Paco de Lucía "La Búsqueda"

En junio de 2012, el guitarrista Paco de Lucía inicia una gira de once días por Europa. Lo que comienza como un seguimiento de sus rutinas como artista evolucionará hasta convertirse en un viaje introspectivo a su pasado, su memoria y las claves que le permitieron revolucionar el flamenco. Los vaivenes de un día simbólico de su gira, desde que amanece hasta que Paco y sus músicos terminan el concierto, funcionan como el esqueleto vertebrador de la historia de uno de los músicos más importantes del siglo XX. No es sólo un seguimiento físico, es un viaje al alma de Paco: a sus recuerdos, a las cosas que le atormentan, que le interesan o le hacen reír abiertamente. Mediante flashbacks y con él como único narrador, desgrana en orden cronológico desde su infancia hasta sus días postreros en Mallorca, donde ultimó los arreglos finales de su disco póstumo.

Fuentes:

Sinopsis: http://www.filmaffinity.com/es/film910656.html
Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=rpCPEtbS9U4

Pat Metheny

Metheny nació en Kansas City el 12 de agosto 1954 en una familia musical. Comenzando en la trompeta a la edad de 8, Metheny cambió a la guitarra a los 12 años la edad. A los 15, él estaba trabajando regularmente con los mejores músicos de jazz en Kansas City, recibiendo una valiosa experiencia en ese gran entorno musical, a una edad inusualmente temprana. Metheny primero irrumpió en la escena internacional del jazz en 1974. A lo largo de su período de tres años con el maestro de vibráfono Gary Burton , el joven nativo de Missouri ya hizo gala de su estilo que pronto se vería convertido en marca registrada, que mezcló la articulación suelto y flexible. Sus improvisaciones eran modernas en su concepción pero a tierra profundamente en la tradición del jazz, el swing y el blues. Con el lanzamiento de su primer álbum, Bright Size Life (1975) , que reinventó la tradicional "guitarra de jazz" para una nueva era de guitarristas. A lo largo de su carrera, Pat Metheny ha seguido para volver a definir el género mediante la utilización de las nuevas tecnologías y trabajando constantemente para evolucionar el potencial de improvisación y sonido de su instrumento.


Con los años, ha tocado con artistas tan diversos como Steve Reich, Ornette Coleman,Herbie Hancock, Jim Hall, Milton Nascimento y David Bowie . El cuerpo de la obra de Metheny incluye composiciones para guitarra sola, pequeños conjuntos, instrumentos eléctricos y acústicos, grandes orquestas, y piezas de ballet, con los ajustes que van desde el jazz hasta el rock moderno y la música clásica.

Además de ser un músico consumado, Metheny ha participado también en el ámbito académico como educador de música. A los 18 años, él era el profesor más joven en la Universidad de Miami. A los 19, se convirtió en el profesor más joven en el Berklee College of Music, donde también recibió un doctorado honorario veinte años después (1996). También ha impartido talleres de música en todo el mundo, desde el Conservatorio Royal Dutch al Instituto Monje Thelonius de Jazz y las clínicas en Asia y América del Sur. También ha sido un verdadero pionero musical en el ámbito de la música electrónica, y fue uno de los primeros músicos de jazz en tratar el sintetizador como instrumento musical serio. Años antes de la invención de la tecnología MIDI, Metheny estaba utilizando el Synclavier como herramienta de composición. Él también ha incurcionado en el desarrollo de varios nuevos tipos de guitarras como la guitarra acústica soprano, la guitarra Pikasso 42 cuerdas, PM-100 guitarra de jazz de Ibáñez, y una variedad de otros instrumentos personalizados. 

Con los años, Metheny ha ganado innumerables encuestas como "Mejor Guitarrista de Jazz" y premios, incluyendo tres discos de oro para Still Life (Talking), Letter from Home , y Secret Story . También ha ganado 20 premios Grammy en 12 categorías diferentes, incluyendo Mejor Artista Rock Instrumental, Mejor grabación contemporánea de Jazz , Mejor Solo Instrumental de Jazz  , Mejor Composición Instrumental. El Pat Metheny Group ganó un récord de siete premios Grammy consecutivos por siete álbumes consecutivos. Metheny ha pasado la mayor parte de su vida en gira, con un promedio entre 120 a 240 espectáculos al año desde 1974. Él sigue siendo una de las estrellas más brillantes de la comunidad del jazz, dedicando su tiempo a tocar con artistas, ayudándolos en su arte, y dedicándose a sus propias creaciones al mismo tiempo.

Fuente: http://www.patmetheny.com/bio/

Jaco Pastorius

Jaco Pastorius, el hombre que revolucionó la forma de tocar el bajo y que es, para muchos, el mejor y más influyente bajista que ha existido, no comenzó su vida musical tocando el bajo. En cambio, el hombre que iba a ser el maestro de la bajo eléctrico fretless era un baterista.

Jaco era baterista, al igual que su padre, Jack Pastorius, un músico de big band y cantante. Jaco fue el primero de los tres hijos de Jack y su esposa, Stephanie. Nació el 1 de diciembre de 1951 en Norristown, Pennsylvania, cerca de Filadelfia. John Francis Anthony Pastorius recibió rápidamente un apodo por sus padres - "Jocko", que se transformaría  en "Jaco" a principios de 1970 cuando un amigo músico de origen francés, Alex Darqui, le llamaba así por error. A Jaco le gustó la palabra alternativa, y lo mantuvo.

Cuando Jaco tenía casi ocho años de edad, su familia se mudó a Oakland Park, Florida, cerca de Fort Lauderdale. Jaco era un chico competitivo y dulce, a quien le encantaba jugar, especialmente al fútbol. Al igual que su padre, el también que estaba interesado en la música, y compró un kit de batería pequeña con el dinero ganado como repartidor de periódicos. Sus dos intereses chocaron en 1964 durante una práctica de fútbol de la liga juvenil en el que la muñeca de Jaco fue gravemente herida, hasta el punto de que, finalmente, requiere una cirugía correctiva. Jaco continuó tocando la batería después de eso, pero fué mucho más difícil luego de ese golpe en la práctica.

Jaco se convierte en un bajista

De todos modos, consiguió conciertos como baterista, y en 1966, cuando aún estaba en la escuela secundaria, se unió a la banda de covers de soul, Las Olas Brass. Cuando un baterista con más experiencia se presentó a la banda, algo fatídico ocurrió: el bajista de la banda decidió seguir adelante y tuvo que abandonar el grupo. Aunque Jazo no era un bajista, se deslizó hacia la ranura vacía. Él utilizó el dinero que ganaba como repartidor de periódicos para hacer otra compra musical. Esta vez, compró un nuevo bajo Fender Jazz.

