero de su trabajo, fundó la editorial seroma y la compañía de grabación Vitória Régia Discos. Después de establecerse como un ejecutivo de éxito en la industria discográfica, continuó produciendo grandes éxitos hasta su muerte en 1998. Tim Maia dejó un enorme legado que ha dejado una profunda huella en la historia de la música brasileña e internacional.
Jaco Pastorius, el hombre que revolucionó la forma de tocar el bajo y que es, para muchos, el mejor y más influyente bajista que ha existido, no comenzó su vida musical tocando el bajo. En cambio, el hombre que iba a ser el maestro de la bajo eléctrico fretless era un baterista. Jaco era baterista, al igual que su padre, Jack Pastorius, un músico de big band y cantante. Jaco fue el primero de los tres hijos de Jack y su esposa, Stephanie. Nació el 1 de diciembre de 1951 en Norristown, Pennsylvania, cerca de Filadelfia. John Francis Anthony Pastorius recibió rápidamente un apodo por sus padres - "Jocko", que se transformaría en "Jaco" a principios de 1970 cuando un amigo músico de origen francés, Alex Darqui, le llamaba así por error. A Jaco le gustó la palabra alternativa, y lo mantuvo. Cuando Jaco tenía casi ocho años de edad, su familia se mudó a Oakland Park, Florida, cerca de Fort Lauderdale. Jaco era un chico competitivo y dulce, a quien le encantaba jugar, especialmente al fútbol. Al igual que su padre, el también que estaba interesado en la música, y compró un kit de batería pequeña con el dinero ganado como repartidor de periódicos. Sus dos intereses chocaron en 1964 durante una práctica de fútbol de la liga juvenil en el que la muñeca de Jaco fue gravemente herida, hasta el punto de que, finalmente, requiere una cirugía correctiva. Jaco continuó tocando la batería después de eso, pero fué mucho más difícil luego de ese golpe en la práctica.
Jaco se convierte en un bajista
De todos modos, consiguió conciertos como baterista, y en 1966, cuando aún estaba en la escuela secundaria, se unió a la banda de covers de soul, Las Olas Brass. Cuando un baterista con más experiencia se presentó a la banda, algo fatídico ocurrió: el bajista de la banda decidió seguir adelante y tuvo que abandonar el grupo. Aunque Jazo no era un bajista, se deslizó hacia la ranura vacía. Él utilizó el dinero que ganaba como repartidor de periódicos para hacer otra compra musical. Esta vez, compró un nuevo bajo Fender Jazz. Fue durante esta época que un indicio de futuras capacidades de Jaco comenzó a aparecer. Él no sabía leer música, pero en 1968 con una grabadora prestada de su amigo Bob Meneo, el grabó su versión de “The Chicken” de Pee-Wee Ellis. Jaco tocaba todos los instrumentos en la grabación, que envió a la viuda de John Coltrane, Alice, que sabía de música. Ella le devolvió el favor al responder con una carta alentadora. En años posteriores, “The Chicken” se convirtió en uno de los alimentos básicos en conciertos de Jaco. Con su interés por el jazz, Jaco también adquirió un contrabajo. Pero, no fue fácil de mantener y eventualmente lo cambió por otro bajo eléctrico. Más tarde, conseguiría un tono upright-like con un fretless eléctrico. Algo más sucedió durante este período de su vida. Conoció a una chica llamada Tracy Lee, que estaba destinado a convertirse en su primera esposa. Después de Las Olas Brass, Jaco pasó a tocar en un trío de R & B llamado Woodchuck. Su forma de tocar el bajo creció mientras él estaba en el trío. Su hermano menor Rory recuerda un intercambio con Jaco, que estaba a punto de cumplir los 18 años, se detalla en el libro de Bill Milkowski, Jaco: La vida extraordinaria y trágica de Jaco Pastorius . "Él me miró a los ojos y dijo, bienes en serio," Rory, hombre, yo soy el mejor bajista en la tierra. ' Lo miré de nuevo a él y le dije: 'Yo lo sé' ". Aunque Jaco se mostraba confiado, él también podía ser humilde. En su carrera más tarde, fue conocido por decir: "Yo estoy haciendo una muy mala imitación en el bajo de Jerry Jemmott. . . ". Durante sus días en Woodchuck, Jaco también creció de otra manera. Se convirtió en un esposo y padre. Él y Tracy se casaron en agosto de 1970, y su hija María nació en diciembre de ese año. Posteriormente llevó adelante conciertos en cruceros, y su joven familia viajó con él hacie el Caribe. Su tocar tubo un quiebre fundamental cuando si unió a la banda: Wayne Cochran and the C.C. Riders.
