Christian Perla - Nuevo Blog

El reconocido guitarrista y compositor Uruguayo Christian Perla, ha estrenado un espacio en el cual propone la comunicación entre todos aquellos curiosos del universo musical que quieran expandir su conocimiento e intercambiar opiniones. 

Aquí una nota de Mariam Nur presentando el blog:   guitarfusioneer.blogspot.com.uy

" Christian Perla es un músico y estudioso de su disciplina desde hace décadas, siempre en constante desarrollo. De forma esencialmente autodidacta ha profundizado en el estudio de la guitarra, tanto eléctrica, como acústica y clásica, con avance y dedicación constantes, así como en teoría de la música, armonía, composición, improvisación, y metodología de aprendizaje.

En su desempeño como músico ha creado y dirigido diversos proyectos grupales así como colaborado con una variedad de músicos nacionales e internacionales, incursionando en géneros que van desde el heavy metal hasta la fusión, el jazz, la música del mundo y el bluegrass. Dichos proyectos le han permitido asimismo el desempeño compositivo en tales géneros y estilos, con diferentes conformaciones instrumentales.

Conjuntamente ha llevado a cabo una profunda investigación teórica, produciendo numerosos escritos con aportes originales, los cuales asimismo ha aplicado en el trabajo con sus propios estudiantes.

Maneja su instituto de guitarra, armonía y técnica desde hace más de veinte años, elaborando y aplicando su propio sistema de didáctica y método, con una dedicación tal que le ha valido amplio respeto y reconocimiento entre músicos de diferentes ámbitos. Sus técnicas y métodos se hayan en constante revisión y ampliación, dando lugar a nuevas perspectivas en los caminos que llevan hacia la comprensión, apreciación y desempeño de la música en general.

Su interés lo lleva por múltiples horizontes geográficos, temporales, culturales y estilísticos: desde un arduo camino en el estudio del jazz y la fusión, en una búsqueda creativa de nuevos lenguajes y entramados, hacia una investigación de las raíces experimentales del rock progresivo, así como la base sólida del hard rock y blues rock, para descubrir luego la riqueza del country blues, en un abanico amplio en que se despliegan, a un lado y otro del Atlántico, el folk, bluegrass, ragtime, música celta, y música clásica occidental de diferentes períodos; sumándose las huellas de estilos de Oriente, así como la música tradicional de diferentes épocas y regiones del mundo, producto de una ávida investigación histórico-cultural.

Su enfoque es penetrar más allá de la mera superficie, rechazando el espejismo de la "música light"; se dedica esmeradamente al estudio de técnicas y estilos específicos, con una búsqueda sistemática de las raíces y referentes de cada género; ahondando en la riqueza sonora de artistas poco conocidos, pero que conforman el entramado en que realmente se sostiene una corriente musical. Todo esto siendo posible también por una investigación histórica permanente, a través de una búsqueda y selección cuidadosa de fuentes escritas y sonoras.

Su propuesta es un desafío constante para sí mismo, invitando a quienes se acerquen a acompañarlo en un viaje de descubrimiento...

Este blog está dedicado a la música de Christian Perla. Junto a sus creaciones e interpretaciones podrán hallarse algunos instruccionales y apreciaciones o ensayos sobre sus temas de interés en el estudio de la música. Se compartirán algunas interpretaciones en vivo, las mismas serán de carácter reciente y seleccionadas entre las presentaciones a público abierto, de las que haya sido posible un registro adecuado."




Desde ya Mérola Producciones los invita a integrarse y participar de este fenomenal blog.



Reproducido con permiso de http://guitarfusioneer.blogspot.com.uy/

• Si éste material te ha sido util, te agradecemos darle "Me Gusta" a nuestra PAGINA OFICIAL de Facebook y/o seguirnos en YOUTUBE OFICIAL, INSTAGRAM OFICIAL  y/o Donar para ayudar al Blog.

Seguinos

GRACIAS

Lee Morgan

Edward Lee Morgan (7 10, 1938 hasta febrero 19, 1972) fue un estadounidense hard bop trompetista. 