Fue durante esta época que un indicio de futuras capacidades de Jaco comenzó a aparecer. Él no sabía leer música, pero en 1968 con una grabadora prestada de su amigo Bob Meneo, el grabó su versión de “The Chicken” de Pee-Wee Ellis. Jaco tocaba todos los instrumentos en la grabación, que envió a la viuda de John Coltrane, Alice, que sabía de música. Ella le devolvió el favor al responder con una carta alentadora. En años posteriores, “The Chicken” se convirtió en uno de los alimentos básicos en conciertos de Jaco. Con su interés por el jazz, Jaco también adquirió un contrabajo. Pero, no fue fácil de mantener y eventualmente lo cambió por otro bajo eléctrico. Más tarde, conseguiría un tono upright-like con un fretless eléctrico.

Algo más sucedió durante este período de su vida. Conoció a una chica llamada Tracy Lee, que estaba destinado a convertirse en su primera esposa.

Después de Las Olas Brass, Jaco pasó a tocar en un trío de R & B llamado Woodchuck. Su forma de tocar el bajo creció mientras él estaba en el trío. Su hermano menor Rory recuerda un intercambio con Jaco, que estaba a punto de cumplir los 18 años, se detalla en el libro de Bill Milkowski, Jaco: La vida extraordinaria y trágica de Jaco Pastorius . "Él me miró a los ojos y dijo, bienes en serio," Rory, hombre, yo soy el mejor bajista en la tierra. ' Lo miré de nuevo a él y le dije: 'Yo lo sé' ".

Aunque Jaco se mostraba confiado, él también podía ser humilde. En su carrera más tarde, fue conocido por decir: "Yo estoy haciendo una muy mala imitación en el bajo de Jerry Jemmott. . . ".

Durante sus días en Woodchuck, Jaco también creció de otra manera. Se convirtió en un esposo y padre. Él y Tracy se casaron en agosto de 1970, y su hija María nació en diciembre de ese año. Posteriormente llevó adelante conciertos en cruceros, y su joven familia viajó con él hacie el Caribe. Su tocar tubo un quiebre fundamental cuando si unió a la banda: Wayne Cochran and the C.C. Riders.

Una Educación Musical Whirlwind y Crecimiento

Pasó cinco meses en el grupo de R & B liderada por el cantante de soul blanco Cochran, y como lo había hecho en el crucero, encontró una manera para que Tracy y su hija, María,  viajaran con él a veces. Jaco no bebía ni se drogaba, todo el tiempo lo dedicaba a tener el bajo entre sus manos. Aprendió a leer música durante su temporada con el grupo en 1972. El miembro de la banda Charlie Brent también le dio Jaco un curso acelerado e influyente en la organización. Brent recuerda a Jaco apareciendo con una carta de la banda, tres días después de tener una larga conversación acerca de la organización. Era precioso, dijo Brent. "Fue este talento en bruto que evoluciona ante nuestros ojos." (Milkowski, Pág. 45). Revue de larga duración de Cochran fue intensa, y se dice que ha inspirado la John Belushi y Dan Aykroyd para la creación de los "The Blues Brothers".

Mientras se desarrolló como bajista, Jaco había experimentado con la creación de bajos sin trastes. A principios de la década de 1970, adquirió un Fender bass 1962 Jazz (sin trastes).  

Después que su tiempo con Cochran terminó, regresó a la Florida. Tocó con la Peter Graves Orchestra, conectado con el saxofonista-trompetista Ira Sullivan y conoció a el gran guitarrista de jazz Pat Metheny. Jaco comenzó a tocar en un cuarteto de jazz con Sullivan con un sonido Jazz, pero con influencias funk y R & B. También proporcionó una salida para las composiciones de Jaco, varias de las cuales, al igual que "Continuum", aparecieron en su primer álbum en solitario.

En 1973, Jaco y Tracy añaden otro niño a la familia - John Francis Pastorius IV. Durante el invierno Jaco se había conectado con el pianista de jazz Paul Bley. Al año siguiente, Jaco entró en un estudio e hizo una sesión de demostración con canciones que aparecerían en su álbum solista.

Jaco, Metheny, Bley y el baterista Bruce Ditmas crearon un álbum en conjunto, llamado Jaco, en 1974. Y, durante un viaje a la famosa Berklee College of Music en Boston, Jaco mostró a los estudiantes cómo logró su sonido. Incluso terminó como instructor adjunto en la Universidad del departamento de jazz de Miami, entonces encabezado por Bill Lee, padre de otro futuro famoso bajista: Will Lee, mejor conocido por el público en general por su trabajo en la televisión nocturna en el programa de David Letterman.

Pero Jaco no amaba tanto la enseñanza, y algo que sucedió cambió su vida. Bobby Colomby, el baterista y líder de Blood, Sweat & Tears, estaba en Fort Lauderdale para un concierto cuando vio a Tracy Pastorius en la playa. Ella pensó que era buen mozo y empezaron a hablar. Ella le dijo que su marido "es el mejor bajista del mundo." Colomby  buscaba artistas para la división de jazz Epic Records. Decidió ver tocar a Jaco. Cuando lo vió en acción, rápidamente le ofreció a Jaco un contrato discográfico. Jaco firmó en septiembre de 1975 y un mes más tarde, él estaba grabando Jaco Pastorius .

Jaco Pastorius (1975)

El álbum tenía una amplia gama de estilos, desde el jazz latino a R & B y al funk. El legendario R & B dúo Sam & Dave en "Come On, Come Over." Herbie Hancock apareció en el álbum. La composición, el “Portrait of Tracy,”encontró a Jaco en solitario haciendo un uso extraordinario de los armónicos. Grabando el álbum, Jaco hizo una incursión en el mundo del rock después de reunirse con el músico británico Ian Hunter, de Mott the Hoople, y contribuyó en las partes de bajo a Hunter Alien Boy All-American álbum en solitario, que, como el debut en solitario de Jaco, era lanzado en 1976, año del bicentenario de Estados Unidos, cosa que también encontró a Jaco siendo presentado en el álbum de Metheny, Bright Size Life , registrado a finales de 1975.

En los años muy activos de 1974 y 1975, Jaco también se comunicó con Joe Zawinul, líder de la banda de jazz fusión Weather Report. Al encontrarse con Zawinul después de un 1974 Weather Report concierto, Jaco se presentó llamandose a sí mismo "el más grande bajista en el mundo." Zawinul no concretó en ese momento, pero después de recibir una mezcla temprana de álbum en solitario de Jaco, decidió llamar el bajista cuando Weather Report necesitaba un bajista a finales de 1975. Jaco se unió al grupo y estaba destinado a añadir otro lanzamiento significativo del disco en 1976 (año decisivo) - tocando en dos pistas en Weather Report’s Black Market: “Cannonball,” y  “Barbary Coast.”