Una Educación Musical Whirlwind y Crecimiento
Pasó cinco meses en el grupo de R & B liderada por el cantante de soul blanco Cochran, y como lo había hecho en el crucero, encontró una manera para que Tracy y su hija, María, viajaran con él a veces. Jaco no bebía ni se drogaba, todo el tiempo lo dedicaba a tener el bajo entre sus manos. Aprendió a leer música durante su temporada con el grupo en 1972. El miembro de la banda Charlie Brent también le dio Jaco un curso acelerado e influyente en la organización. Brent recuerda a Jaco apareciendo con una carta de la banda, tres días después de tener una larga conversación acerca de la organización. Era precioso, dijo Brent. "Fue este talento en bruto que evoluciona ante nuestros ojos." (Milkowski, Pág. 45). Revue de larga duración de Cochran fue intensa, y se dice que ha inspirado la John Belushi y Dan Aykroyd para la creación de los "The Blues Brothers". Mientras se desarrolló como bajista, Jaco había experimentado con la creación de bajos sin trastes. A principios de la década de 1970, adquirió un Fender bass 1962 Jazz (sin trastes). Después que su tiempo con Cochran terminó, regresó a la Florida. Tocó con la Peter Graves Orchestra, conectado con el saxofonista-trompetista Ira Sullivan y conoció a el gran guitarrista de jazz Pat Metheny. Jaco comenzó a tocar en un cuarteto de jazz con Sullivan con un sonido Jazz, pero con influencias funk y R & B. También proporcionó una salida para las composiciones de Jaco, varias de las cuales, al igual que "Continuum", aparecieron en su primer álbum en solitario. En 1973, Jaco y Tracy añaden otro niño a la familia - John Francis Pastorius IV. Durante el invierno Jaco se había conectado con el pianista de jazz Paul Bley. Al año siguiente, Jaco entró en un estudio e hizo una sesión de demostración con canciones que aparecerían en su álbum solista. Jaco, Metheny, Bley y el baterista Bruce Ditmas crearon un álbum en conjunto, llamado Jaco, en 1974. Y, durante un viaje a la famosa Berklee College of Music en Boston, Jaco mostró a los estudiantes cómo logró su sonido. Incluso terminó como instructor adjunto en la Universidad del departamento de jazz de Miami, entonces encabezado por Bill Lee, padre de otro futuro famoso bajista: Will Lee, mejor conocido por el público en general por su trabajo en la televisión nocturna en el programa de David Letterman. Pero Jaco no amaba tanto la enseñanza, y algo que sucedió cambió su vida. Bobby Colomby, el baterista y líder de Blood, Sweat & Tears, estaba en Fort Lauderdale para un concierto cuando vio a Tracy Pastorius en la playa. Ella pensó que era buen mozo y empezaron a hablar. Ella le dijo que su marido "es el mejor bajista del mundo." Colomby buscaba artistas para la división de jazz Epic Records. Decidió ver tocar a Jaco. Cuando lo vió en acción, rápidamente le ofreció a Jaco un contrato discográfico. Jaco firmó en septiembre de 1975 y un mes más tarde, él estaba grabando Jaco Pastorius .
Jaco Pastorius (1975)
El álbum tenía una amplia gama de estilos, desde el jazz latino a R & B y al funk. El legendario R & B dúo Sam & Dave en "Come On, Come Over." Herbie Hancock apareció en el álbum. La composición, el “Portrait of Tracy,”encontró a Jaco en solitario haciendo un uso extraordinario de los armónicos. Grabando el álbum, Jaco hizo una incursión en el mundo del rock después de reunirse con el músico británico Ian Hunter, de Mott the Hoople, y contribuyó en las partes de bajo a Hunter Alien Boy All-American álbum en solitario, que, como el debut en solitario de Jaco, era lanzado en 1976, año del bicentenario de Estados Unidos, cosa que también encontró a Jaco siendo presentado en el álbum de Metheny, Bright Size Life , registrado a finales de 1975. En los años muy activos de 1974 y 1975, Jaco también se comunicó con Joe Zawinul, líder de la banda de jazz fusión Weather Report. Al encontrarse con Zawinul después de un 1974 Weather Report concierto, Jaco se presentó llamandose a sí mismo "el más grande bajista en el mundo." Zawinul no concretó en ese momento, pero después de recibir una mezcla temprana de álbum en solitario de Jaco, decidió llamar el bajista cuando Weather Report necesitaba un bajista a finales de 1975. Jaco se unió al grupo y estaba destinado a añadir otro lanzamiento significativo del disco en 1976 (año decisivo) - tocando en dos pistas en Weather Report’s Black Market: “Cannonball,” y “Barbary Coast.” Permaneció en Weather Report en 1981, mostrando una increible musicalidad y talento para el espectáculo en el escenario. También fue un músico de sesión famoso, apareciendo en Joni Mitchell’s Hejira (1976) y Don Juan’s Reckless Daughter (1977). En la biografía de Mark Bego Joni Mitchell , realizó comentarios respecto a su relación musical con Jaco: "En cierto modo, me siento como soñé con Jaco. Quiero decir, él era exactamente lo que estaba esperando, musicalmente. . . . "(Bego, Pág. 158).
Brillantes cielos y tormentas inminentes
Con Weather Report, Jaco extendió su alcance musical. Él fue acreditado como co-productor en el álbum de la banda de 1977, Heavy Weather, mejor conocido por las canciones "Birdland" y de Jaco "Teen Town". El álbum fué una gran sensación, y se convirtió en disco de oro en el año de su estreno . Desafortunadamente, en este momento, la evitación de Jaco de alcohol y drogas llegó a su fin. Él comenzó a beber y consumir cocaína. Sin embargo, la reputación de Jaco como bajista fue de ley. El matrimonio de Jaco y de Tracy también terminó en este período, con su divorcio a principios de 1979. En febrero de 1979, tuvo lugar el concierto de La Habana Jam en La Habana, Cuba, como parte del "Trío de Doom ": el guitarrista John McLaughlin, Jaco, y el baterista Tony Williams. El año incluyó el lanzamiento del álbum en vivo Weather Report, 08:30. El año también contó con un nuevo comienzo para Jaco. Se casó con Ingrid Horn-Müller en julio, antes de salir de gira con Joni Mitchell, cuya banda de gira también incluyó Metheny. Mientras que en Berlín con Weather Report, tocó el contrabajo en un legendario concierto solista en un día libre. Él estaba en la cima del mundo. En 1980, Weather Report lanzó Night Passage, que incluyó la balada clásica de Jaco, “Three Views of a Secret.” También firmó un nuevo contrato en solitario, esta vez con Warner Brothers Records, y comenzó la grabación de su segundo álbum en solitario en agosto. En 1981 Jaco hace sus últimas grabaciones con Weather Report, para el álbum Weather Report . Su segundo