Biografía 

Edward Lee Morgan nació en Filadelfia, Pensilvania, el 10 de julio de 1938, el más joven de los cuatro hijos de Otto Ricardo y Nettie Beatrice Morgan. Un trompetista líder y compositor, grabó prolíficamente a partir de 1956 hasta un día antes de su muerte en febrero de 1972. Originalmente interesado en el vibráfono, pronto mostró un entusiasmo creciente por la trompeta. Morgan también sabía tocar el saxofón alto. En su decimotercer cumpleaños, su hermana Ernestina le dio su primera trompeta. Su influencia estilística primaria fue Clifford Brown, con quien tomó algunas lecciones cuando era un adolescente. Se unió a la de Dizzy Gillespie Big Band a los 18, y permaneció un año y medio, hasta que la situación económica lo obligó a retirarse de la misma en 1958. Él comenzó a grabar para Blue Note Records en 1956, con el tiempo grabó 25 álbumes como líder para la empresa, con más de 250 músicos. También grabó en la etiqueta Vee-Jay y un álbum de Riverside Records.

Apareció en varias de las primeras grabaciones de Hank Mobley , así como en John Coltrane 's Blue Train (1957), en la que interpretó a una trompeta con una campana en ángulo (que le dio Gillespie) y pronunció uno de sus más célebres solos en la pista del título.

 

Se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey en 1958 desarrollado aún más su talento como solista y compositor. Él estuvo de gira con Blakey durante unos años, y se presentó en numerosos álbumes con los Messengers, incluyendo Moanin ', que es una de las grabaciones más conocidas de la banda. Cuando Benny Golson dejó a los Jazz Messengers, Morgan persuadió a Blakey en contratar a Wayne Shorter, un joven saxofonista tenor, para llenar la silla. Esta versión de los Jazz Messengers, entre ellos el pianista Bobby Timmons y el bajista Jymie Merritt, grabó el clásico álbum The Freedom Rider. Los problemas de drogas de Morgan y Timmons los obligaron a dejar la banda en 1961, y el trompetista regresó a Filadelfia, su ciudad natal. Según Tom Perchard, un biógrafo de Morgan, era Blakey quien introdujo el trompetista a la heroína, lo que impidió la progresión en su carrera.

Lee Morgan (1959)

Al regresar a Nueva York en 1963, grabó The Sidewinder (1963), que se convirtió en su mayor éxito comercial. La canción estuvo en las listas de éxitos en 1964, y sirvió como tema de fondo para anuncios de televisión en Chrysler durante la Serie Mundial. La melodía fue utilizada sin el consentimiento de Morgan o Blue Note, y la intercesión por los abogados de la etiqueta llevó retirar el comercial. 

Morgan continuó grabando prolíficamente, produciendo obras como Search for the New Land (1964), que alcanzó el top 20 de las listas de R & B. También brevemente se reincorporó a los Jazz Messengers después de su sucesor, Freddie Hubbard, se uniese a otro grupo. Junto con John Gilmore, esta formación fue filmada por la BBC para el programa de televisión de jazz seminal Jazz 625.

Como los años 60 progresaron, grabó una veintena de discos adicionales como líder, y continuó grabando como acompañante en los álbumes de otros artistas, incluyendo Wayne Shorter's Night Dreamer; Stanley Turrentine's Mr. Natural; Freddie Hubbard's The Night of the Cookers; Hank Mobley's Dippin', A Caddy for Daddy, A Slice of the Top, Straight No Filter; Jackie McLean's Jackknife and Consequence; Joe Henderson's Mode for Joe; McCoy Tyner's Tender Moments; Lonnie Smith's Think and Turning Point; Elvin Jones' The Prime Element; Jack Wilson's Easterly Winds; Reuben Wilson's Love Bug; Larry Young's Mother Ship; Lee Morgan and Clifford Jordan Live in Baltimore 1968; Andrew Hill's Grass Roots; así como en varios álbumes con Art Blakey y los Jazz Messengers.

Llegó a ser políticamente más involucrado en los dos últimos años de su vida, convirtiéndose en uno de los líderes del Jazz y el Movimiento Popular. El grupo se mostró durante la grabación de entrevistas y espectáculos de variedades en 1970 a 71 en protesta por la falta de artistas de jazz como artistas invitados y los miembros de las bandas de los programas. Su banda de trabajo durante los últimos años tuvo de invitados como  Billy Harper y Bennie Maupin, al pianista Harold Mabern, el bajista Jymie Merritt y bateristas Mickey Roker o Freddie Waits. 

Muerte 
Morgan murió en las primeras horas del 19 de febrero de 1972, en el Salón de Slug, un club de jazz en la ciudad de Nueva York 's East Village, donde su banda estaba tocando.  Después de un altercado entre la concubina de Morgan, Helen, le disparó. Las lesiones no fueron inmediatamente fatales, pero la ambulancia tardó en llegar a la escena ya que la ciudad había experimentado una fuerte nevada que se tradujo en condiciones de conducción extremadamente difíciles. Ellos tomaron tanto tiempo para llegar allí que Morgan murió desangrado. Él tenía 33 años. Helen Morgan fue arrestada y pasó un tiempo en prisión antes de ser puesta en libertad condicional.Después de su liberación, Helen Morgan regresó a su natal Carolina del Norte, donde murió de una afección cardíaca marzo 1996 .



