Barney Kessel

Barney Kessel (17 octubre 1923 hasta 6 mayo 2004) fue un guitarrista de jazz estadounidense nacido en Muskogee, Oklahoma . Por su conocimiento de los acordes y las inversiones y melodías basadas en acordes, fue miembro de muchos grupos de jazz prominentes, y un gran sesionista de estudio, cine, televisión y grabación. Kessel era un miembro del grupo de músicos de sesión informalmente conocida como la Wrecking Crew .

Kessel comenzó su carrera en la adolescencia tocando en bandas locales. Cuando tenía 16 años, empezó a tocar con la banda de Oklahoma A & M,"Hal Price & the Varsitonians". Los miembros de la banda lo apodaron "Fruitcake", porque él practicaba hasta 16 horas al día. Luego pasó a bandas como la dirigida por Chico Marx. En 1944 participó en la película Jammin 'the Blues , que contó con Lester Young , y en 1947 grabó conCharlie Parker's New Stars en el Relaxin en Camarillo Sesion para Dial Records . Él fue calificado como el guitarrista Nº 1 en Esquire, Down Beat y Playboy Magazine entre 1947 y 1960.

Kessel era conocido por su trabajo innovador. En la década de 1950, hizo una serie de álbumes llamados  The Poll Winners con Ray Brown en el bajo y Shelly Manne en la batería. También fue el guitarrista en el álbum Julie Is Her Name (1955) de Julie London , que incluye " Cry Me a River "; esta canción que tuvo millones de ventas cuenta con una parte de guitarra de Kessel, que ilustra su acercamiento al chord melody.

Kessel era también un miembro del Oscar Peterson Trio con Ray Brown por un año, dejando en 1953. Kessel también tocó con Sonny Rollins a finales de 1950 y se puede oír en el álbum Sonny Rollins and the Contemporary Leaders en canciones como "How High the Moon".

En 1957, Barney Kessel fue introducido en el Kay Musical Instrument Company mientras tocaba en un club de jazz local en Chicago. Se le ofreció tres modelos de guitarra de la firma, la K1700 (Pro), K6700 (artist) y K8700 (Jazz Especial)  y cada una llevaba su firma grabada en la parte inferior del golpeador. Esta fue también la introducción de la palanca "full kelvinator". En 1960 Kessel las abandonó, pero la producción de estas guitarras continuó sin su firma. En 2014, la Compañía guitarra Kay, que trabaja en estrecha colaboración con la viuda de Kessel Phillis, se aseguró los derechos de licencia para que la firma Kessel volviera a emitir estas tres guitarras.

Kessel fue muy solicitado en Columbia Pictures durante los años 1960, y se convirtió en uno de los guitarristas de sesión mas demandados en los Estados Unidos. Tuvo colavoraciones con  Phil Spector , The Beach Boys , The Monkees y muchos otros.

En 1961 la Gibson Guitar Corporation introdujo el modelo de guitarra Barney Kessel en el mercado y continuó haciendo hasta 1973.

Algunos de los artistas con los que tocó:

Chico Marx , Oscar Peterson , Ray Brown , Sonny Rollins , Phil Spector , The Beach Boys , The Monkees , Milt Jackson , The Wrecking Crew





Fuente: https://en.wikipedia.org/wiki/Barney_Kessel

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Steve Swallow

Steve Swallow es un compositor y bajista de jazz muy respetado. Nacido el 4 de octubre de 1940 ,Fair Lawn, Nueva Jersey, Estados Unidos, Swallow comenzó su educación musical por el aprendizaje de la trompeta y el piano antes de cambiar al contrabajo. Swallow tocó con muchos grandes músicos de jazz durante esta primera parte de su carrera y se unió Cuarteto de Art Farmer en 1964. Por ese tiempo Swallow también comenzó a componer y a generar una relación de trabajo con Gary Burton que con el tiempo sería duradera.

A principios de 1970 Steve Swallow dejó de tocar el contrabajo y se cambió definitivamente al bajo eléctrico. Swallow enseñó en el Berklee College of Music a mediados de 1970 y se afirma que han influido en el contenido del Real Book.

Durante su larga carrera, Steve Swallow ha integrado muchos excelentes conjuntos, además de ser acompañante de varios de los grandes incluyendo Carla Bley, John Scofield, Pat Metheny, Joe Lovano y Paul Motian. Algunas de sus composiciones como 'Falling Grace','Ladies in Mercedes' y 'Up Too Late' han sido interpretados innumerables veces por una multitud de diferentes artistas. Swallow ha dejado una grán influencia en el mundo del jazz debido a sus composiciónes y al modo de ejecutar el instrumento. Steve Swallow tiene un sonido muy distintivo. Ha usado una variedad de modelos de bajos a lo largo de su carrera y actualmente toca en un bajo Citron AE5 Swallow Signature Custom. En combinación con una púa de cobre, el bajo suena casi como un "sintetizador" sonando muy diferente a cualquiera de los otros grandes nombres en la historia del bajo de jazz.  Steve Swallow es conocido por tocar solos muy líricos y de ser un acompañante de gran apoyo. Su trabajo con el John Scofield Trio ha sido una gran prueba de su estilo único.