álbum en solitario, Word of Mouth, también apareció ese año. A principios de 1982, Jaco había debutado su Word of Mouth big band y el 9 de junio, nacieron sus hijos gemelos con Ingrid, Julio José y Félix Javier. Desafortunadamente, la relación con Ingrid empeoró y Jaco comenzó a pasar más tiempo en la ciudad de Nueva York, en lugar de el mundo de la Florida que conocía mejor. La versión de Nueva York de Jaco era diferente. El consumo de bebida y de drogas continuó, sin disminuir. Su comportamiento en el escenario se volvió salvaje. Durante una gira por Japón, lanzó su bajo en la bahía de Hiroshima. Aunque Jaco sostuvo que estaba bien, fue a Coral Ridge Psychiatric Hospital para una observación de una semana. Salió de gira poco después su alta, y su comportamiento combativo en un concierto italiano volvió a la multitud hostil, terminando el espectáculo en un motín. Debido a sus cambios de humor, sus espectáculos podian resultar una genialidad, o terminar de el peor modo. Debido a estos hábitos, se separó de Ingrid. La pérdida de la "Bass of Doom" y un declive mental Jaco había destruido su bajo, y por esto lo envió a Jim Hamilton en 1986 por reformas. Poco después de que su bajo volvió a él, de nuevo en condiciones de funcionamiento, fue robado en Greenwich Village. Jaco, a menudo se dejaba el bajo desatendido mientras jugaba partidos de baloncesto o dormía en un parque de Nueva York, nunca lo vio otra vez. El bajo solamente se recuperó en 2007, siendo ahora propiedad del bajista de Metálica Rob Trujillo. Hijo del bajista Jaco, Félix, teniendo la oportunidad de tocarlo en un par de temas en el álbum los Yellowjackets. A mediados de la década de 1980, hubo tiempos difíciles para Jaco y los que lo amaban. Él fue desalojado de su apartamento de la ciudad de Nueva York. Después de una visita tumultuosa a la casa de su padre en Pennsylvania, Jaco entró brevemente un centro psiquiátrico. Jaco regresó a Nueva York y continuó tocando, pero con menos trabajo debido a su mala reputación generada ese último tiempo. En julio de 1986, Jaco se animó a entrar en el pabellón psiquiátrico del Hospital Bellevue. El diagnóstico: Jaco era bipolar (maníaco-depresivo). Se quedó en el Bellevue durante ocho semanas y fue puesto en libertad bajo la custodia de un amigo músico, que tomó a Jaco y lo llevó a la zona de San Francisco, donde los dos trabajabaron en un registro.
1987: Fin de Carrera de Jaco
A pesar de que trató de recuperar la estabilidad, los viejos demonios de la enfermedad mental reaparecieron, dando lugar a muchas interpretaciones extrañas e incluso períodos cortos en la cárcel. En las primeras horas de la mañana del 12 de septiembre 1987, cuando Jaco fue a un bar llamado Midnight Bottle Club, fue expulsado por su conducta. Cuando trató de patear la puerta de nuevo, el gerente del club, un cinturón negro de tercer grado en karate, golpeó Jaco varias veces. El cráneo de Jaco fue fracturado, y sufrió una hemorragia interna masiva. Jaco nunca salió del hospital. El 19 de septiembre, tuvo una hemorragia cerebral y fue conectado a un respirador. Su familia decidió desconectarlo el 21 de septiembre y murió un poco más de tres horas más tarde, con Tracy sosteniendo su mano. Jaco Pastorius muripo a los 35 años de edad. Su agresor se declaró culpable de cargos de homicidio y pasó solamente cuatro meses de prisión. Jaco está enterrado en Our Lady Queen of Heaven Cemetery en North Lauderdale y Jaco Pastorius Parque abrió sus puertas en 2008 en Oakland Park. Mientras que su legado sigue vivo allí, es aún más presente en las legiones de los bajistas inspirados por tocar el instrumento de una manera nueva, manera que Jaco creó en su prolífica, pero corta carrera.
Nunca ha habido y nunca podra volver a haber un bluesman como Albert Collins. "El amo de la Telecaster", nació el 1 de octubre de 1932, en Leona, Texas. Un primo del legendario Lightnin 'Hopkins, Collins salió con un blues de sonido y estilo propio, que ofrece una combinación de icy echo, shattering, ringing, sustained high notes, y ultra-percussive right-hand attack y una afinación de guitarra a tono menor (que le había enseñado su primo Willow Young). Profundamente influenciado por T-Bone Walker, John Lee Hooker y Gatemouth Brown, Collins absorbe los sonidos de Mississippi, Chicago, y sobre todo Texas. Formó su propia banda en 1952, tocando en varios clubes alrededor de Houston. A principios de 1960, instrumentales de Collins "cool sound" como el millón de ventas Frosty (grabados con un joven Johnny Winter y Janis Joplin en la asistencia en el estudio) y seguimientos Sno Cone y Thaw Out estaban por todas las radios R&B. Pronto él estaba compartiendo escenario con sus ídolos Gatemouth Brown y T-Bone Walker. Luego, a mediados de los años 60 (después de un movimiento de Texas a Kansas City a California), Collins entró dentro del Rock, la liberación de tres álbumes producidos por miembros de Canned Heat, y comenzaron a tocar en el circuito psicodélico de San Francisco. Pero el mayor éxito de Albert se produjo después de que firmó con Cocodrilo en 1978 y lanzó Ice Pickin'.
Ganó el Mejor Álbum de Blues del Año del Festival de Jazz de Montreux, y fue nominado para un Grammy. Sus siguientes álbumes cocodrilo ayudaron a Collins a ganar todos los premios que el mundo del blues tenía para ofrecer. Y, junto con Johnny Copeland y Robert Cray (quien decidió entrar en una carrera como músico de blues después de ver a Collins tocar). Incluso después de que se estableció firmemente como un músico de blues moderno importante, Collins nunca renunció al volante de su maltrecho autobús que le encantaba conducir tanto. Junto con su banda, Los Icebreakers, los espectáculos en vivo de Collins - impulsados por su cinética presencia en el escenario - fueron testamentos legendarios a la potencia del blues. Con su prematura muerte en 1993, Albert Collins dejó un legado en el blues que continúa asombrando y deleitando a los fans de blues en todo el mundo. Fuente: http://www.alligator.com/artists/albert-collins/
¿Que es lo cool ? En
su esencia, cool tiene que ver con lo que está pasando al lado . En la cultura
popular, lo que está pasando al lado es un caleidoscopio que abarca el pasado,
presente y futuro: lo que está a punto de suceder puede ser cool , y lo que
sucedió en el pasado lejano también puede ser cool . Esta cualidad atemporal,
cuando se aplica a la música, permite el debate minimalista - con pocas
excepciones, lo que ha sido cool siempre será cool .