Permaneció en Weather Report en 1981, mostrando una increible musicalidad y talento para el espectáculo en el escenario. También fue un músico de sesión famoso, apareciendo en Joni Mitchell’s Hejira (1976) y  Don Juan’s Reckless Daughter (1977). En la biografía de Mark Bego Joni Mitchell , realizó comentarios respecto a su relación musical con Jaco: "En cierto modo, me siento como soñé con Jaco. Quiero decir, él era exactamente lo que estaba esperando, musicalmente. . . . "(Bego, Pág. 158).

Brillantes cielos y tormentas inminentes

Con Weather Report, Jaco extendió su alcance musical. Él fue acreditado como co-productor en el álbum de la banda de 1977, Heavy Weather, mejor conocido por las canciones "Birdland" y de Jaco "Teen Town". El álbum fué una gran sensación, y se convirtió en disco de oro en el año de su estreno . Desafortunadamente, en este momento, la evitación de Jaco de alcohol y drogas llegó a su fin. Él comenzó a beber y consumir cocaína. Sin embargo, la reputación de Jaco como bajista fue de ley.

El matrimonio de Jaco y de Tracy también terminó en este período, con su divorcio a principios de 1979. En febrero de 1979, tuvo lugar el concierto de La Habana Jam en La Habana, Cuba, como parte del "Trío de Doom ": el guitarrista John McLaughlin, Jaco, y el baterista Tony Williams. El año incluyó el lanzamiento del álbum en vivo Weather Report, 08:30. El año también contó con un nuevo comienzo para Jaco. Se casó con Ingrid Horn-Müller en julio, antes de salir de gira con Joni Mitchell, cuya banda de gira también incluyó Metheny. Mientras que en Berlín con Weather Report, tocó el contrabajo en un legendario concierto solista en un día libre. Él estaba en la cima del mundo.

En 1980, Weather Report lanzó Night Passage, que incluyó la balada clásica de Jaco, “Three Views of a Secret.” También firmó un nuevo contrato en solitario, esta vez con Warner Brothers Records, y comenzó la grabación de su segundo álbum en solitario en agosto. En 1981 Jaco hace sus últimas grabaciones con Weather Report, para el álbum Weather Report . Su segundo álbum en solitario, Word of Mouth, también apareció ese año. 

A principios de 1982, Jaco había debutado su Word of Mouth big band y el 9 de junio, nacieron sus hijos gemelos con Ingrid, Julio José y Félix Javier. Desafortunadamente, la relación con Ingrid empeoró y Jaco comenzó a pasar más tiempo en la ciudad de Nueva York, en lugar de el mundo de la Florida que conocía mejor. La versión de Nueva York de Jaco era diferente. El consumo de bebida y de drogas continuó, sin disminuir. Su comportamiento en el escenario se volvió salvaje. Durante una gira por Japón, lanzó su bajo en la bahía de Hiroshima. Aunque Jaco sostuvo que estaba bien, fue a Coral Ridge Psychiatric Hospital para una observación de una semana. Salió de gira poco después su alta, y su comportamiento combativo en un concierto italiano volvió a la multitud hostil, terminando el espectáculo en un motín.

Debido a sus cambios de humor, sus espectáculos podian resultar una genialidad, o terminar de el peor modo. Debido a estos hábitos, se separó de Ingrid.

La pérdida de la "Bass of Doom" y un declive mental

Jaco había destruido su bajo, y por esto lo envió a Jim Hamilton en 1986 por reformas. Poco después de que su bajo volvió a él, de nuevo en condiciones de funcionamiento, fue robado en Greenwich Village. Jaco, a menudo se dejaba el bajo desatendido mientras jugaba partidos de baloncesto o dormía en un parque de Nueva York, nunca lo vio otra vez. El bajo solamente se recuperó en 2007, siendo ahora propiedad del bajista de Metálica Rob Trujillo. Hijo del bajista Jaco, Félix, teniendo la oportunidad de tocarlo en un par de temas en el álbum los Yellowjackets.

A mediados de la década de 1980, hubo tiempos difíciles para Jaco y los que lo amaban. Él fue desalojado de su apartamento de la ciudad de Nueva York. Después de una visita tumultuosa a la casa de su padre en Pennsylvania, Jaco entró brevemente un centro psiquiátrico. Jaco regresó a Nueva York y continuó tocando, pero con menos trabajo debido a su mala reputación generada ese último tiempo. En julio de 1986, Jaco se animó a entrar en el pabellón psiquiátrico del Hospital Bellevue. El diagnóstico: Jaco era bipolar (maníaco-depresivo). Se quedó en el Bellevue durante ocho semanas y fue puesto en libertad bajo la custodia de un amigo músico, que tomó a Jaco y lo llevó a la zona de San Francisco, donde los dos trabajabaron en un registro.

1987: Fin de Carrera de Jaco

A pesar de que trató de recuperar la estabilidad, los viejos demonios de la enfermedad mental reaparecieron, dando lugar a muchas interpretaciones extrañas e incluso períodos cortos en la cárcel. En las primeras horas de la mañana del 12 de septiembre 1987, cuando Jaco fue a un bar llamado Midnight Bottle Club, fue expulsado por su conducta. Cuando trató de patear la puerta de nuevo, el gerente del club, un cinturón negro de tercer grado en karate, golpeó Jaco varias veces. El cráneo de Jaco fue fracturado, y sufrió una hemorragia interna masiva. Jaco nunca salió del hospital. El 19 de septiembre, tuvo una hemorragia cerebral y fue conectado a un respirador. Su familia decidió desconectarlo el 21 de septiembre y murió un poco más de tres horas más tarde, con Tracy sosteniendo su mano. Jaco Pastorius muripo a los 35 años de edad. Su agresor se declaró culpable de cargos de homicidio y pasó solamente cuatro meses de prisión.

Jaco está enterrado en Our Lady Queen of Heaven Cemetery en North Lauderdale y Jaco Pastorius Parque abrió sus puertas en 2008 en Oakland Park. Mientras que su legado sigue vivo allí, es aún más presente en las legiones de los bajistas inspirados por tocar el instrumento de una manera nueva, manera que Jaco creó en su prolífica, pero corta carrera.

Fuente: http://jacopastorius.com/life/

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Rattle That Look

Rercién Salido del Horno!!!