Recomendado Grabaciones


Hotel Hello - w/Gary Burton
Damaged in Transit - Steve Swallow Trio
En Route - John Scofield Trio
Duets - w/Carla Bley

Fuente: http://www.bassguitarcourse.com/steve-swallow

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Joe Pass

Joe Pass (nacido Joseph Anthony Jacobi Passalacqua 13 de enero de 1929 - 23 de mayo de 1994) fue un Siciliano guitarrista  virtuoso del jazz . Se le considera generalmente que es uno de los más grandes guitarristas de jazz del siglo 20. Su estilo sofisticado y melodico, con un conocimiento sobresaliente de inversiones de acordes y progresiones , un amplio uso de líneas de bajo para caminar, y un gran contrapunto durante la improvisación, a abierto nuevas posibilidades para la guitarra de jazz y tuvo una profunda influencia en guitarristas posteriores.
Además de su extenso trabajo en solitario, Pass es recordado por sus asociaciones a largo plazo con la cantante Ella Fitzgerald y el pianista Oscar Peterson .

Nacido en New Brunswick , Nueva Jersey , Joe Pass, el hijo de Mariano Passalacqua, un siciliano trabajador de la acería, se crió en Johnstown, Pennsylvania . Recibió su primera guitarra, una  Harmony  modelo comprado por $ 17, en su noveno cumpleaños. El padre de Pass detecta que a su temprana edad tenía talento y lo empujó constantemente para sacar melodías de oído, tocar piezas que no estaban escritas específicamente para el instrumento, la práctica de escalas y  a "no dejar espacios "- es decir, a rellenar el espacio sonoro entre las notas de la melodía.

Ya a los 14, Pass comenzó a conseguir conciertos y fue tocando con bandas junto a Tony Pastor y Charlie Barnet , perfeccionando sus habilidades con la guitarra y aprendiendo el negocio de la música. Él comenzó a viajar con grupos de jazz pequeñas y finalmente se trasladó desde Pennsylvania hasta la ciudad de Nueva York . En pocos años, desarrolló una adicción a la heroína y pasó gran parte de la década de 1950 en la cárcel.Pass logró salir de la adicción a los narcóticos a través de una estancia de dos años y medio de duración en el Synanon rehabilitation program. Durante ese tiempo, "no tocó mucho". En 1962 grabó sonidos de Synanon . Fue por entonces cuando Pass recibió su guitarra marca Gibson ES-175 como un regalo, que posteriormente la utilizó para sus giras y grabaciones durante muchos años.

Ella Fitzgerald y Joe Pass, 1974

Pass a grabado una serie de álbumes durante la década de 1960 para el Pacific Jazz label incluyendo los primeros clásicos Catch Me,12-String Guitar, For Django, y Simplicity. En 1963, Pass recibió el Downbeat de la revista "New Star Award". Pass también fue presentado en el Pacific Jazz recordings por Gerald Wilson , Bud Shank , y Les McCann . Pass se va de gira con George Shearing en 1965. Durante la década de 1960, sin embargo, lo hizo sobre todo en la televisión y sesiones de grabación en Los Ángeles .

Era un acompañante de Louis Bellson , Frank Sinatra , Sarah Vaughan , Joe Williams , Della Reese , Johnny Mathis , y trabajó en programas de televisión, incluyendoThe Tonight Show Starring Johnny Carson , The Merv Griffin Show , El Show de Steve Allen , y otros. A principios de la década de 1970, Pass y el guitarrista Herb Ellis tocaban juntos con regularidad en el club de jazz de Donte en Los Angeles. Esta colaboración llevó a Pass y Ellis a grabar el primer álbum en el nuevo  Concord Jazz label, titulado simplemente Jazz / Concord (# CJS-1), junto con el bajista Ray Brown y el baterísta Jake Hanna . A principios de la década de 1970, Pass también colaboró en una serie de libros de música, y su Joe Pass Guitar Style (escrito con Bill Thrasher) es considerado un libro de texto que lleva la improvisación del jazz para los estudiantes.
Norman Granz , el productor de Jazz en la Filarmónica y el fundador de Verve Records firmó paso a la nueva de Granz Pablo Records label en 1970. En 1974, lanzó su paso hito disco solista virtuoso sobre Pablo Records. También en 1974, Pablo Records lanzó el álbum El Trío con Pass, Oscar Peterson , y Niels-Henning Ørsted Pedersen . Él tocó con ellos en muchas ocasiones a lo largo de los años 1970 y 1980. En los premios Grammy de 1975 , El trío ganó el premio Grammy a la mejor interpretación de jazz por un Grupo . Como parte de la Pablo Records "stable,"  Pass también grabó con Benny Carter , Milt Jackson , Herb Ellis , Zoot Sims , Duke Ellington , Dizzy Gillespie , Ella Fitzgerald , Count Basie , y otros.
Pass y Ella Fitzgerald grabaron seis álbumes juntos en Registros Pablo, hacia el final de la carrera de Fitzgerald:  Take Love Easy (1973), Fitzgerald and Pass... Again(1976), "Hamburg Duets - 1976" (1976), "Sophisticated Lady" (1975, 1983), Speak Love (1983), y Easy Living (1986).
En 1994, Joe Pass murió de cáncer de hígado en Los Ángeles, California a la edad de 65. Antes de su muerte, había grabado un disco de versiones instrumentales de canciones de Hank Williams con el guitarrista country Roy Clark .