Fuente: https://en.wikipedia.org/wiki/Lee_Morgan

Mark O'Connor

Mark O'Connor  (5 de agosto de 1961, Seattle, Washington.) 

"Uno de los mas espectaculares músicos en la música Americana reciente." - The New York Times

"Uno de los mas talentosos e imaginativos musicos de hoy." - The Los Angeles Times

"Brillante y Original." - The Seattle Times

"El público estaba de pie. Ellos fueron movidos por el viaje sin mapas del señor O'Connor, animandos por el único músico que hoy puede llegar tan profundamente a ellos, refinado, dando a sus oyentes complejas y  sofisticadas piezas de música clásica del siglo 21 temprano y luego derribándolos con el gemido de color a tierra de un violín de Texas ". - The New York Times

Un producto de la rica tradición popular de América, así como la música clásica, el viaje creativo de O'Connor comenzó a los pies de un par de gigantes musicales.
El primero fue el violinista popular e innovador que creó la era moderna de tocar el violín americano, Benny Thomasson; el segundo, el violinista de jazz francés, considerado uno de los más grandes improvisadores en la historia del violín, Stephane Grappelli. Trabajar con iconos de violín clásico Isaac Stern, Itzhak Perlman, Yehudi Menhuin y Pinchas Zukerman, absorbió el conocimiento y la influencia de la multitud de estilos y géneros musicales que estudió y participó. Con su trabajo que incluye 45 álbumes cuya mayoría son de sus propias composiciones , Mark O'Connor ha fusionado estas influencias en una nueva música clásica americana dando una nueva visión de la misma.

(Más de dos millones de discos vendidos como artista en solitario)

La primera grabación de O'Connor para el sello discográfico Sony Classical, 'Apalaches vals', fue una colaboración con Yo-Yo Ma y Edgar Meyer. Las obras que O'Connor compuso para el disco, incluyendo su canción principal, le ganó el reconocimiento mundial como uno de los principales defensores de un nuevo idioma musical estadounidense. El enorme éxito  'Appalachian Journey', recibió un premio Grammy en febrero de 2001. Con más de 250 actuaciones, su primera partitura orquestal integral "Fiddle Concerto" se ha convertido en el concierto para violín moderno más realizado, compuesto en los últimos 50 años. Fue grabado para el sello Warner Bros en el segundo concierto de "Fanfare for the Volunteer" en 1995 del señor O'Connor fue grabado con la Orquesta Filarmónica de Londres bajo la dirección de Steven Mercurio, lanzado por Sony Classical en octubre de 1999.