Publicado el día de hoy officialmente por David Gilmour, el tema Rattle That Look a modo de adelanto del álbum.

Fuente: https://www.youtube.com/channel/UCP_k5WdrOOuWaThTU6MDonw

David Gilmour - Rattle That Lock 2015

El nuevo álbum de David Rattle That Lock será lanzado mundialmente el Viernes, 18 de septiembre 2015 por Columbia Records. El primer sencillo, también titulado Rattle That Lock, será lanzado digitalmente mañana viernes 17 de julio de 2015. Además se confirmaron fechas para el 2016 de David  para marzo y abril, con paradas en Los Ángeles, Toronto, Chicago y Nueva York. Los compradores de entradas estarán entre los primeros en recibir el nuevo álbum, ya que cada boleto comprado en línea incluirá un CD del Rattle That Lock. Las entradas para los conciertos de América del Norte, de David saldrán a la venta mañana , Viernes, 17 de julio. 

• 24 de marzo 2016 - Hollywood Bowl, Los Angeles - a la venta 24:00. 
• 31 de marzo 2016 - Air Canada Centre, Toronto - a la venta . 10 horas (EST) . 
• 08 de abril 2016 - United Center, Chicago -. a la venta 24:00 (CST).
•  11 de abril 2016 - Madison Square Garden, Nueva York - a la venta 10 a.m. ( EST). 

 Los boletos también estarán disponibles en Ticketmaster.com, en todas las localidades de Ticketmaster, o por teléfono. 

Lista de los temas del album:

1. 5 A.M. (Gilmour)

2. Rattle That Lock (Gilmour/Samson/Boumendil)

3. Faces Of Stone (Gilmour)

4. A Boat Lies Waiting (Gilmour/Samson)

5. Dancing Right In Front Of Me (Gilmour)

6. In Any Tongue (Gilmour/Samson)

7. Beauty (Gilmour)

8. The Girl In The Yellow Dress (Gilmour/Samson)

9. Today (Gilmour/Samson)

10. And Then... (Gilmour)

La pista 2. Rattle That Lock se escuchará por primera vez en el Reino Unido en BBC Radio 2 Chris Evans Show, conducido por Sara Cox, el viernes 17 de julio y estará disponible inmediatamente para descargar y transmitirse en todo el mundo. La canción comienza con las cuatro notas, creado por Michaël Boumendil, que preceden anuncios en estaciones de ferrocarril francés SNCF que David grabó en su teléfono en la estación de Aix-en-Provence. Letras de canciones de Polly se inspiraron en el libro II de John Milton Paradise Lost, que también se presentó en su reciente aclamada novela, La Bondad. El single también cuenta con The Liberty Choir, así como cantantes Mica Paris y Louise Marshall. Rattle That Lock  estará disponible en una edición de CD con encuadernado en tela, cubierta de aluminio, incluyendo un folleto de 22 páginas, sino también en vinilo, descarga digital y una edición de lujo de la caja, que incluye 4 películas, 4 pistas de audios, 4 documentales y 2 clips promocionales. Disponible en CD + DVD o CD + versiones Blu-ray, la edición de lujo también incluye 2 libros de tapa dura, un póster de doble cara, una postal en un sobre dedicado y una púa David Gilmour.

Fuente: http://www.davidgilmour.com/index.htm

Ella Fitzgerald

Apodada "The First Lady of Song,"  Ella Fitzgerald fue la más popular cantante de jazz femenina en los Estados Unidos por más de medio siglo. En su vida, ganó 13 premios Grammy y vendió más de 40 millones de álbumes.

Su voz era flexible, amplia, precisa y sin edad. Ella podía cantar baladas sensuales, sweet jazz e imitar todos los instrumentos en una orquesta. Ella trabajó con todos los grandes del jazz: Duke Ellington, Count Basie y Nat King Cole, Frank Sinatra, Dizzy Gillespie y Benny Goodman. (O más bien, algunos podrían decir que todos los grandes del jazz tuvieron el placer de trabajar con Ella.)

Actuó en los mejores lugares de todo el mundo, llenando cada escenario. Sus audiencias eran tan diversas como su rango vocal. Eran ricos y pobres, compuesto de todas las razas, todas las religiones y todas las nacionalidades. De hecho, muchos de ellos tenían sólo un factor de unión en común - todos la querían.

Comienzos:

Ella Jane Fitzgerald nació en Newport News, Va., El 25 de abril de 1917. Su padre, Guillermo, y su madre, Templanza (Tempie), se separaron poco después de su nacimiento. Juntos, Tempie y Ella fueron a Yonkers, Nueva York, donde finalmente se mudaron con el novio de mucho tiempo de Tempie José Da Silva. Su media hermana de Ella, Frances, nació en 1923 y pronto comenzó a referirse a Joe como su padrastro.

Para apoyar a la familia, Joe cavó zanjas y era un chofer a tiempo parcial, mientras que Tempie trabajaba en una lavandería e hizo catering. De vez en cuando, Ella asumió pequeños trabajos para contribuir dinero también. Tal vez ingenua a las circunstancias, Ella trabajó como un corredora de apuestas para los jugadores locales, dejandole algo de dinero.

Su apartamento estaba en un barrio mixto, donde Ella hizo amigos fácilmente. Ella se consideraba más un "marimacho", y con frecuencia se unió en los juegos de barrio de béisbol. Deportes de lado, ella disfrutó bailando y cantando con sus amigos, y algunas noches tomaban el tren en Harlem a ver diversos actos en el Teatro Apolo.

Una mala racha

En 1932, Tempie murió a causa de lesiones graves que recibió en un accidente de coche. Ella se llevó la derrota muy dura. Después de quedarse con Joe por un corto tiempo, la hermana de Tempie Virginia tomó a Ella en su casa. Poco después Joe sufrió un ataque cardíaco y murió, y su pequeña hermana Frances se unió a ellos.

Incapaz de adaptarse a las nuevas circunstancias, Ella se hizo cada vez más infeliz y entró en un período difícil de su vida. Sus calificaciones bajaron drásticamente, faltando a clases. Después de meterse en problemas con la policía, fue detenida y enviada a un reformatorio. Vivir allí era aún más insoportable, ya que sufrió palizas a manos de sus cuidadores.

Eventualmente Ella escapó del reformatorio. A los 15 años de edad, se encontró a sí misma y  durante una Gran Depresión, y se esforzó para estar mejor.

Ella reflejó más tarde sus años más difíciles con un aprecio por la forma en que la ayudaron a madurar. Ella utilizó los recuerdos de esos tiempos para ayudar a reunir las emociones para las actuaciones, y sintió que estaba más agradecida por su éxito, porque sabía lo que era luchar en la vida.