Legado 

Joe Pass in concert in 1974 playing his famous Gibson ES-175 guitar

Joe Pass en concierto en 1974 tocando su famosa guitarra Gibson ES-175
Además de las actuaciones del conjunto, la comunidad del jazz se refiere a Joe Pass como un guitarra solista influyente. New York Magazine dijo de él: "Joe Pass parece el tío de alguien y toca la guitarra como nadie. A menudo comparado  a Paganini por su virtuosismo. Hay una cierta pureza de su sonido que lo hace destacarse fácilmente de otros guitarristas de jazz de primer nivel.  Su estilo en solitario estuvo marcado por una técnica avanzada lineal, sentido armónico sofisticado, contrapunto, figuras de bajo y acordes, modulaciones espontáneas y las transiciones de tempos. Añadía regularmente lo que llamó "tonos de color" a sus composiciones, para dar lo que él creía que era un sonido "funky" más sofisticado. A menudo utilizaba el contrapunto melódico durante la improvisación, moviendo líneas y acordes cromáticamente o reproducir melodías de acordes exclusivamente cambiantes, y descendiendo con arpegios aumentados al final de las frases.

El estilo tempranod e Pass '(influenciado por el guitarrista Django Reinhardt y el saxofonista Charlie Parker ), estuvo marcado por las líneas de una sola nota rápidas y un sentido melódico que fluye. 


Epiphone ha producido una edición en su honor. Anteriormente Ibáñez tenía un modelo de guitarra de jazz Joe Pass.

Fuente: https://en.wikipedia.org/wiki/Joe_Pass

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Andy Fraser

Nombre de nacimiento Andrew Fraser McLan
Nacido 3 de julio de 1952 Paddington , Londres, Inglaterra
Murió 16 de de marzo de el año 2015 (62 años) Temecula, California , Estados Unidos
Géneros Hard rock , blues-rock
Profesión Músico, cantante y compositor
instrumentos Bajo, guitarra, piano, voces
Años activos 1968-2015
Actos asociados Free , John Mayall & the Bluesbreakers , Sharks
instrumentos notables Gibson EB-3


Andrew McLan "Andy" Fraser (3 julio 1952 hasta 16 marzo 2015) fue un compositor y bajista Inglés cuya carrera duró más de cuarenta años e incluye un período notable como uno de los miembros fundadores de la banda de rock Free en 1968, a los 15 años .

Años de apogeo (1960 y 1970) 

Fraser nació en el Paddington área del centro de Londres y comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años. Estudio música clásica hasta los doce, cuando se cambió a la guitarra. A los trece tocaba en East End , clubes de las Indias Occidentales y después de ser expulsado de la escuela en 1968 a los 15 años, se inscribió en Hammersmith FE College, donde otro estudiante, Safo Korner, le presentó a su padre, pionero de blues, músico y locutor de radio Alexis Korner , que se convirtió en una figura paterna para él. Poco después, al recibir una llamada telefónica de John Mayall , que estaba buscando a un bajista, Korner sugirió Fraser y, con sólo 15 años, se encontraba en una banda ganando £ 50 por semana.

Korner también jugó un papel decisivo en el próximo movimiento de Fraser, a la influyente banda Free , que consistía en Paul Rodgers (voz), Paul Kossoff (guitarra) y Simon Kirke (batería). Fraser produjo y co-escribió la canción "All Right Now" con Rodgers, un hit N º 1 en más de 20 territorios y reconocido por la ASCAP en 1990 en cuanto a ser pasado más de 1.000.000 de  veces por la radio en los Estados Unidos a finales de 1989.

Fraser también co-escribió otros dos singles de éxito de forma gratuita,  "My Brother Jake" y "The Stealer". Free inicialmente se dividió en 1971, y Fraser formó un trío, Toby, con el guitarrista Adrian Fisher (más tarde con Sparks ), y el batería Stan Speake . El material fue grabado, pero no liberado, y Fraser reunió Free en diciembre de 1971. Se fue por segunda vez en junio de 1972.

Después de dejar Free, Fraser formó Sharks con el vocalista Snips (después del Baker Gurvitz Army), el guitarrista Chris Spedding , más batería, Marty Simon. A pesar de ser bien recibido por la crítica, especialmente para el trabajo de buen gusto en guitarra de Spedding  (Crawdaddy Lead Review, Bruce Malamut Vol. 27, 1973) Fraser se retiró luego de su álbum de debut, First Water (1973).

Luego formó la banda de Andy Fraser, un trío con Kim Turner en la batería y Nick Judd en los teclados. Lanzaron dos álbumes, Andy Fraser Band y In Your Eyes, ambos en 1975. Los intentos de formar una banda con Frankie Miller llegaron a nada, y Fraser se mudó a California, para concentrarse en la composición. Se hace a mano éxitos de Robert Palmer , Joe Cocker , Chaka Khan , Rod Stewart y Paul Young .

Las composiciones más famosas de Fraser son "All Right Now" y " Every Kinda People ", el que Robert Palmer grabó en 1978 para su Double Fun album.

Período posterior (post-1970) 

En 1984, Fraser lanzó otro álbum. Fine, Fine Line contó con ex-Back Street Crawler batería Tony Braunagel, Bob Marlette (teclados), Michael Thompson (guitarra) y David Faragher (bajo). Fraser contribuyó en las voces.