 El Newark Star Ledger: ". Como compositor, se entiende el poder de una transfiguración temática y el desarrollo en todo un trabajo de 40 minutos" En abril de 2000, el Sr. O'Connor estrena su cuarto concierto para violín, "The American Seasons: Seasons of an American Life,"en Troy Music Hall, Nueva York Según el New York Times," ... si Dvorak había pasado su tiempo de ocio de Estados Unidos en Nashville lugar de Spillville, Iowa, 'New World Symphony'  habría sonado como este American Seasons fue grabado con la Orquesta de Cámara Metamorphosen y puesto en libertad en 2001. Richard Dyer, del Boston Globe llamó la obra "concisa, lírica e irresistiblemente rítmica." Wayne Gay del Fort Worth Star-Telegram, dijo, "American Seasons está destinado a figurar entre las mayores obras maestras de la música americana ... la primera obra maestra musical del siglo 21".  En agosto de 2000, el tercer concierto del señor O'Connor "Double Violin Concerto," recibió su estreno junto con Nadja Salerno-Sonnenberg como solista y la Sinfónica de Chicago, con Christoph Eschenbach como conductor. En noviembre de 2003, el Sr. y la Sra O'Connor Salerno-Sonnenberg registran el trabajo con Marin Alsop dirigiendo la Orquesta Colorado. Fanfare escribe con entusiasmo: "Todos los aficionados del violín y todos los oyentes en general pasarán por esta grabación a su propio riesgo. La mayor recomendación.". En 2001, el Sr. O'Connor lanzó Hot Swing! un homenaje a su gran amigo y el mentor, el legendario maestro de jazz francés, Stephane Grappelli. Publicado en su propio sello OMAC, el CD fue grabado en vivo con Frank Vignola en la guitarra y Jon Burr en el bajo. El Chicago Tribune lo llamó "uno de los mejores discos de su carrera y uno de los mejores álbumes de violín jazz de la historia."
 "Jam Session" de O'Connor (04/13/10, OMAC), ofrece (Wall Street Journal) grabaciones acústicas "deslumbrantes" en vivo que combinan bluegrass y el jazz gitano. Shore Fuego Medios describe como "comparable en su intoxicación rítmica y solos estratosféricos con Charlie Parker / Dizzy Gillespie / Bud Powell / Charles Mingus / Max Roach" Jazz en el Massey Hall ". Tal vez no hay mejores grabaciones capturadas en los instrumentos de cuerda acústicos en la historia reciente ". Características "Jam Session", a su vez, Chris Thile (mandolina), Frank Vignola (guitarra), Bryan Sutton (guitarra), Jon Burr (bajo) y Byron House (bajo). Los "Americana Symphony: Variaciones sobre Appalachia Waltz" era registrado por Marin Alsop y la Sinfónica de Baltimore en 2009. David McGee de Barnesandnoble.com y Rolling Stone dice "Americana Symphony" bien puede ser considerado un día que uno de los grandes regalos de este país a la música clásica, además de ser un gran momento en el surgimiento de la nueva música clásica americana. "The Associated Press revisó Sinfónica del señor O'Connor como" una obra monumental ... inevitablemente se comparará con Copland. "El señor O'Connor grabó su Cuarteto de Cuerdas N º 2 "Bluegrass" y Cuarteto de Cuerdas N º 3 "Old-Time". Los cuartetos fueron grabadas con grandes de la música de cámara Ida Kavafian, Paul Neubauer, y Matt Haimovitz y puestos en venta en mayo de 2009. “The Improvised Violin Concerto” se estrenó en 2011 en Boston Symphony Hall y liberado al año siguiente, tanto en CD y DVD para la OMAC Records es el primero de su tipo en la historia del violín. Conductor de Sympho de Nueva York, dice: "Es totalmente innovador ... un concierto como éste es totalmente imposible de realizar por la gran mayoría de los graduados de conservatorio." Larry Livingston, Presidente de realización de la USC dice, "él puede tener permanentemente cambiado el panorama de su instrumento mágico . “An Appalachian Christmas” realizado por el señor O'Connor fue lanzado en 2010 teniendo un gran éxito en las críticas. En colaboración con su esposa, la violinista Maggie O'Connor, el Sr. O'Connor ha producido recientemente un CD de dúos de violín (OMAC-21) que se ha dispuesto desde los clásicos americanos destacados en los libros avanzados de la serie de libros O’Connor Method™. Bartók-Pásztory premiada violinista y profesora de Péter Kováts escribe; "Escenarios únicos y excelentes [de O'Connor] servirán el mismo objetivo que la de Bartók Duos sirven.

Sus Grabaciónes

Yo-Yo Ma ha registrado la adaptación en violonchelo de "Appalachia Waltz" y Renee Fleming ha tocado y grabado arreglos vocales de la música de O'Connor, y una nueva canción de Navidad para salir en la próxima versión de vacaciones por el señor O'Connor. "Strings and Threads Suite" un dueto que el señor O'Connor compuso para violín y guitarra para el guitarrista Sharon Isbin, ganó un premio Grammy por Mejor Interpretación Instrumental Clásica. El señor O'Connor realiza con trío de piano su composición "Poets and Prophets" , inspirado en la música de Johnny Cash, a menudo en un concierto de colaboración con Rosanne Cash, hija del legendario cantante. The Eroica Trio tomó  "Poets and Prophets"  en trío de piano y en 2008 lo lanzó en la etiqueta EMI Records. Grupos de danza, incluyendo Twyla Tharp Danza Co., el Ballet de la Ciudad de Nueva York, Alvin Ailey y Hubbard Street Dance Chicago, están organizando y coreografiando la música del señor O'Connor, y O'Connor colabora frecuentemente con el director Ken Burns para el sonido en pistas de sus películas.

Primeros Años

 A los 13 años, era la persona más joven en ganar el Grand Master Fiddler Championships compitiendo contra todas las edades, aficionados y profesionales. Cuarenta años más tarde, su récord sigue en pie. El señor O'Connor sigue siendo la única persona en ganar títulos nacionales (abierto a todas las edades) en el violín, la guitarra y la mandolina bluegrass (Weiser, ID; Winfield, Kansas; Kerrville, TX). El señor O'Connor ganó un récord de seis Country Music Association Musician Of The Year Awards en Nashville, TN. A los 17 años el señor O'Connor tocaba la guitarra como un miembro de una de las mayores bandas de cuerdas acústicas de la década de 1970, el David Grisman Quintet. A los 19 años tocaba el violín y la guitarra junto a Steve Morse como miembro de uno de las más grandes bandas de rock-fusión instrumentales de la década de 1980, The Dregs.