Durante casi seis
décadas, Miles Davis ha plasmado todo lo que es cool - en su música (y muy
especialmente el jazz), en su arte, la moda, el romance, y en su internacional,
si no intergaláctica, presencia que se cierne hoy más fuerte que nunca. 2006 -
El año en el que Miles Davis fue incluido en el Rock and Roll Hall de la Fama
el 13 de marzo - es un año histórico, en conmemoración del 80 aniversario de su
nacimiento el 26 de mayo de 1926, y el 15 aniversario de su muerte el 28 de
septiembre , 1991. Entre estos dos marcadores es más de medio siglo de la
brillantez - a menudo exasperante, brutalmente honesto consigo mismo y con los
demás, sin concesiones de una manera que trasciende la mera intuición.
Al llevar a cabo lo
que siempre pareció una misión, Miles Dewey Davis III - músico, compositor,
arreglista, productor y líder de la banda - siempre estaba en el lugar correcto
en el momento adecuado, otro aspecto que define cool . Nacido en Alton,
Illinois, y se crió en East St. Louis, donde su padre fue un dentista, Miles se
le dio su primera trompeta a los 13 años un niño prodigio, su dominio del
instrumento se aceleró cuando llegó bajo el hechizo de los "jazzmen"
mayores Clark Terry, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Billy Eckstine, y otros
que pasaron por. Él aceptó la admisión a la Escuela Juilliard en 1944, pero fue
un ardid para llegar a Nueva York y conectar con Bird y Diz. Miles tenía
18. Cool .
Dentro de un año, que
logró su objetivo. Se puede escuchar en sesiones dirigidas por Parker que se
publicaron sobre el Savoy en 1945 (con Max Roach), '46 (con Bud Powell), '47
(con Duke Jordan y JJ Johnson) y '48 (con John Lewis). En 1947, el Miles Davis
All-Stars (con Bird, Roach, Lewis y Nelson Boyd) debutó en Saboya. Sus años en
la calle 52 durante la última mitad de la década de 1940 lo llevaron a la
órbita bop de músicos cuyas leyendas que compartiría antes de cumplir 25 años.
A comienzos de la
década en 1950, Miles condujo a sus primeros grupos pequeños, una asociación
con Gerry Mulligan y arreglista Gil Evans marcó el comienzo de El Birth of the
Cool (Capitol), un movimiento que desafió el dominio de bebop y hard-bop.
'Fechas de registro posteriores como líder en los principios de los años 50
Millas (en Blue Note, entonces Prestige) ayudaron a introducir Sonny Rollins,
Jackie McLean, Horace Silver, y Percy Heath, entre muchos otros, el
establecimiento de papel de Miles como el explorador de primera en talentos de
jazz para el resto de su carrera.
Un conjunto histórico
en el Festival de Jazz de Newport en 1955 dio lugar a la firma de George
Avakian Miles de Columbia Records, y llevó a la formación de su llamado
"primer gran quinteto", con John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers
y Philly Joe Jones (el 'Round About Midnight sesiones). Los 30 años de Miles en
Colombia fue uno de los fichajes más larga exclusivos de la historia del jazz,
y uno que se extendió por al menos media docena de generaciones distintas de
los cambios en la música - casi todos los cuales fueron previstos o llevaron
por Miles o su ex acompañantes.
Kind Of Blue ,
indiscutiblemente el álbum mas cool de jazz jamás registrado, se hizo en 1959
con la segunda edición de Miles “first great quintet”- principalmente Coltrane,
Chambers, Cannonball Adderley, Bill Evans, y Jimmy Cobb - que se quedaron
juntos hasta 1961.
Después de varios
grupos intermedios (que ofrecieron tales gigantes como Hank Mobley, Wynton
Kelly, Victor Feldman, y George Coleman), Miles "segundo gran quinteto"
lentamente fusionado durante 1963-1964, en la alineación de Wayne Shorter,
Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams (quien tenía 17 años cuando se unió
a Miles). Grabaron con el productor Teo Macero y recorrieron todo el mundo
juntos hasta 1968, logrando el éxito artístico y comercial que no tiene
precedentes en el jazz moderno.
1968 fue un año
catastrófico del cambio radical de Miles y para los Estados Unidos, un año de
agitación - la escalada de la guerra en el sudeste asiático, los asesinatos de
Martin Luther King y Robert Kennedy, y el surgimiento del movimiento Poder
Negro fueron algunos de los factores que empujó la música de Miles hacia una
eléctrica (amplificada) de pulso más insistente. Al mismo tiempo, Miles cavó el
triple golpe que escuchó en la música de James Brown, Jimi Hendrix y Sly Stone.
Lo que comenzó en 1968 con el quinteto de Miles adoptar silencio piano
eléctrico y guitarra, estalló en una sonora banda de rock a gran escala contra
avance doble-LP de 1969 Bitches Brew (que lo llevó en la portada de Rolling
Stone , el primer músico de jazz que aparezca en de primera página de la
revista. Muy cool .)
En el núcleo de
Bitches Brew , cuyas sesiones se llevó a cabo la semana después del festival de
Woodstock en agosto de 1969, se produjo el pequeño grupo final conocido como el
"tercer gran quinteto" - Shorter, Chick Corea, Dave Holland, y Jack
DeJohnette - aumentada por John McLaughlin, Larry Young, Joe Zawinul, Bennie
Maupin, Steve Grossman, Billy Cobham, Lenny White, Don Alias, Airto Moreira,
Harvey Brooks, y ex miembros quinteto Hancock y Carter.