¿Qué va a hacer?

En 1934 el nombre de Ella fue retirado en un sorteo semanal en el Apollo y ella ganó la oportunidad de competir en la Noche Amateur. Ella fue al teatro en la planificación de la noche a bailar, pero cuando las frenéticas Hermanas Edwards cerraron el espectáculo principal, Ella cambió de opinión. "They were the dancingest sisters around", dijo Ella, y sintió que su acto no sería nada comparado a ellas.

Una vez en el escenario, frente a los abucheos y murmullos de "¿Qué va a hacer?" de la multitud ruidosa, una Ella asustada y despeinada tomó la decisión de última hora de cantar. Pidió a la banda para tocar de Hoagy Carmichael "Judy", una canción que conocía bien porque la interpretación de Connee Boswell fue una de las favoritas de Tempie. Ella calmó rápidamente la audiencia, y por el final de la canción que exigían un bis. Ella aceptó y cantó la otra cara de Boswell Sister's record, "The Object of My Affections."

Fuera del escenario, y lejos de la gente que conocía bien, Ella era tímida y reservada. Ella era consciente de su apariencia, y por un tiempo, incluso dudaba de la medida de sus capacidades. En el escenario, sin embargo, Ella se sorprendió al descubrir que no tenía miedo. Se sentía como en casa siendo el centro de atención.

"Once up there, I felt the acceptance and love from my audience," dijo Ella. "I knew I wanted to sing before people the rest of my life."

En la banda esa noche fue el saxofonista y arreglista Benny Carter. Impresionado con su talento natural, comenzó la introducción de Ella a las personas que podrían ayudar a lanzar su carrera. En el proceso, Ella y Benny se hicieron amigo de toda la vida, trabajando a menudo juntos.

Impulsada por partidarios entusiastas, Ella comenzó a entrar - y ganar - cada show de talento que pudo encontrar. En enero de 1935 ganó la oportunidad de llevar a cabo durante una semana con la banda Bradshaw Tiny en la Ópera de Harlem. Fue allí donde Ella conoció al baterista y director de orquesta Chick Webb. Aunque su voz le impresionó, Chick ya había contratado un cantante masculino Charlie Linton para la banda. Le ofreció a Ella la oportunidad de probar con su banda  en la Universidad de Yale.

"If the kids like her," dijo Chick, "she stays."

A pesar de la multitud dura, Ella fue un gran éxito, y Chick la contrató para viajar con la banda por $ 12.50 a la semana.

Cosas de Jazz

A mediados de 1936, Ella hizo su primera grabación. "Love and Kisses" fue lanzado bajo el sello Decca, con un éxito moderado. En ese momento ella estaba actuando con la banda de Chick en la prestigiosa Savoy Ballroom de Harlem, que se refiere a menudo como "The World's Most Famous Ballroom."

Poco después, Ella comenzó a cantar una versión de la canción "(If You Can't Sing It) You Have to Swing It."Durante este tiempo, la era de las grandes bandas de swing estaba cambiando, y el foco estaba girando más hacia el bebop. Ella cantó el nuevo estilo, a menudo usando su voz para asumir el papel de otra trompeta en la banda. "You Have to Swing It" fue una de las primeras veces que ella comenzó a experimentar con Scat (estilo musical), y su improvisación y la vocalización emocionado a fans. A lo largo de su carrera, Ella podría dominar el Scat, convirtiéndolo en una forma de arte.

En 1938, a la edad de 21, Ella grabó una versión lúdica de la canción infantil, "A-Tisket, A-Tasket." El álbum vendió 1 millón de copias, alcanzó el número uno, y se quedó en las listas de éxitos durante 17 semanas. De repente, Ella Fitzgerald era famosa.

Al llegar a si misma

El 16 de junio de 1939, Ella lloraba la pérdida de su mentor Chick Webb. En su ausencia, la banda pasó a llamarse "Ella Fitzgerald and Her Famous Band," y ella empezó la abrumadora tarea de directora de orquesta.

Quizás en busca de estabilidad y protección, Ella se casó con Benny Kornegay, un trabajador portuario local que la había estado persiguiendo. Al enterarse de que Kornegay tenía antecedentes penales, Ella se dio cuenta de que la relación fue un error y tenía el matrimonio anulado.

Mientras estaba de gira con la banda de Dizzy Gillespie en 1946, Ella se enamoró de el bajista Ray Brown. Los dos se casaron y, finalmente, adoptó un hijo, a quien llamaron Ray Jr.

En ese momento, Ray estaba trabajando para el productor y gerente Norman Granz en el "Jazz en la Filarmónica" tour. Norman vio que Ella tenía lo necesario para ser una estrella internacional, y convencido de Ella de firmar con él. Fue el comienzo de una relación de negocios y amistad para toda la vida.

Bajo la dirección de Norman, Ella se unió a la gira de la Filarmónica, trabajó con Louis Armstrong en varios álbumes y comenzó a producir su serie cancionero infame. Desde 1956-1964, grabó portadas de álbumes de otros músicos, entre ellos los de Cole Porter, Duke Ellington, los Gershwin, Johnny Mercer, Irving Berlin, y Rodgers y Hart. La serie fue muy popular, tanto con los fans de Ella como con los artistas.

"I never knew how good our songs were until I heard Ella Fitzgerald sing them," Ira Gershwin dijo una vez.

Ella también comenzó a aparecer en programas de variedades de televisión. Rápidamente se convirtió en una invitada favorita y frecuente en numerosos programas, incluyendo "The Bing Crosby Show", "The Dinah Shore Show", "The Frank Sinatra Show", "The Ed Sullivan Show", "The Tonight Show", "The Nat King Cole Show "," The Andy Willams Show "y" The Dean Martin Show ".

Debido a un calendario de gira ocupado, Ella y Ray se encontraban a menudo fuera de casa, forzando el vínculo con su hijo. En última instancia, Ray Jr. y Ella se reconectaron, y remendaron su relación.

"All I can say is that she gave to me as much as she could," dijo Ray, Jr. , "and she loved me as much as she could."

Por desgracia, los horarios de trabajo ocupados también les duelen a Ray y el matrimonio de Ella. Los dos se divorciaron en 1952, pero se mantuvieron como buenos amigos por el resto de sus vidas.

La superación de la discriminación

En el circuito de giras era bien sabido que el gerente de Ella fué muy fuertemente sobre los derechos civiles, exigiendo la igualdad de trato para sus músicos, independientemente de su color. Norman se negó a aceptar cualquier tipo de discriminación en hoteles, restaurantes o salas de conciertos, incluso cuando viajaron al Deep South.