En sus veinte años él era un miembro de una de las más grandes bandas acústicas de todos los tiempos con cuatro de los más grandes virtuosos en sus respectivos instrumentos (con Bela Fleck, Sam Bush, Jerry Douglas y Edgar Meyer). También reunió a dos de las bandas más grandes del país de todos los tiempos en 1989 y 1990 - The American Music Shop house band y  New Nashville Cats. Durante sus veinte años, el señor O'Connor se convirtió en la el mas demandado músico de sesión de cualquier instrumento y en cualquier género durante un periodo de 3 años, apareciendo en más de diez mejores éxitos en el país, registrando más de 500 álbumes, y grabando con todo el mundo - Dolly Parton, James Taylor, Paul Simon, Randy Travis, The Judds, la lista es demasiado larga para imprimir.

Trabajo en la Educación

 Sr. O'Connor realiza periódicamente residencias de tres días, dando conferencias, demostraciones y talleres en una variedad de programas de música de todo el país. Algunos de sus últimos anfitriones incluyen The Juilliard School, la Universidad de Harvard, el Berklee College of Music, Cleveland Institute of Music de la Universidad Rice, de la Universidad de Maryland, Universidad de Texas, Curtis Institute, Eastman School of Music, Tanglewood, y el Festival de Verano de Aspen. El señor O'Connor fue Artista en Residencia en UCLA 2008 a 2009 y en la Universidad de Miami. El señor O'Connor fue el fundador y presidente de la internacionalmente reconocida Mark O'Connor String Camp, y ahora está dirigiendo la O’Connor Method™ Camp New York City.

Método O´Connor

El O'Connor Method ™ para violín y cuerdas ha sido ampliamente elogiado desde su debut en el otoño de 2009 como "un rival estadounidense crecido con el método Suzuki" (The New Yorker). Se necesita un enfoque clásico americano moderno de violín, que ofrece una base técnica usando canciones de la gama diversa del tocar tradicional estadounidense. El un método innovador ya que es el primer método de violín para ofrecer toda la música americana y ha sido aclamado por los maestros de todo el país por llenar una brecha importante en la educación de la música clásica. Fue inspirado por los miles de estudiantes que O'Connor ha enseñado en sus campamentos de cuerda y en universidades y conservatorios de todo el país, y por su creencia de que el estudiante de violín clásico moderno que desarrolla un conocimiento práctico de tocar el violín folk, jazz y música del mundo, pueden disfrutar de una vida de hacer música, y tener más éxito en el nuevo entorno de la música. Tres CDs profesionales han sido puestos en libertad con la música de los libros, "American Classics", "América en cadenas" y "MOC4." La serie de libros de su orquesta acompañante O'Connor Method ™ y ahora se les enseña a decenas de miles de estudiantes en todo el país y partes del mundo. Sr. O'Connor reside en la ciudad de Nueva York con su esposa Maggie.

Fuente: http://www.markoconnor.com/bio

• Si éste material te ha sido util, te agradecemos darle "Me Gusta" a nuestra PAGINA OFICIAL de Facebook y/o seguirnos en YOUTUBE OFICIAL, INSTAGRAM OFICIAL  y/o Donar para ayudar al Blog.

Seguinos

GRACIAS

Lonnie Johnson

Alonzo "Lonnie" Johnson (08 de febrero 1899  - 16 de junio 1970) fue un estadounidense de blues y jazz cantante / guitarrista, violinista y compositor siendo uno de los pioneros en el papel de la guitarra de jazz y el violín de jazz, y es reconocido como el primero en tocar un violín eléctrico amplificado. 

Inicios de su carrera 

Johnson nació en Nueva Orleans, Louisiana, y se crió en una familia de músicos. Estudió violín, piano y guitarra cuando era niño, y aprendió a tocar otros instrumentos como la mandolina, pero se concentró en la guitarra a lo largo de su carrera profesional. "Había música a nuestro alrededor", recordó, "y en mi familia es mejor que toques algo, incluso si sólo golpeas una lata." 

Lonnie Johnson fue pionero en el "single-string" de la guitarra solista que se ha vuelto costumbre en el rock moderno, el blues y el jazz.