Después de haber sido diagnosticado con el VIH, más tarde fue diagnosticado con el sarcoma de Kaposi , una forma de cáncer que habían sido muy poco frecuente hasta el comienzo de la epidemia del SIDA. Esta línea de tiempo fue cuestionada por la revelación posterior de Fraser que era homosexual. Tocó el bajo con el ex colega gratuito, Paul Rodgers, en Woodstock '94 , pero por lo demás mantuvo un perfil bajo hasta 2005, hasta su nuevo album Naked and Finally Free. En el momento del lanzamiento del nuevo álbum, Fraser fue entrevistado por Dmitry M. Epstein para el sitio web DME y reveló: "Para ser honesto, nunca pensé en mí mismo como un bajista. En realidad, sólo toqué el bajo porque los otros niños de la escuela querían ser cantantes, o baterístas, o guitarristas. Siempre he pensado en hacer lo que fuera necesario para que el conjunto funcione. Soy feliz tocando el piano, o la pandereta, o cualquier cosa que ayude ".

A principios de 2006, escribiendo para la guitarra de la vendimia revista, Tom Guerra realizó una entrevista completa con Fraser, que abarca su carrera, las influencias e instrumentos y, en abril, Fraser respondió al renacimiento del interés en su música con el anuncio de dos en vivo raros en el sur de California 's Temecula Comunidad Teatro de las Artes, el 4 de mayo. Los espectáculos, destacado por una banda de ocho piezas, fueron sus primeras actuaciones en directo desde la reunión de Woodstock de 1994.

A mediados de 2013, Fraser interpretó un papel secundario como bajista en la banda de Tobi Earnshaw para una serie corta del Reino Unido. 

Muerte 
Fraser murió el 16 de marzo de 2015 en su casa en California. Había estado luchando contra el cáncer y el SIDA. 


Fuente:

https://en.wikipedia.org/wiki/Andy_Fraser

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Béla Fleck

 

En caso de que no estés familiarizado con Béla Fleck, hay algunos que dicen que es el mejor del mundo tocando el banjo. Otros afirman que ha reinventado el sonido del banjo a través de un rendimiento notable en su carrera discográfica y en una serie de proyectos en solitario y colaboraciones. En cambio, si usted ya está familiarizado con Béla, entonces sabe que le encanta tocar el banjo, y que hademás lo ha llevado a un entorno único.

Cualquier músico de clase mundial que nace con los nombres de Béla (por Bartok), Anton (por Dvorak) y Leo (por Janacek) parece destinado a tocar música clásica. Con una fuerza poderosamente creativa en bluegrass, jazz, pop, rock y world beat, Béla al fin hizo la conexión clásica con el “Perpetual Motion” su aclamada grabación clásica de 2001 de la mano de Sony, que pasó a ganar un par de Grammys, incluyendo Mejor Clásica Crossover Album, en la 44ª edición de los premios Grammy. Colaborando con Fleck sobre “Perpetual Motion” se encuentra su viejo amigo y colega Edgar Meyer, un bajista cuyo virtuosismo desafía las etiquetas y también un aclamado compositor. Béla y Edgar co-escribieron y realizaron un doble concierto de banjo, junto a un bajo y la Sinfónica de Nashville, que comenzó en noviembre de 2003. También co-escribió un concierto triple para el banjo, el bajo y la tabla, con el renombrado virtuoso de tabla Zakir Hussain titulado The Melody of Rhythm.

En 2011, Béla escribió su primer stand alone concierto de banjo con la Sinfónica de Nashville. Este trabajo, titulado "The Impostor", junto con su nuevo quinteto para banjo y cuarteto de cuerda se dará a conocer en agosto en la etiqueta de Deutche Gramaphone.

En estos días se habla de las diversas futuras giras: Un dúo con Chick Corea, un trío con Zakir Hussain y Edgar Meyer, conciertos con el cuarteto de cuerdas de Brooklyn Rider, dúos con Abigail Washburn, con artistas africanos Oumou Sangare como Toumani Diabate y, en una colaboración con el jazz Marcus Roberts Trio, haciendo bluegrass con sus viejos amigos, y conciertos en solitario. Y Béla Fleck y el Flecktones todavía tocan juntos, a 25 años después del inicio de la banda.

Béla tiene 15 Grammys ganados, y 30 nominaciones. Ha sido nominado en más diferentes categorías musicales que nadie en la historia de los Grammy.





Fuente : http://belafleck.com/bio/

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Johnny Winter

Johnny Winter ha sido un héroe de la guitarra sin igual. Con un constante cambio entre country y blues en la línea de Robert Johnson, Johnny siempre ha sido uno de los cantantes más respetados y guitarristas del rock y el claro vínculo entre British blues-rock y rock sureño americano (al estilo de la Allman Brothers y Lynyrd Skynyrd.) A lo largo de los años 70 y 80, Johnny fue un abanderado para defender y ayudar a las carreras de sus ídolos como Muddy Waters y John Lee Hooker.