Una vez, mientras que en Dallas estaba de gira la Filarmónica, un escuadrón de la policía irritado por los principios de Norman irrumpió en el backstage para molestar a los artistas. Entraron en el camerino de Ella, donde miembros de la banda de Dizzy Gillespie e Illinois Jacquet estaban disparando los dados, y arrestaron a todos.

"They took us down," dijo Ella , "and then when we got there, they had the nerve to ask for an autograph."

Norman no fue el único dispuesto a ponerse de pie para Ella. Recibió el apoyo de numerosos fans de celebridades, incluyendo un celoso Marilyn Monroe.

"I owe Marilyn Monroe a real debt," dijo más tarde Ella. "Fue gracias a ella que toqué en el Mocambo, un club nocturno muy popular en los años 50. Ella llamó personalmente al propietario del Mocambo, y le dijo que quería que yo toque ahí, y que si él lo haría, ella cantaría cada noche Ella le dijo - y era verdad, debido a la condición de superestrella de Marilyn - que la prensa iba salvaje el propietario dijo que sí, y Marilyn estaba allí, cada noche, la prensa se fue por la borda después de eso.".

Reconocimiento mundial

Ella continuó trabajando tan duro como lo había hecho desde el principio de su carrera, a pesar de los efectos nocivos sobre su salud. Ella estuvo de gira por todo el mundo, a veces realizaba dos shows diarios en ciudades a cientos de millas de distancia. En 1974, Ella pasó unas legendarias dos semanas en Nueva York con Frank Sinatra y Count Basie. Cinco años después, la instalaron en la Down Beat magazine Hall of Fame, y recibió los honores de Kennedy Center por sus continuas contribuciones a las artes.

Fuera de las artes, Ella tuvo una profunda preocupación por el bienestar del niño. Aunque este aspecto de su vida rara vez publicitado, ella con frecuencia hizo generosas donaciones a organizaciones para jóvenes desfavorecidos, y la continuación de estas contribuciones era parte de la fuerza motriz que le impidió desaceleración. Además, cuando Frances murió, Ella sintió que tenía las responsabilidades adicionales de cuidar de la familia de su hermana.

En 1987, el presidente de Estados Unidos Ronald Reagan otorgó a Ella la Medalla Nacional de las Artes. Era uno de sus momentos más preciados. Francia hizo lo mismo varios años más tarde, la presentación de ella con su Comandante del premio Artes y las Letras, mientras que la Universidad de Yale, Dartmouth y varias otras universidades otorgaron a Ella doctorados honorarios.

El final de una era

En septiembre de 1986, Ella se sometió a una cirugía de bypass quíntuple coronaria. Los médicos también reemplazaron una válvula en su corazón y le diagnosticaron diabetes, que se culpaban por su mala vista. La prensa lleva a los rumores de que ella nunca sería capaz de cantar de nuevo, pero Ella demostró que estaban equivocados. A pesar de las protestas de los familiares y amigos, incluyendo Norman, Ella volvió a los escenarios y siguió adelante con una agenda exhaustiva.

Por la década de 1990, Ella había grabado más de 200 álbumes. En 1991, dio su último concierto en el famoso Carnegie Hall de Nueva York.

Como los efectos de su diabetes empeoró, de 76 años de edad, Ella experimentó problemas circulatorios graves y fue forzada a tener ambas piernas amputadas por debajo de las rodillas. Ella nunca se recuperó de la cirugía, y después, rara vez era capaz de realizar. Durante este tiempo, Ella disfrutaba sentada fuera en su patio trasero, y pasaba tiempo con Ray, Jr. y su nieta Alice.

"Sólo quiero oler el aire, escuchar a los pájaros y escuchar a Alice reír", dijo.

El 15 de junio de 1996, Ella Fitzgerald murió en su casa de Beverly Hills. Horas más tarde, los signos de recuerdo comenzaron a aparecer en todo el mundo. Una corona de flores blancas se puso de pie al lado de su estrella en el Hollywood Walk of Fame, y una carpa fuera del teatro de lectura Hollywood Bowl, "Ella, we will miss you."

Después de un servicio fúnebre privado, el tráfico en la autopista se detuvo para dejar al cortejo fúnebre pasar a través de la misma. Fue enterrada en el "Sanctuary of the Bells" sección de la puesta del sol Misión Mausoleo de Inglewood Park Cemetery en Inglewood, California.



Fuente: http://www.ellafitzgerald.com/about/index.html

Herbie Hancock

Herbie Hancock es un verdadero icono de la música moderna. A lo largo de sus exploraciones, ha trascendido las limitaciones y géneros, manteniendo su inconfundible voz. Con una carrera que abarca cinco décadas y 14 premios Grammy, incluyendo Álbum del Año para River: The Joni Letters, que continúa asombrando al público en todo el mundo. Miles Davis dijo en su autobiografía, "Herbie fue el paso después de Bud Powell y Thelonious Monk, y no he escuchado a nadie todavía que ha venido después de él." Nacido en Chicago en 1940, Herbie era un prodigio del piano ya desde niño, que realizado un concierto de Mozart  con la Orquesta Sinfónica de Chicago a los 11 años empezó a tocar jazz en la escuela secundaria, inicialmente influenciado por Oscar Peterson y Bill Evans. También desarrolló una pasión por la electrónica y la ciencia, y se especializó en la música y la ingeniería eléctrica en Grinnell College.

Comienzos: Vida temprana y el quinteto de Miles Davis 

En 1960, Herbie fue descubierto por el trompetista Donald Byrd. Después de dos años de trabajo de la sesión con Byrd, así como Phil Woods y Oliver Nelson, firmó con Blue Note como artista en solitario. Su álbum debut en 1963, 'Takin' Off ', fue un éxito inmediato, la producción de la exitosa "Watermelon Man". 

En 1963, Miles Davis invitó a Herbie a unirse al quinteto de Miles Davis. Durante sus cinco años con Davis, Herbie y sus colegas Wayne Shorter (saxo tenor), Ron Carter (bajo) y Tony Williams (batería) grabaron muchos clásicos, entre ellos 'ESP', 'Nefertiti' y 'Sorcerer'. Más tarde, Herbie hizo apariciones en la Davis ' groundbreaking ' 'In a Silent Way' y 'Bitches Brew', que anunció el nacimiento del jazz-fusión. 

La carrera en solitario de Herbie floreció en Blue Note, con álbumes clásicos incluyendo 'Maiden Voyage' , 'Empyrean Isles ", y" Speak Like a Child'. Él compuso la música para la película de Michelangelo Antonioni 1966 'Blow Up', que llevó a una exitosa carrera en cine y música de televisión.