En su adolescencia, él tocaba la guitarra y el violín en la banda de la familia de su padre en los banquetes y bodas, junto a su hermano James "Roll Steady" Johnson. También trabajó con el trompetista de jazz Punch Miller en la ciudad de Storyville district.

En 1917, Johnson se unió a una revista que recorrió Inglaterra, volviendo a su casa en 1919 para descubrir que toda su familia, excepto su hermano James, habían muerto en la epidemia de gripe de 1918.

Él y su hermano se instalaron en San Louis en 1921. Los dos hermanos realizaron un dúo, y Lonnie también trabajó en las barcas, que trabajan en las orquestas de Charlie Creath y Fate Marable. En 1925 se casó, y su esposa Mary pronto comenzó a seguir una carrera de blues en su propio derecho, actuando como Mary Johnson persiguiendo una carrera musical desde 1929 hasta 1936. Ella no debe ser confundida con la cantante de soul y gospel del mismo nombre. Como suele ser el caso de los primeros artistas de blues, la información sobre la señora Johnson es a menudo contradictoria y confusa. Muchas fuentes en línea dan su nombre antes del matrimonio como Mary Smith, y el estado que ella comenzó a actuar en su adolescencia. Sin embargo, el autor James Sallis da su nombre solo como Mary Williams, y afirma que su interés por el material de escritura y performances de blues comenzó cuando ella comenzó a ayudar a Lonnie a escribir canciones, y se desarrolló a partir de ahí. Curiosamente, los dos nunca grabaron juntos. Tuvieron seis hijos antes de su divorcio en 1932.

El éxito en la década de 1920 y 1930. 

En 1925, Johnson participó y ganó un concurso de blues en el Teatro Booker T. Washington en St. Louis, el premio de ser un contrato de grabación con Okeh Records. A su pesar, fue entonces etiquetado como un artista de blues, y más tarde tuvo dificultades para ser considerado como cualquier otra cosa. Más tarde dijo: "Supongo que habría hecho cualquier cosa para ser grabado -. Era alguien que acababa de pasar por un concurso de blues, así que canté el blues". Entre 1925 y 1932 realizó cerca de 130 grabaciones para el sello Okeh. Fue llamado a Nueva York para grabar con los principales cantantes de blues de la época, entre ellos Victoria Spivey y el  cantante de country blues Alger "Texas" Alexander. También estuvo de gira con Bessie Smith's T.O.B.A. show.

En diciembre de 1927, Johnson fue grabado en Chicago como artista invitado con Louis Armstrong y su Hot Five, emparejado con el banjoist Johnny St. Cyr. Tocó en los lados "I'm Not Rough", "Savoy Blues", y "Hotter Than That."En 1928 se registraron "Hot and Bothered", "Move Over", y "The Mooche" con Duke Ellington en Okeh Records; También grabó con un grupo llamado The Chocolate Dandies (en este caso, McKinney's Cotton Pickers). Fue pionero en el solo de guitarra en el 1927 pista "6/88 Glide" y muchas de sus primeras grabaciones lo mostraron  tocando solos en guitarras de 12 cuerdas en un estilo que influyó en los guitarristas de jazz futuros como Charlie Christian y Django Reinhardt, y dio al instrumento un nuevo significado como una voz de jazz. Se destacó en piezas puramente instrumentales, algunos de los cuales grabó con el guitarrista de jazz Eddie Lang llamado artísticamente "Blind Willie Dunn", a quien se unió a en 1929. Estas grabaciones fueron de las primeras en la historia que cuentan con músicos blancos y negros actuando juntos.Se dice que el seudónimo de Lang "Blind Willie Dunn"  vino de un vendedor de periódicos que Lang era amigo, pero algunos historiadores de Jazz dudan de esa afirmación y sugieren que el nombre era un gesto comercial, diseñado para sacar provecho de la popularidad de los afroamericanos-guitarristas de blues como Blind Lemon Jefferson y Blind Blake.
Gran parte de la música de Johnson ofreció improvisaciones experimentales que ahora se clasifican como de jazz en lugar de blues. De acuerdo con el historiador de blues Gérard Herzhaft, Johnson era "sin duda el creador del solo de guitarra que se ha convertido en el estándar de jazz, blues, country y rock". El estilo de Johnson alcanzó tanto a los músicos de blues del Delta y los musicos urbanos que lo adaptaban y desarrollaban al blues eléctrico. Sin embargo, el escritor Elías Wald ha escrito que, en los años 1920 y 1930, Johnson fue mejor conocido como cantante sofisticado y urbano en lugar de un instrumentista - "De los anuncios del cuarenta de sus discos que aparecieron en el Chicago Defender entre 1926 y 1931, ni uno siquiera mencionó que tocaba la guitarra."