Al crecer en una ciudad áspera de campos petroleros y trabajadores de los astilleros, dedicaba su tiempo a escuchar por largas horas a un disc jockey local llamado JP Richardson - The Big Bopper de la fama "Chantilly Lace" - y se convirtió en adicto del rock & roll de los años 50 . Formó su primera banda, Johnny and the Jammers, en 1959 a la edad de 15, junto a su hermano de 12 años  Edgar en los teclados. Las tensiones raciales en Beaumont seguian siendo elevadas en aquellos días. La ciudad había tenido uno de los peores disturbios raciales en la historia de Texas sólo nueve meses antes del nacimiento de Johnny. Las turbas vagaban por las calles, los negocios quemados, la ley marcial entró en vigor, y más de 2.000 uniformados de la Guardia Nacional y los Rangers de Texas sellaron la ciudad del resto del mundo hasta que los ánimos se enfriaron. A pesar de eso, Johnny se recuerda vacilando como un niño aventurandose en los barrios negros para escuchar y tocar música. Mirando hacia atrás, él cree que la gente de la comunidad negra sabían que era sincero, que estaba realmente poseído por el blues. "Fui a clubes de negros todo el tiempo, y nunca nadie me molestó. Siempre me sentí bienvenido.También se hizo amigo de Clarence Garlow, un deejay en la estación de radio negra Kjet en Beaumont.

Hay una famosa historia sobre un momento en 1962 cuando Johnny y su hermano fueron a ver a BB King en un club de Beaumont llamado Raven. Los únicos blancos en la multitud, sin duda, se destacaron. Pero Johnny ya tenía sus relevancia y quería tocar con BBK "Tenia aproximadamente 17 años," Johnny recuerda, "y BB no quería dejarme entrar en escena al principio. Él me pidió una tarjeta de unión, y tuve una. Además, me mantuve enviando gente a pedirle que me deja tocar. Finalmente, decidió que habían suficientes personas que querían oírme. Me dio su guitarra y me dejó tocar. Me dieron una ovación de pie, y él tomó su guitarra de vuelta! "


Un gran avance le llegó unos años más tarde en 1968 , Stone Larry Sepulvado y John Burks le ofrecen en un lugar en la escena musical de Texas, lo que provocó una guerra de ofertas entre las etiquetas, que Columbia Records finalmente ganó.El autotitulado disco de Johnny 1969 anunció en voz alta que había una nueva guitarra hondero en la nueva escena nacional. El disco incluye covers audaces, clásicos del blues como BB King  “Be Careful with a Fool,” Sonny Boy Williamson II’s “Good Morning Little School Girl,” Robert Johnson’s “When You Got a Good Friend” y Lightin’ Hopkins’ “Back Door Friend.” También contó con dos canciones de Winter principales “Dallas” y el controversial “I’m Yours and I’m Hers,”que entró en rotación en la radio FM de metro. El álbum alcanzó el puesto No.24 en el Billboard.
Mirando hacia atrás, el escritor Cub Koda describió el periodo como "Recién salido de Texas, con un trío caliente,Winter hizo la música de blues-rock de los ángeles." Ese trío, dicho sea de paso, era incluido por el bajista Tommy Shannon y el baterista John Turner. Winter se quedó con Columbia por un tiempo, y posteriormente se unió Alligator Records en 1984 para grabar unicamente álbums de Blues. 




Hoy Johnny Winter está disfrutando de un resurgimiento sin precedentes, las entradas para los espectáculos se agotan en todo el mundo, incluso después de una larga vida llena de honores y logros, como una aparición triunfal en el Festival de Crossroads de Eric Clapton con Derek Trucks, Buddy Guy y Clapton que ha sido inmortalizado en el premio Emmy. En una ceremonia con Slash presentada en Nashville, Gibson Guitars lanzó la firma Johnny Winter Firebird, guitarra que ha sido su amada marca comercial por años. Además Winter ha sido cabeza de cartel de eventos de prestigio tales como el New Orleans Jazz & Heritage Festival, Chicago Blues Festival, Swedish Rock Fest, Warren Haynes X-mas jam y Europe’s Rockpalast vistos por millones sólo para nombrar unos pocos.




Fuente: http://www.johnnywinter.com/about/

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Lee Morgan

Edward Lee Morgan (7 10, 1938 hasta febrero 19, 1972) fue un estadounidense hard bop trompetista. 

Biografía 

Edward Lee Morgan nació en Filadelfia, Pensilvania, el 10 de julio de 1938, el más joven de los cuatro hijos de Otto Ricardo y Nettie Beatrice Morgan. Un trompetista líder y compositor, grabó prolíficamente a partir de 1956 hasta un día antes de su muerte en febrero de 1972. Originalmente interesado en el vibráfono, pronto mostró un entusiasmo creciente por la trompeta. Morgan también sabía tocar el saxofón alto. En su decimotercer cumpleaños, su hermana Ernestina le dio su primera trompeta. Su influencia estilística primaria fue Clifford Brown, con quien tomó algunas lecciones cuando era un adolescente. Se unió a la de Dizzy Gillespie Big Band a los 18, y permaneció un año y medio, hasta que la situación económica lo obligó a retirarse de la misma en 1958. Él comenzó a grabar para Blue Note Records en 1956, con el tiempo grabó 25 álbumes como líder para la empresa, con más de 250 músicos. También grabó en la etiqueta Vee-Jay y un álbum de Riverside Records.

Apareció en varias de las primeras grabaciones de Hank Mobley , así como en John Coltrane 's Blue Train (1957), en la que interpretó a una trompeta con una campana en ángulo (que le dio Gillespie) y pronunció uno de sus más célebres solos en la pista del título.