1970: Los Headhunters y VSOP 

Después de salir de Davis, Herbie armó una nueva banda llamada The Headhunters y, en 1973, grabó 'Head Hunters. Creó el  "Camaleón", que se convirtió en el primer álbum de jazz platino. A mediados de década, Herbie fue tocando para multitudes en todo el mundo y no tenía menos de cuatro álbumes en las listas de éxitos a la vez. En total, Herbie tenía 11 álbumes en las listas de éxitos durante la década de 1970. Harbie inspiró y proporcionó muestras para las generaciones de hip-hop y danza. Herbie también se quedó cerca de su amor por el jazz acústico en los años 70, la grabación y la realización con VSOP (él reunirse con sus colegas de Miles Davis), y en entornos dúo con Chick Corea y Oscar Peterson.

1980: El shock del futuro, Cine y Televisión 

En 1980, Herbie presentó el trompetista Wynton Marsalis al mundo como solista, la producción de su primer álbum y gira con él también. En 1983, un nuevo tirón al lado alternativo llevó a Herbie a una serie de colaboraciones con Bill Laswell. El primero, "Future Shock", nuevamente platino, y el single "Rockit" sacudieron el baile y al R & B, ganando un Grammy por Mejor R & B Instrumental. El video de la canción ganó cinco premios MTV. 'Sound System', el seguimiento, también recibió un Grammy en la categoría R & B instrumental. Herbie ganó un Oscar en 1986 al rodar la película "'Round Midnight", en la que también apareció como actor. Numerosos aspectos de la televisión en los últimos años llevaron a dos asignaciones de alojamiento en la década de 1980: "Escuela de Rock" en PBS y de Showtime "Coast To Coast".

2000, Álbum del Año y hoy 

Herbie se reunió con Bill Laswell a colaborar con algunos jóvenes de hip-hop y el tecno artist en FUTURE2FUTURE de 2001. También se unió con Roy Hargrove y Michael Brecker en 2002 para grabar un álbum en vivo, 'Directions In Music: Live at Massey Hall' Un homenaje a John Coltrane y Miles Davis.
'Possibilities' lanzado en agosto de 2005, se asociaron con Herbie muchos artistas populares, como Sting, Annie Lennox, John Mayer, Christina Aguilera, Paul Simon, Carlos Santana, Joss Stone y Damien Rice. Ese año, tocó una serie de conciertos con un re-personal Headhunters, y se convirtió en el primer artista en residencia en el festival con sede en Tennessee Bonnaroo. En 2007, Hancock grabó y lanzó 'River: The Joni Letters' , un homenaje a su viejo amigo y colaborador Joni Mitchell con Wayne Shorter, el guitarrista Lionel Loueke, el bajista Dave Holland y el baterista Vinnie Colaiuta y co-producido por Larry Klein. Se alistó vocalistas como Norah Jones, Tina Turner, Corinne Bailey Rae, Luciana Souza, Leonard Cohen y Mitchell a sí misma para la realización de las canciones que escribió o se inspiró. El álbum recibió buenas críticas y fue una elección a fin de año Top 10 para muchos críticos. También obtuvo tres premios Grammy, incluyendo Álbum del Año; Herbie es uno de sólo un puñado de músicos de jazz en recibir ese honor. En 2010 Hancock lanzó el CD aclamado por la crítica, "de Herbie Hancock The Imagine Project", ganador de dos 20ll Premios Grammy por Mejor Colaboración Pop y Mejor Improvisación Jazz Solo. Utilizando el lenguaje universal de la música para expresar sus temas centrales de la paz y la responsabilidad global, el proyecto "Imagine" se registró en todo el mundo y cuenta con un grupo estelar de músicos como Jeff Beck, Seal, Pink, Dave Matthews, The Chieftains, Lionel Loueke , Oumou Sangare, Konono #L, Anoushka Shankar, Chaka Khan, Marcus Miller, Derek Trucks, Susan Tedeschi, Tinariwen, y Ceu. Herbie Hancock también mantiene una próspera carrera fuera del escenario y estudio de grabación. Recientemente nombrado por la Filarmónica de Los Ángeles como Presidente Creativo Para Jazz, que actualmente también se desempeña como Presidente del Instituto del Instituto Monk Thelonious de Jazz, la organización internacional más importante dedicada al desarrollo de la actuación de jazz y la educación en todo el mundo. Hancock es también uno de los fundadores del Comité Internacional de Artistas por la Paz, y fue recientemente galardonado con el muy estimado "Commandeur des Arts et des Lettres" por el primer ministro francés, Francois Fillon. En julio de 2011 Hancock fue designado Embajador de Buena Voluntad de la UNESCO honorífico por la UNESCO Directora General, Irina Bokova. Reconociendo "dedicación a la promoción de la paz a través del diálogo, la cultura y las artes," de Herbie Hancock el Director General ha pedido al músico de jazz célebre "para contribuir a los esfuerzos de la UNESCO para promover el entendimiento mutuo entre las culturas, con un énfasis particular en el fomento de la emergencia de ideas nuevas y creativas entre los jóvenes, para encontrar soluciones a los problemas globales, así como garantizar la igualdad de acceso a la diversidad de expresiones artísticas. "Embajadores de Buena Voluntad de la UNESCO son un destacado grupo de defensores de la celebridad que generosamente han aceptado utilizar su talento y el estado de ayudar a centrar la atención del mundo sobre los objetivos y propósitos de la labor de la UNESCO en sus esferas de competencia:. la educación, la cultura, la ciencia y la comunicación / información Ahora en la quinta década de su vida profesional, Herbie Hancock sigue donde siempre ha estado: en el vanguardia de la cultura mundial, la tecnología, los negocios y la música. Aunque no se puede rastrear exactamente donde va a ir la próxima, él está seguro de dejar su huella inimitable donde aterriza.