Seis meses después,
en febrero de 1970, Miles comenzó las Jack Johnson sesiones, arrastrando muchos
de esos mismos músicos en los próximos dos meses, más Sonny Sharrock, Steve
Grossman, Michael Henderson, Keith Jarrett y otros. En términos muy claros, el
movimiento de fusión jazz-rock se había lanzado a toda velocidad, y el espíritu
de Miles permeado las tres bandas dominantes que sacudieron las etapas (como lo
hizo) del Fillmore Oriente y Occidente ( y otras cosas ) a través de los ' 70 y
más allá - Weather Report, Return to Forever, y la Orquesta Mahavishnu.
Su estilo de vida y
de alta energía de incursiones en el funk y R & B de alguna manera
encajaban con un período de deterioro de la salud en los años 70, hasta que
Miles finalmente pasó a la clandestinidad en 1975, después de tocar (lo que
resultó ser) su último concierto en York de Nueva Central Park Music Festival
ese verano. Una serie de LPs vivos (nacionales e importados de Japón) y otros
comunicados de archivo de los años 50 y 60 se pusieron a disposición en los
próximos cinco años para llenar el vacío.
En los años 80, la
reputación de Miles como cazatalentos extraordinario fue incuestionable. Él
emergió más fuerte que nunca en 1981 en The Man With the Horn con una formación
de primer nivel de los jóvenes músicos - Mike Stern, Marcus Miller, Bill Evans
(sin parentesco), Al Foster, y Mino Cinelu (todos los cuales pasaron al éxito).
Fue el primer LP de Miles para bordear el Billboard de lista de álbumes Top 50
desde Bitches Brew , y la banda fue grabada en vivo para el seguimiento de
doble LP, de 1982 We Want Miles . Ellos se mantuvieron estables (instigada por
John Scofield) en 1983 en Star People . La alineación luego se transformó en la
de 1984 Decoy , como Miller fue reemplazado por Daryll 'Munch' Jones, Robert
Irving III fue introducido en los sintetizadores y programación, y Branford
Marsalis compartió partes de saxofón con Evans.
Último álbum de Miles
para Columbia Records fue lanzado en 1985, el crípticamente tituló está bajo
arresto . Se (re) -introduced Miles sobrino Vince Wilburn en la alineación (tocó
brevemente en The Man With the Horn), como Bob Berg hizo cargo de la silla
grande de Evans y Marsalis. El álbum debutó dos baladas que serían básicos de
actuaciones de Miles para el resto de su carrera, de Michael Jackson
"Human Nature" y Cyndi Lauper del "Time After Time".
Al año siguiente,
Miles comenzó a grabar para Warner Bros., un período prolífico que dio un nuevo
álbum cada año (la primera de cuatro co-producido con Marcus Miller): Tutu
(1986), música de Siesta (1987, una colaboración con banda sonora de la
película Miller), vivo en todo el mundo (1988), Amandla (1989), Dingo (1990,
una colaboración orquestal con Michel Legrand), y su último álbum de estudio.
el hip-hop informó Doo-Bop (1991), cuyo título melodía dio un Millas Rap
póstuma / R & B hit single en 1992.
"Miles Dewey
Davis III - trompetista, visionario, y modernista eterna - era una fuerza de la
naturaleza", escribió Ashley Kahn (autor de Kind Of Blue: la realización
de la obra maestra de Miles Davis , Da Capo, 2000) en el Rock and Roll Hall de
la Fama revista cena con motivo de la inducción de Miles. "Con un oído que
ignoró las categorías de estilo, fue en busca de nuevos mundos musicales, y las
generaciones siguieron sus pasos. Mientras que la fiebre creativa y
experimental cargo que vienen a la mayoría de los músicos en la juventud con el
tiempo se agoten, Davis mantuvo una ventaja de exploración para la mayoría de
sus 65 años. Tenía que ser cool, o olvidarlo ".
En 1996, cinco años
después de su muerte, Columbia / Legacy emitió la primera caja de discos
múltiples de lujo situado en la Davis Serie Miles, el 6-CD Miles Davis y Gil
Evans: El Columbia Studio Recordings completa , (colaboraciones de 1957-'68 ).
Se pasó a ganar tres premios Grammy - Mejor Álbum Histórico, Mejores Notas
Álbum y Mejor Paquete de grabación (en caja) - el segundo de sólo tres veces en
la historia de los Grammy que se logró jamás.
Miles Davis Serie de
Legacy se inauguró extraoficialmente en 1997 con cinco Digipaks doble CD en
vivo, incluyendo Black Beauty: Miles Davis en Fillmore West (abril de 1970,
cuando Steve Grossman reemplazado Wayne Shorter) y Miles Davis en Fillmore (en
la sede de Nueva York, junio 1970, con Keith Jarrett en la nueva formación),
junto con In Concert: Live At Philharmonic Hall (Nueva York, septiembre de
1972); Oscura Mago: Live At Carnegie Hall (Nueva York, marzo de 1974); y
Live-Evil (Nueva York, febrero y junio de 1970; y en Washington, DC, Diciembre
1970).
1998 trajo los
próximos dos sistemas de la caja: el ganador del Grammy de 6 CD de Miles Davis
Quintet 1965-'68: The Complete Columbia Studio Recordings ; y el ganador del
Premio Grammy 4-CD completos Bitches Brew Sesiones (de 1969-'70). El cuarto
sistema de la caja se publicó en 2000, el 6-CD Miles Davis y John Coltrane: The
Complete Columbia Recordings 1955-1961 , que ganó dos premios Grammy, por Mejor
en caja del paquete de grabación y Mejor Álbum Notas.