Composiciones de Johnson representan a menudo las condiciones sociales que tuvieron que confrontar los afroamericanos urbanos  ("Racketeers' Blues", "Hard Times Ain't Gone Nowhere", "Fine Booze and Heavy Dues"). En sus letras se apoderó de los matices de las relaciones amorosas entre hombres y mujeres de una manera que va más allá del "sentimentalismo Tin Pan Alley". Sus canciones muestran una habilidad para comprender las angustias de los demás que Johnson vio como la esencia de su blues. 

Después de tener una gira con Bessie Smith en 1929, Johnson se trasladó a Chicago, y grabó para Okeh con el pianista James P. Johnson. Sin embargo, con la desaparición temporal de la industria de la grabación de la Great Depression, Johnson se vio obligado a hacer una "living outside music", trabajando en una fábrica de acero en Peoria, Illinois. En 1932 se trasladó de nuevo a Cleveland, Ohio, donde vivió el resto de la década. Allí, él tocó intermitentemente con la banda del vocalista y cantante Putney Dandridge, y actuó en programas de radio.

A finales de la década de 1930, sin embargo, él estaba grabando y actuando en Chicago por Decca Records, trabajando con Roosevelt Sykes y Blind John Davis , entre otros. En 1939, durante una sesión para el Bluebird Label con el pianista Joshua Altheimer, Johnson utilizó una guitarra eléctrica por primera vez. Grabó 34 pistas para Bluebird en los próximos cinco años, incluyendo los hits "He's a Jelly Roll Baker" y "In Love Again". 

Carrera posterior 

Después de la Segunda Guerra Mundial, Johnson hizo la transición hacia el rhythm and blues, grabando para King Records en Cincinnati, y teniendo un gran éxito en 1948 con "Tomorrow Night", escrito por Sam Coslow y Will Grosz. Esta encabezó la cartelera "Race Records" durante aproximadamente  7 semanas, también fué # 19 en las listas de éxitos, y había informado de las ventas de tres millones de copias. Una balada de blues con acompañamiento de piano y cantantes de fondo, la canción tenía poco parecido con gran parte de los blues anteriores de Johnson y material de jazz. Los seguimientos "Pleasing You", "So Tired" y "Confused" También serían grandes R & B hits. 

En 1952 Johnson recorrió Inglaterra. Tony Donegan, un músico británico, rindió homenaje a Johnson, cambiando su nombre a Lonnie Donegan. Aunque se cree que las actuaciones de Johnson fueron mal recibidas por el público británico, esto también puede haber sido debido a problemas de organización en torno a la gira.

Después de regresar a los EE.UU., Johnson se trasladó a Filadelfia. Su carrera había sido una montaña rusa que a veces lo alejaba de la música. Entre los grandes logros musicales, que había visto en la necesidad de tomar trabajos menores que van desde trabajar en una fundición de acero y fregar suelos como conserje. Dejó caer poco a poco nuevamente su música en la década de 1950, y tomó los trabajos de limpieza de baja categoría; estaba trabajando en Filadelfia 's Benjamin Franklin Hotel en 1959, cuando QUÉ-FM disc jockey Chris Albertson pensó en él y produjo un álbum de regreso, para el prestigioso Bluesville Records label, nombrado "Blues by Lonnie Johnson". Esto fue seguido por otros álbumes, incluyendo uno (Blues & Ballads) con el ex jefe de Ellington, Elmer Snowden, que había ayudado a Albertson a localizar a Johnson. Siguió un compromiso en Chicago para Johnson en el Club Playboy y esta sucesión de acontecimientos le coloca de nuevo en la escena de la música en un momento fortuito: el público joven estaba abrazando la música popular y muchos artistas veteranos fueron saliendo de la oscuridad. En poco tiempo, Lonnie Johnson se encontró reunido con Duke Ellington y su orquesta, y apareciendo como invitado especial en un concierto popular de las estrellas, ambas actuaciones se llevaron a cabo en el Ayuntamiento,en la ciudad de Nueva York.

En 1961, Johnson se reunió con su antigua compañera de grabaciones en Okeh , Victoria Spivey, para realizar otro álbum, Idle Hours, y los dos cantantes realizaron su performance en Gerdes Folk City. En 1963 realiza una gira por Europa como parte del  American Folk Blues Festival show, con Muddy Waters y otros, y grabó un álbum con Otis Spann en Dinamarca.