Eddie Lang

Eddie Lang ( 25 de octubre 1902; Filadelfia, Pensilvania -  26 de marzo 1933;.. La Ciudad de Nueva York) fue un guitarrista, banjo man, violinista y compositor. 
Considerado como el padre de la guitarra del jazz, Lang fue el primero en darle a la guitarra una voz distintiva como instrumento solista en la música popular y el jazz. 
Con habilidades técnicas, rítmicos y armónicos muy avanzadas, que marcó el comienzo sin ayuda del instrumento en la edad moderna.
Nacido Salvatoro Massaro de inmigrantes italianos que viven en (Sur) Philadelphia, Pennsylvania, él era el más joven de los ocho hijos (4 niñas, 4 niños). 
Eddie Lang asistió a la escuela primaria con Giuseppe Venuti (violinista Joe Venuti), y estudió el violín durante once años. 
Autodidacta en el banjo y la guitarra, Lang hizo su primera aparición en el registro en 1923 con la Orquesta Kerr Charlie. 
Él ganó cierta fama para las grabaciones realizadas con el Mound City Blue Blowers, especialmente Deep Second Street Blues (Vocalion Records, diciembre, 1924), cree que es el primer registro solo de guitarra de jazz.
Viajó por Inglaterra en 1925 con el Mound City Blue Blowers. Tres desiciones críticas lo marcaron a finales de 1926: se casó, se mudó a la ciudad de Nueva York, y adoptó la guitarra archtop como su principal instrumento (Gibson L-4: 1927-1929, Gibson L-5: 1929-1933). 

Gibson L-5  (1928)

En sus manos, este último resultó ser una poderosa herramienta que le dio una voz distintiva. Pronto se hizo conocido como el "sonido Eddie Lang", que influyen en casi todos los tocadores de banjo del período ya sea aprender o cambiar por completo a la guitarra.Lang se embarcó en una carrera como músico de estudio independiente en la Ciudad de Nueva York (octubre de 1926). Rápidamente se convirtió en el más buscado luego de ser músico de sesión de grabaciónes de cientos de discos con cantantes, orquestas, bandas de danza, grupos de jazz, blues, y novelty combos (principalmente) para la OKeh, Columbia, y las compañías discográficas Victor días (1926-1933) . Al mismo tiempo, actuó en clubes nocturnos, orquestas pit Broadway, vodevil, en bandas sonoras de radio y cine, además de la celebración de abajo de una posición a tiempo completo con la orquesta de Roger Wolfe Kahn (1927-1928).Lang, junto con Venuti, se unió a la orquesta de Paul Whiteman en mayo de 1929. Una celebridad nacional, Whiteman (con la etiqueta el "Rey del Jazz") liderando el más exitoso baile y concierto de la orquesta de la era del jazz. El hecho de estar un año como guitarrista junto a Whiteman (1929-1930) implicó un recorrido en América, conciertos diarios, programas de radio semanales, grabaciones, y una marca característica en la pantalla grande en el gran espectáculo de Technicolor "El Rey del Jazz".Como acompañante y confidente (1931-1933) personal de Bing Crosby, Eddie Lang jugó un papel integral en la brecha de la cantante como solista nacional que lo acompaña en el escenario, grabaciones, radio y el cine. Además, Lang participó en una serie de bandas sonoras de películas (Fleischer / Betty Boop, Ruth Etting, Bing Crosby), y fue un lugar destacado en la pantalla en "The Big Broadcast", primer papel protagonista de Crosby en una película de larga duración. Fue durante este período de tiempo que Lang trajo la guitarra a la prominencia nacional.Sólo unos días antes de partir a California para comenzar a trabajar en una nueva foto de Bing Crosby (College Humor), Lang falleció como resultado de complicaciones después de una amigdalectomía. Eddie Lang participó en algunas de las grabaciones más importantes en la historia del jazz, incluyendo sesiones con Bix Beiderbecke (Singin 'the Blues), Bessie Smith (Cocina Man), Lonnie Johnson (Midnight Call), Louis Armstrong (Knockin' Un Jarro) y aquellos bajo su propio nombre (Besos abril; Twister de Eddie).

 Él fue el primer guitarrista en los campos de pop y jazz para grabar en solitario acompañado de (A Little Love, A Little Kiss;. (Rachmaninoff) Op Preludio 3 No. 2), y también participó en los dúos de guitarra de jazz primero (Feelin 'My Way , Pickin 'My Way). Con su amigo de la infancia y compañero musical Joe Venuti, Eddie Lang creó un estilo de presentar el jazz como la música de cámara, con lo que un sonido sofisticado e íntimo con la música de la época del jazz (Doin’ Things; Goin’ Places).El nombre de Eddie Lang era sinónimo de la guitarra desde hace décadas. Hasta el advenimiento de Django Reinhardt en 1934, y Charlie Christian en 1939, Eddie Lang fue considerado como el más importante guitarrista de jazz único en el mundo.


Fuente: http://www.eddielang.com/

Albert Collins

Albert Collins

Nunca ha habido y nunca podra volver a haber un bluesman como Albert Collins. "El amo de la Telecaster", nació el 1 de octubre de 1932, en Leona, Texas. Un primo del legendario Lightnin 'Hopkins, Collins salió con un blues de sonido y estilo propio, que ofrece una combinación de icy echo, shattering, ringing, sustained high notes, y ultra-percussive right-hand attack y una afinación de guitarra a tono menor (que le había enseñado su primo Willow Young). Profundamente influenciado por T-Bone Walker, John Lee Hooker y Gatemouth Brown, Collins absorbe los sonidos de Mississippi, Chicago, y sobre todo Texas. Formó su propia banda en 1952, tocando en varios clubes alrededor de Houston. A principios de 1960, instrumentales de Collins "cool sound" como el millón de ventas Frosty (grabados con un joven Johnny Winter y Janis Joplin en la asistencia en el estudio) y seguimientos  Sno Cone y Thaw Out estaban por todas las radios R&B. Pronto él estaba compartiendo escenario con sus ídolos Gatemouth Brown y T-Bone Walker. Luego, a mediados de los años 60 (después de un movimiento de Texas a Kansas City a California), Collins entró dentro del Rock, la liberación de tres álbumes producidos por miembros de Canned Heat, y comenzaron a tocar en el circuito psicodélico de San Francisco. Pero el mayor éxito de Albert se produjo después de que firmó con Cocodrilo en 1978 y lanzó Ice Pickin'. 

Ganó el Mejor Álbum de Blues del Año del Festival de Jazz de Montreux, y fue nominado para un Grammy. Sus siguientes álbumes cocodrilo ayudaron a Collins a ganar todos los premios que el mundo del blues tenía para ofrecer. Y, junto con Johnny Copeland y Robert Cray (quien decidió entrar en una carrera como músico de blues después de ver a Collins tocar). Incluso después de que se estableció firmemente como un músico de blues moderno importante, Collins  nunca renunció al volante de su maltrecho autobús que le encantaba conducir tanto. Junto con su banda, Los Icebreakers, los espectáculos en vivo de Collins - impulsados ​​por su cinética presencia en el escenario - fueron testamentos legendarios a la potencia del blues. Con su prematura muerte en 1993, Albert Collins dejó un legado en el blues que continúa asombrando y deleitando a los fans de blues en todo el mundo.


Fuente: http://www.alligator.com/artists/albert-collins/