En 2001, una década
después de su muerte - y en honor a su 75 cumpleaños - Legacy formalmente (re) lanzó The Davis
Serie Miles, con la película de los álbumes originales banda sonora de Columbia
Pictures ' Descubriendo a Forrester (protagonizada por Sean Connery y dirigida
por Gus Van Sant), que consiste casi enteramente de la música de Miles Davis.
Cinco nuevos títulos remasterizados digitalmente siguieron: 'Round About
Midnight (con cuatro bonus tracks de las sesiones 1955-1956 originales, no
escuchado en el original 1957 LP); Hitos (con los tres alternativo conocido
lleva desde las 1.958 sesiones LP); Miles Davis En Newport (el rendimiento de
larga duración desde el festival de jazz de 1958); Jazz At The Plaza (también
de 1958, inédito hasta 1973, pero fuera de impresión durante casi dos décadas);
y Miles Davis y John Coltrane: The Best Of The Complete Columbia Recordings
1955-1961 , un solo CD de canciones del box set.
Más tarde, en 2001
llegó The Essential Miles Davis , el doble CD de la colección 23-pista obtenida
de las discografías de las seis empresas para quienes Miles hizo sus
grabaciones más importantes (Savoy, Capitol, Prestige, Blue Note, Columbia y
Warner Bros. ). Los archivos Columbia luego rindieron un vivo tesoro concierto
largo considerado como un importante "eslabón perdido" en la
iconografía de Miles Davis, con el lanzamiento de la doble-CD Es sobre ese
tiempo: Miles Davis Live At Fillmore East (7 de marzo de 1970) . Fue seguido -
en el fatídico día en las tiendas el 11 de septiembre de 2001 - por la caja de
tres CD fijó The Complete In A Silent Camino Sesiones , cubriendo esas fechas
1967-'69. En 2002, los tres álbumes que salieron de esas sesiones fueron
restaurados, el clásico de una manera silenciosa , y ediciones de ampliar
Filles De Kilimanjaro y bebés del agua .
La Davis Serie Miles
regresó en 2003, con la caja de 5 CD fijó The Complete Jack Johnson Sesiones ,
la crónica de esos febrero-junio 1970 las fechas de estudio que introdujeron
John McLaughlin. (El álbum resultante, de 1971 Un tributo a Jack Johnson , fue
reeditado en enero de 2005, junto con el documental de Ken Burns PBS, la
negritud Imperdonable : El ascenso y caída de Jack Johnson .) Mientras tanto,
Agosto 2004 trajo el sexto sistema de la caja, la 7-CD Siete Pasos: The
Complete Columbia Recordings Of Miles Davis 1963-1964 , el volumen más grande
jamás producido en la serie.
En 2005, Legacy
conmemoró el quincuagésimo aniversario de la firma original de Miles de
Columbia en 1955, comenzando con el tiempo (febrero) lanzamiento de My Funny
Valentine , por primera vez en CD en los EE.UU. (grabado 02 1964 en
Philharmonic Hall de Lincoln Center en Nueva York). Una semana más tarde llegó
la configuración "DualDisc" de Kind Of Blue , con la cara de CD que
contiene el álbum original más su toma alternativa única existente
("Flamenco Sketches"), y el lado de DVD que contiene un
mini-documental de 25 minutos, Made In Heaven .
Al igual que con su
predecesor, el Siete pasos box set 'estalló' varios títulos como ediciones
recién expandidas marzo 2005: Siete Pasos al Cielo , Miles Davis En Europa ,
cuatro y más (el seguimiento de My Funny Valentine ) y Millas En Tokio y Miles
En Berlín (ambos emitió por primera vez en los EE.UU.). Puede traído 'Round
About Midnight: Legacy Edition , la versión de lujo de 2 CD de Miles primer
larga duración Columbia LP, más bonus tracks en disco uno; con dos discos que
comprende el desempeño Newport Jazz Festival de "'Round Midnight"
(con Thelonious Monk) a partir de 1955, además de la anteriormente no emitido
1956 Pasadena concierto.
2005 concluyó con el
lanzamiento de septiembre del sistema de la caja de 6 CD, The Cellar Door
Sessions 1970 , seis conjuntos completos de rendimiento en el Washington, DC
discoteca en diciembre de 1970, por la alineación que protagonizó Miles, Keith
Jarrett, Gary Bartz, Michael Henderson, Jack DeJohnette, Airto Moreira, y (en
la noche final) el guitarrista John McLaughlin.
En total, desde 1997,
la Serie Davis Miles ha reeditado digitalmente remasterizado y versiones
(muchos de ellos ediciones ampliadas) restaurada de: 'Round About Midnight (1957), Miles Ahead
(1957), Porgy and Bess (1958), Hitos (1958), Miles Davis At Newport (1958),
Jazz At The Plaza (1958), Kind Of Blue (1959), Bosquejos De España (1960),
algún día mi príncipe Will Come (1961), Miles Davis en el Carnegie Hall - El
concierto completo (1961 ), En Persona: Viernes noche en el Blackhawk (1961),
En Persona: Sábado noche en el Blackhawk (1961), Quiet Nights (1962), Siete
Pasos al Cielo (1963), Miles Davis en Europa (1963), Miles En Tokio (1964),
Miles En Berlín (1964), My Funny Valentine (1965), ESP (1965), Miles Smiles
(1966), Cuatro & More (1966), Brujo (1967), Nefertiti (1967), Miles En el
Sky (1968), In a Silent Way (1969), Filles De Kilimanjaro (1969), Bitches Brew
(1970), A Tribute To Jack Johnson (1971), On the Corner (1972), Big Fun (1974),
Get Up con ella (1974), Water Babies (1976) y Aura (1985).