 

Se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey en 1958 desarrollado aún más su talento como solista y compositor. Él estuvo de gira con Blakey durante unos años, y se presentó en numerosos álbumes con los Messengers, incluyendo Moanin ', que es una de las grabaciones más conocidas de la banda. Cuando Benny Golson dejó a los Jazz Messengers, Morgan persuadió a Blakey en contratar a Wayne Shorter, un joven saxofonista tenor, para llenar la silla. Esta versión de los Jazz Messengers, entre ellos el pianista Bobby Timmons y el bajista Jymie Merritt, grabó el clásico álbum The Freedom Rider. Los problemas de drogas de Morgan y Timmons los obligaron a dejar la banda en 1961, y el trompetista regresó a Filadelfia, su ciudad natal. Según Tom Perchard, un biógrafo de Morgan, era Blakey quien introdujo el trompetista a la heroína, lo que impidió la progresión en su carrera.

Lee Morgan (1959)

Al regresar a Nueva York en 1963, grabó The Sidewinder (1963), que se convirtió en su mayor éxito comercial. La canción estuvo en las listas de éxitos en 1964, y sirvió como tema de fondo para anuncios de televisión en Chrysler durante la Serie Mundial. La melodía fue utilizada sin el consentimiento de Morgan o Blue Note, y la intercesión por los abogados de la etiqueta llevó retirar el comercial. 

Morgan continuó grabando prolíficamente, produciendo obras como Search for the New Land (1964), que alcanzó el top 20 de las listas de R & B. También brevemente se reincorporó a los Jazz Messengers después de su sucesor, Freddie Hubbard, se uniese a otro grupo. Junto con John Gilmore, esta formación fue filmada por la BBC para el programa de televisión de jazz seminal Jazz 625.

Como los años 60 progresaron, grabó una veintena de discos adicionales como líder, y continuó grabando como acompañante en los álbumes de otros artistas, incluyendo Wayne Shorter's Night Dreamer; Stanley Turrentine's Mr. Natural; Freddie Hubbard's The Night of the Cookers; Hank Mobley's Dippin', A Caddy for Daddy, A Slice of the Top, Straight No Filter; Jackie McLean's Jackknife and Consequence; Joe Henderson's Mode for Joe; McCoy Tyner's Tender Moments; Lonnie Smith's Think and Turning Point; Elvin Jones' The Prime Element; Jack Wilson's Easterly Winds; Reuben Wilson's Love Bug; Larry Young's Mother Ship; Lee Morgan and Clifford Jordan Live in Baltimore 1968; Andrew Hill's Grass Roots; así como en varios álbumes con Art Blakey y los Jazz Messengers.

Llegó a ser políticamente más involucrado en los dos últimos años de su vida, convirtiéndose en uno de los líderes del Jazz y el Movimiento Popular. El grupo se mostró durante la grabación de entrevistas y espectáculos de variedades en 1970 a 71 en protesta por la falta de artistas de jazz como artistas invitados y los miembros de las bandas de los programas. Su banda de trabajo durante los últimos años tuvo de invitados como  Billy Harper y Bennie Maupin, al pianista Harold Mabern, el bajista Jymie Merritt y bateristas Mickey Roker o Freddie Waits. 

Muerte 
Morgan murió en las primeras horas del 19 de febrero de 1972, en el Salón de Slug, un club de jazz en la ciudad de Nueva York 's East Village, donde su banda estaba tocando.  Después de un altercado entre la concubina de Morgan, Helen, le disparó. Las lesiones no fueron inmediatamente fatales, pero la ambulancia tardó en llegar a la escena ya que la ciudad había experimentado una fuerte nevada que se tradujo en condiciones de conducción extremadamente difíciles. Ellos tomaron tanto tiempo para llegar allí que Morgan murió desangrado. Él tenía 33 años. Helen Morgan fue arrestada y pasó un tiempo en prisión antes de ser puesta en libertad condicional.Después de su liberación, Helen Morgan regresó a su natal Carolina del Norte, donde murió de una afección cardíaca marzo 1996 .



Fuente: https://en.wikipedia.org/wiki/Lee_Morgan

Mark O'Connor

Mark O'Connor  (5 de agosto de 1961, Seattle, Washington.) 

"Uno de los mas espectaculares músicos en la música Americana reciente." - The New York Times

"Uno de los mas talentosos e imaginativos musicos de hoy." - The Los Angeles Times

"Brillante y Original." - The Seattle Times

"El público estaba de pie. Ellos fueron movidos por el viaje sin mapas del señor O'Connor, animandos por el único músico que hoy puede llegar tan profundamente a ellos, refinado, dando a sus oyentes complejas y  sofisticadas piezas de música clásica del siglo 21 temprano y luego derribándolos con el gemido de color a tierra de un violín de Texas ". - The New York Times

Un producto de la rica tradición popular de América, así como la música clásica, el viaje creativo de O'Connor comenzó a los pies de un par de gigantes musicales.
El primero fue el violinista popular e innovador que creó la era moderna de tocar el violín americano, Benny Thomasson; el segundo, el violinista de jazz francés, considerado uno de los más grandes improvisadores en la historia del violín, Stephane Grappelli. Trabajar con iconos de violín clásico Isaac Stern, Itzhak Perlman, Yehudi Menhuin y Pinchas Zukerman, absorbió el conocimiento y la influencia de la multitud de estilos y géneros musicales que estudió y participó. Con su trabajo que incluye 45 álbumes cuya mayoría son de sus propias composiciones , Mark O'Connor ha fusionado estas influencias en una nueva música clásica americana dando una nueva visión de la misma.

(Más de dos millones de discos vendidos como artista en solitario)

La primera grabación de O'Connor para el sello discográfico Sony Classical, 'Apalaches vals', fue una colaboración con Yo-Yo Ma y Edgar Meyer. Las obras que O'Connor compuso para el disco, incluyendo su canción principal, le ganó el reconocimiento mundial como uno de los principales defensores de un nuevo idioma musical estadounidense. El enorme éxito  'Appalachian Journey', recibió un premio Grammy en febrero de 2001. Con más de 250 actuaciones, su primera partitura orquestal integral "Fiddle Concerto" se ha convertido en el concierto para violín moderno más realizado, compuesto en los últimos 50 años. Fue grabado para el sello Warner Bros en el segundo concierto de "Fanfare for the Volunteer" en 1995 del señor O'Connor fue grabado con la Orquesta Filarmónica de Londres bajo la dirección de Steven Mercurio, lanzado por Sony Classical en octubre de 1999.

 El Newark Star Ledger: ". Como compositor, se entiende el poder de una transfiguración temática y el desarrollo en todo un trabajo de 40 minutos" En abril de 2000, el Sr. O'Connor estrena su cuarto concierto para violín, "The American Seasons: Seasons of an American Life,"en Troy Music Hall, Nueva York Según el New York Times," ... si Dvorak había pasado su tiempo de ocio de Estados Unidos en Nashville lugar de Spillville, Iowa, 'New World Symphony'  habría sonado como este American Seasons fue grabado con la Orquesta de Cámara Metamorphosen y puesto en libertad en 2001. Richard Dyer, del Boston Globe llamó la obra "concisa, lírica e irresistiblemente rítmica." Wayne Gay del Fort Worth Star-Telegram, dijo, "American Seasons está destinado a figurar entre las mayores obras maestras de la música americana ... la primera obra maestra musical del siglo 21".  En agosto de 2000, el tercer concierto del señor O'Connor "Double Violin Concerto," recibió su estreno junto con Nadja Salerno-Sonnenberg como solista y la Sinfónica de Chicago, con Christoph Eschenbach como conductor. En noviembre de 2003, el Sr. y la Sra O'Connor Salerno-Sonnenberg registran el trabajo con Marin Alsop dirigiendo la Orquesta Colorado. Fanfare escribe con entusiasmo: "Todos los aficionados del violín y todos los oyentes en general pasarán por esta grabación a su propio riesgo. La mayor recomendación.". En 2001, el Sr. O'Connor lanzó Hot Swing! un homenaje a su gran amigo y el mentor, el legendario maestro de jazz francés, Stephane Grappelli. Publicado en su propio sello OMAC, el CD fue grabado en vivo con Frank Vignola en la guitarra y Jon Burr en el bajo. El Chicago Tribune lo llamó "uno de los mejores discos de su carrera y uno de los mejores álbumes de violín jazz de la historia."
 "Jam Session" de O'Connor (04/13/10, OMAC), ofrece (Wall Street Journal) grabaciones acústicas "deslumbrantes" en vivo que combinan bluegrass y el jazz gitano. Shore Fuego Medios describe como "comparable en su intoxicación rítmica y solos estratosféricos con Charlie Parker / Dizzy Gillespie / Bud Powell / Charles Mingus / Max Roach" Jazz en el Massey Hall ". Tal vez no hay mejores grabaciones capturadas en los instrumentos de cuerda acústicos en la historia reciente ". Características "Jam Session", a su vez, Chris Thile (mandolina), Frank Vignola (guitarra), Bryan Sutton (guitarra), Jon Burr (bajo) y Byron House (bajo). Los "Americana Symphony: Variaciones sobre Appalachia Waltz" era registrado por Marin Alsop y la Sinfónica de Baltimore en 2009. David McGee de Barnesandnoble.com y Rolling Stone dice "Americana Symphony" bien puede ser considerado un día que uno de los grandes regalos de este país a la música clásica, además de ser un gran momento en el surgimiento de la nueva música clásica americana. "The Associated Press revisó Sinfónica del señor O'Connor como" una obra monumental ... inevitablemente se comparará con Copland. "El señor O'Connor grabó su Cuarteto de Cuerdas N º 2 "Bluegrass" y Cuarteto de Cuerdas N º 3 "Old-Time". Los cuartetos fueron grabadas con grandes de la música de cámara Ida Kavafian, Paul Neubauer, y Matt Haimovitz y puestos en venta en mayo de 2009. “The Improvised Violin Concerto” se estrenó en 2011 en Boston Symphony Hall y liberado al año siguiente, tanto en CD y DVD para la OMAC Records es el primero de su tipo en la historia del violín. Conductor de Sympho de Nueva York, dice: "Es totalmente innovador ... un concierto como éste es totalmente imposible de realizar por la gran mayoría de los graduados de conservatorio." Larry Livingston, Presidente de realización de la USC dice, "él puede tener permanentemente cambiado el panorama de su instrumento mágico . “An Appalachian Christmas” realizado por el señor O'Connor fue lanzado en 2010 teniendo un gran éxito en las críticas. En colaboración con su esposa, la violinista Maggie O'Connor, el Sr. O'Connor ha producido recientemente un CD de dúos de violín (OMAC-21) que se ha dispuesto desde los clásicos americanos destacados en los libros avanzados de la serie de libros O’Connor Method™. Bartók-Pásztory premiada violinista y profesora de Péter Kováts escribe; "Escenarios únicos y excelentes [de O'Connor] servirán el mismo objetivo que la de Bartók Duos sirven.