Varias colecciones
incluyen cuatro paquetes seleccionados de los respectivos sistemas encajonados,
el CD-single The Best Of Miles Davis y Gil Evans , el doble CD The Best Of
Miles Davis Quintet 1965-'68 , el single-CD Miles Davis y John Coltrane : The
Best Of The Complete Columbia Recordings 1955-1961 , y el CD-single The Best Of
Seven Steps To Heaven ; además de Miles Davis Love Songs (un especial 1999 Día
de San Valentín) y de 2003 Love Songs 2 ; el 2-CD The Essential Miles Davis ;
el Miles Davis / Ken Burns JAZZ compilación; Azul Miles ; Azul Moods - Music
For You , The Best Of Miles Davis ; y Miles Davis Jazz Moods - fresco ; y frío
y sereno . La historia de Miles Davis ,
el primer documental importante que se producirán con Miles en casi 15 años, se
publicó en 2002 en VHS y formatos de DVD interactivos.
El cuadro 8 aclamada
setsof La Davis Serie Miles comprenden:
● Miles Davis y Gil
Evans: The Complete Columbia Studio Recordings (lanzado en 1996), el 6-CD
decodificador que ganó premios Grammy por Mejor Álbum Histórico, Mejores Notas
Álbum y Mejor Paquete de grabación;
● Miles Davis Quintet
1965-'68: The Complete Columbia Studio Recordings (febrero de 1998), el 6-CD
decodificador que ganó el Premio Grammy por Mejor Álbum de Notas;
● The Complete
Bitches Brew Sesiones (octubre de 1998); el 4-CD box set que ganó el Grammy
como Mejor Grabación del paquete en caja;
● Miles Davis y John
Coltrane: The Complete Columbia Recordings 1955-1961 (febrero de 2000), el 6-CD
decodificador que ganó premios Grammy por Mejor Grabación del paquete en caja y
Mejores Notas Álbum;
● La completa en un
silencioso camino Sesiones (septiembre de 2001), el sistema de la caja de 3 CD;
● The Complete Jack
Johnson Sesiones (agosto de 2003), el 5-CD decodificador que ganó el Premio
Grammy por Mejor en caja o especial de edición limitada de paquetes;
● Siete Pasos: The
Complete Columbia Recordings Of Miles Davis 1963-1964 (agosto de 2004), el
sistema de la caja 7-CD; y
● El Cellar Door
Sessions 1970 (septiembre de 2005), el sistema de la caja de 6 CD.
Los
aficionados y admiradores se refieren a él, comúnmente y sin hipérbole, como
"el padrino del soul", "Soul Brother Número Uno" y "el
hombre más trabajador del mundo del espectáculo." Michel Jackson le cita
como "mi mayor inspiración." Y el crítico Robert Christgau, escribió
en la revista Rolling Stone como "el músico más grande de la era del rock".
Con unas
800 canciones en su repertorio, James Brown ha influido en artistas
contemporáneos de prácticamente todos los populares género de la música - rock,
soul, jazz, R & B. Su funk polirítmico prácticamente reformó la música de
baile, y su impacto en el hip-hop, en particular, era enorme; en los primeros
años de la música, Brown fue, por mucho, el artista más citado. A pesar de que
sería perseguido por problemas legales y controversia en la vida posterior, era
un artista de principios. También fue un showman inimitable, y la única cosa
más divertida que escuchar a James Brown era verlo en vivo.
Brown nació
en la pobreza en las zonas rurales de Barnwell, Carolina del Sur (algunos
registros dan su fecha de nacimiento como 1928, él afirma que fue 03 de mayo
1933), y se crió en Augusta, Georgia. Cuando era niño, él recogió algodón, lustró
zapatos, bailó por dinero en las calles de Augusta, y robó. Condenado por robo
a mano armada en el 16, pasó tres años en una institución de detención juvenil.
Mientras encarcelado, Brown conoció a Bobby Byrd, quien actuó con su grupo de
gospel de la familia en la institución. La familia de Byrd finalmente ayudó a obtener
la liberación de Brown tomando al joven y consiguiéndole un trabajo. Brown realizó
deporte semi-profesional, primero como un boxeador, y luego como un lanzador de
béisbol, pero una lesión en la pierna arruinó sus posibilidades de convertirse
en profesional.
Mientras
tanto, Byrd y Brown se habían reunido un grupo de gospel, que lleva a cabo bajo
una sucesión de nombres diferentes en el Monte Zion Baptist Church, en Toccoa,
Georgia, y en los auditorios de la zona. Byrd y Brown cantaron a dúo, con tres
o cuatro otros miembros cantando coros y armonías de fondo. Después de ver un
show de rock & roll con Hank Ballard y los Midnighters, Fats Domino, y
otros, Brown y Byrd dejaron atrásla música gospel, transformando el grupo
(Johnny Terry, Sylvester quillas, y Floyd Scott) en el grupo“The Flames”. Cada integrante cantó,
bailó y tocó un instrumento o dos - Brown era piano y batería. Byrd también tocó
los teclados y voces compartidas; permanecería al lado de Brown de vez en
cuando durante las próximas décadas, más de tres.
A partir de
una base en Macon, Georgia, The Flames habían estado recorriendo el Sur desde
hace dos años, cuando Ralph Bass, director de la Federal Records, firmó en
1956. Su primer single, "Please, Please, Please," un gran éxito en
Georgia y estados adyacentes, eventualmente vendieron un millón de copias. Las
versiones posteriores de la misma poseían el más áspero estilo R & B gospel-influenciado
haciendo de Brown una estrella regional hasta que "Try Me" se
convirtió en un éxito nacional en 1958, trazando el número uno en el R & B,
número 48 en el pop.
Para ese
tiempo, Brown se había convertido en el líder del grupo, que ahora se llama The
Famous Flames. Guiados por el director de Universal Attractions Ben Bart, Brown
creó el James Brown Revue, con actos de apertura, su maestro de ceremonias, y
una banda de escenario, The James Brown Band. El espectáculo fue coreografiado
precisamente, Brown, bombeando sus caderas, girando sobre un pie, y que ejecuta
sus propios pasos de baile que lo llevarían a ser una marca registrada. Noche
tras noche, iba a fingir un colapso y ser ayudado desde el escenario, sólo para
detenerse, deshacerse de la capa, y empezar todo de nuevo. A pesar de su
previsibilidad, el truco nunca perdió su poder. Transpiraba unas 7 libras por
noche, y rompiendo récords de taquilla en cada lugar negro importante en
América, Brown ganó el apodo de "Mr. Dynamite" y el título "El
hombre mas trabajador del mundo del espectáculo."