Sus Grabaciónes

Yo-Yo Ma ha registrado la adaptación en violonchelo de "Appalachia Waltz" y Renee Fleming ha tocado y grabado arreglos vocales de la música de O'Connor, y una nueva canción de Navidad para salir en la próxima versión de vacaciones por el señor O'Connor. "Strings and Threads Suite" un dueto que el señor O'Connor compuso para violín y guitarra para el guitarrista Sharon Isbin, ganó un premio Grammy por Mejor Interpretación Instrumental Clásica. El señor O'Connor realiza con trío de piano su composición "Poets and Prophets" , inspirado en la música de Johnny Cash, a menudo en un concierto de colaboración con Rosanne Cash, hija del legendario cantante. The Eroica Trio tomó  "Poets and Prophets"  en trío de piano y en 2008 lo lanzó en la etiqueta EMI Records. Grupos de danza, incluyendo Twyla Tharp Danza Co., el Ballet de la Ciudad de Nueva York, Alvin Ailey y Hubbard Street Dance Chicago, están organizando y coreografiando la música del señor O'Connor, y O'Connor colabora frecuentemente con el director Ken Burns para el sonido en pistas de sus películas.

Primeros Años

 A los 13 años, era la persona más joven en ganar el Grand Master Fiddler Championships compitiendo contra todas las edades, aficionados y profesionales. Cuarenta años más tarde, su récord sigue en pie. El señor O'Connor sigue siendo la única persona en ganar títulos nacionales (abierto a todas las edades) en el violín, la guitarra y la mandolina bluegrass (Weiser, ID; Winfield, Kansas; Kerrville, TX). El señor O'Connor ganó un récord de seis Country Music Association Musician Of The Year Awards en Nashville, TN. A los 17 años el señor O'Connor tocaba la guitarra como un miembro de una de las mayores bandas de cuerdas acústicas de la década de 1970, el David Grisman Quintet. A los 19 años tocaba el violín y la guitarra junto a Steve Morse como miembro de uno de las más grandes bandas de rock-fusión instrumentales de la década de 1980, The Dregs.

En sus veinte años él era un miembro de una de las más grandes bandas acústicas de todos los tiempos con cuatro de los más grandes virtuosos en sus respectivos instrumentos (con Bela Fleck, Sam Bush, Jerry Douglas y Edgar Meyer). También reunió a dos de las bandas más grandes del país de todos los tiempos en 1989 y 1990 - The American Music Shop house band y  New Nashville Cats. Durante sus veinte años, el señor O'Connor se convirtió en la el mas demandado músico de sesión de cualquier instrumento y en cualquier género durante un periodo de 3 años, apareciendo en más de diez mejores éxitos en el país, registrando más de 500 álbumes, y grabando con todo el mundo - Dolly Parton, James Taylor, Paul Simon, Randy Travis, The Judds, la lista es demasiado larga para imprimir.

Trabajo en la Educación

 Sr. O'Connor realiza periódicamente residencias de tres días, dando conferencias, demostraciones y talleres en una variedad de programas de música de todo el país. Algunos de sus últimos anfitriones incluyen The Juilliard School, la Universidad de Harvard, el Berklee College of Music, Cleveland Institute of Music de la Universidad Rice, de la Universidad de Maryland, Universidad de Texas, Curtis Institute, Eastman School of Music, Tanglewood, y el Festival de Verano de Aspen. El señor O'Connor fue Artista en Residencia en UCLA 2008 a 2009 y en la Universidad de Miami. El señor O'Connor fue el fundador y presidente de la internacionalmente reconocida Mark O'Connor String Camp, y ahora está dirigiendo la O’Connor Method™ Camp New York City.

Método O´Connor

El O'Connor Method ™ para violín y cuerdas ha sido ampliamente elogiado desde su debut en el otoño de 2009 como "un rival estadounidense crecido con el método Suzuki" (The New Yorker). Se necesita un enfoque clásico americano moderno de violín, que ofrece una base técnica usando canciones de la gama diversa del tocar tradicional estadounidense. El un método innovador ya que es el primer método de violín para ofrecer toda la música americana y ha sido aclamado por los maestros de todo el país por llenar una brecha importante en la educación de la música clásica. Fue inspirado por los miles de estudiantes que O'Connor ha enseñado en sus campamentos de cuerda y en universidades y conservatorios de todo el país, y por su creencia de que el estudiante de violín clásico moderno que desarrolla un conocimiento práctico de tocar el violín folk, jazz y música del mundo, pueden disfrutar de una vida de hacer música, y tener más éxito en el nuevo entorno de la música. Tres CDs profesionales han sido puestos en libertad con la música de los libros, "American Classics", "América en cadenas" y "MOC4." La serie de libros de su orquesta acompañante O'Connor Method ™ y ahora se les enseña a decenas de miles de estudiantes en todo el país y partes del mundo. Sr. O'Connor reside en la ciudad de Nueva York con su esposa Maggie.

Fuente: http://www.markoconnor.com/bio

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