Como la
banda de Brown se convirtió en uno de los más reconocidas en el campo, Brown
quería mostrarlo en sus grabaciones. Federal, sin embargo, se negó a permitir
el uso de Brown en el estudio, por lo que dispuso a la banda que grabara para
otra empresa como Nat Kendrick and the Swans. El resultado instrumental "Mashed
Potatoes," convenció a la empresa matriz de Federal, Rey, para hacerse
cargo del contrato de Brown y firmar el James Brown Band.
En 1962,
Brown quiso lanzar un álbum en vivo, pero el dueño del sello Rey Syd Nathan se negó
a financiarlo, no viendo potencial comercial en el mismo. Así de Brown pagó por
él mismo, y Live at the Apollo, fue grabado en Harlem en 1962.
Los finales
de los 60 encontraron a James Brown como un héroe cultural "Soul Brother
Number One". Como un hombre negro de la riqueza, la independencia, y la
influencia, era un símbolo de la libre determinación y triunfo sobre el
racismo. Él tomó en serio esa responsabilidad. Canciones como "Say It Loud (I'm Black and
I'm Proud)," "Don't Be a Drop-Out," y "I Don't Want Nobody
to Give Me Nothing (Open Up the Door I'll Get It Myself)" contiene
mensajes sociales directos.
A finales
de 1969 Brown formó su banda Sixties, que incluyó al saxofonista Maceo Parker y
el trombonista Fred Wesley. Brown alistó instrumentistas jóvenes y motivados
que continuaron desarrollando el sonido que posteriormente se le llamaría funk.
La nueva banda, llamada la JBS, incluido hermanos William "Bootsy" y
Phelps "Bagre" Collins, cuyo distintivo era el bajo y la guitarra de
plomo, marcó el comienzo de un nuevo sonido en la música soul.
Los JBS
fueron dirigidos por Wesley, quien con Brown comenzó la creación de música que
era incluso menos formal que antes.
Brown había
estado manejando sus propios asuntos desde la muerte de su manager a finales de
los años sesenta, y en 1971 firmó con una compañía discográfica internacional,
Polydor.
Alrededor
de 1975 la popularidad de Brown comenzó a menguar. Debido a las dificultades
financieras, Brown se vio obligado a vender sus tres estaciones de radio negras
y su jet. El Servicio de Impuestos Internos afirmó que debía $ 4.5 millones en
impuestos atrasados. El hijo de Brown había muerto en un accidente
automovilístico en 1973; y su segundo matrimonio terminó. Pero a pesar de todo
Brown continuó trabajando.
En 1984
Brown se unió con el rapero Afrika Bambaataa en "Unity," lanzado en
el sello de rap de Nueva York Tommy Boy. En ese momento, su música había sido utilizada
como base virtual para ritmos de hip-hop; entre otros, Kool Moe Dee y Eric B.
& Rakim impactaron muestreando ritmos de Brown, y su grabación en 1969
"Funky Drummer" (con el baterista Clyde Stubblefield) comenzaron a
aparecer en las versiones en innumerables discos de rap y pop. Los raperos
también realizaban poses del personaje de Brown. Con Brown exaltado como
miembro fundador en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986, su renacimiento
fue reforzado por "Living in America", el tema principal de Rocky IV.
Grabado a petición del director Sylvester Stallone, el single (Número 4, 1986),
incluido en el álbum Gravity (con estrellas invitadas como Alison Moyet y Steve
Winwood), ganando un Grammy en 1987 por mejor trabajo en el estilo R & B.
En 1989 Brown (con el escritor Bruce Tucker) publicó una autobiografía, James
Brown: El Padrino del Soul.
En 1988,
sin embargo, la carrera de Brown volvió a descender. Cuando su cuarta esposa,
Adrienne, informó que era golpeada. Brown fue acusado de asalto con intento de
asesinato y asalto con agravantes. Se entregó en el Condado de Aiken, Carolina
del Sur a las autoridades cerca de su casa de 60 acres en mayo y fue puesto en
libertad bajo fianza. Luego siguió un extraño año de problemas legales durante
el cual Adrienne, después de que su propia detención por presunta posesión de
PCP, primero anunció que iba a solicitar la separación legal, y luego cedió y
también retiró los cargos de asalto. Adrienne fue detenida de nuevo por
posesión de PCP y acusada de incendio. En septiembre, ya que circularon rumores
acerca de su propio abuso de drogas y problemas con el IRS, Brown supuestamente
amenazó a un grupo de personas con una escopeta y luego se fugó dando lugar a
una persecución de coches interestatal con la policía que terminó en la
recepción de una sentencia de seis años en un programa de rehabilitación.
Puesto en
libertad condicional en 1991 después de cumplir dos años de su condena, Brown volvió
al trabajo.
Los finales
de los noventa fueron difíciles para Brown personalmente. Su esposa murió en
enero de 1996, dos días después de someterse a una cirugía estética. Dos años
más tarde, el cantante fue arrestado por posesión de drogas y armas de fuego.
Su último
álbum de estudio fue el siguiente paso en el año 2002. Al año siguiente fue
objeto de un documental de PBS American Masters, James Brown: Soul Survivor.
El día de
Navidad de ese año, Brown murió de insuficiencia cardíaca congestiva debido a
complicaciones de una neumonía. Él fue elogiado en todo el mundo. Su féretro
fue sacado por coche con caballos por las calles de Harlem, con una multitud de
10,000 personas, y Michael Jackson rindió homenaje en un evento público en
Augusta.