En mayo de 1965, toca en un club en Toronto ante una audiencia de cuatro personas.  Dos semanas más tarde, sus espectáculos en un club diferente atrajeron a un público más amplio y Johnson, también alentado por la armonía racial relativa de Toronto, decidió trasladarse a la ciudad. Abrió su propio club, Home of the Blues, en Toronto Yorkville Avenida en 1966, pero fue un fracaso comercial y Johnson fue despedido en última instancia, por el hombre que se convirtió en propietario. En el resto de la década grabó y tocó en locales y clubes en Canadá, y realizó varias giras regionales. 

En marzo de 1969, fue atropellado por un coche mientras caminaba por una acera en Toronto. Johnson resultó gravemente herido, sufriendo una fractura de cadera y lesiones renales. Un concierto benéfico se celebró el 4 de mayo de 1969, con dos docenas de actos, entre ellos Ian y Sylvia, John Lee Hooker y Hagood Hardy. Johnson nunca se recuperó de sus heridas y sufrió lo que se describió como una apoplejía en agosto. Él fue capaz de volver al escenario para una actuación en el Massey Hall el 23 de febrero de 1970, a caminar con la ayuda de un bastón para cantar un par de canciones con Buddy Guy y recibir una ovación de pie. Él murió el 16 de junio de 1970 y aunque un funeral se llevó a cabo por él en Mount Hope Cemetery en Toronto por sus amigos y compañeros músicos, miembros de su familia insistieron en trasladar el cuerpo a Filadelfia, donde fue enterrado. 

En 1993, el Smithsonian Folkways lanzó The Complete Folkways Recordings, antología de Johnson. Él había sido presentado en varios álbumes de blues de compilación, en Folkways, a partir de la década de 1960, pero nunca había lanzado un álbum en solitario con esa etiqueta en su vida.

Johnson fue incluido póstumamente en el Louisiana blues Salón de la Fama en 1997.


Lonnie Johnson aparece como personaje en Who Do You Love? (2008), una película que dramatiza la vida de Leonard Chess, protagonizada por Alessandro Nivola, David Oyelowo y TJ Hassan como Johnson. La película fue dirigida por Jerry Zaks.


Las grabaciones de Lonnie Johnson son las primeras en guitarra que muestran un estilo de los solos de una sola nota con el uso de la cadena de flexión y el vibrato. Si bien no se puede probar que este contiene la influencia de los jugadores anteriores que no se registran, es el origen del blues y el solo de guitarra de rock. La influencia de Johnson es obvio en Django Reinhardt, T-Bone Walker y prácticamente todos los guitarristas de blues eléctrico.


Fuente: 
https://en.wikipedia.org/wiki/Lonnie_Johnson_(musician)
http://www.redhotjazz.com/gin.html

• Si éste material te ha sido util, te agradecemos darle "Me Gusta" a nuestra PAGINA OFICIAL de Facebook y/o seguirnos en YOUTUBE OFICIAL, INSTAGRAM OFICIAL  y/o Donar para ayudar al Blog.

Seguinos

GRACIAS

Roger Waters The Wall

Roger Waters, co-fundador de Pink Floyd, presenta Roger Waters The Wall, un documental sobre su exitosa gira en solitario con la que recorrió el mundo entre 2010 y 2013. 
La película combina escenas de los distintos conciertos en los que interpretó el exitoso álbum de principio a fin, con un viaje muy personal que trata sobre las pérdidas que Roger ha sentido en su vida debido a la guerra; con escenas de la visita que hizo al cementerio de la Primera Guerra Mundial en el que está enterrado su abuelo o a la playa donde murió su padre durante una batalla de la Segunda. Luego del filme se podrá ver The Simple Facts, una oportunidad única de ver a Roger Waters y a su compañero de banda, Nick Mason, respondiendo preguntas enviadas por los aficionados de todo el mundo.

Este documental se estrenó en el Toronto International Film Festival, y ahora podrá verse en cine por una única noche el 29 de setiembre. 

Fuente: http://www.movie.com.uy/pelicula/1109_roger-waters-the-wall/

Django Reinhardt

Django Reinhardt ha asombrado y emocionado a numerosas generaciones de guitarristas y los amantes del jazz con su increíble dominio de la guitarra. 24 de enero 1910 en Liberchies Bélgica, Django Reinhardt nació en el aire libre, el estilo de vida laberíntico de sus padres gitanos. A la edad de ocho años, junto a la la tribu de su madre, se instalaron cerca del cinturón de fortificaciones que rodeaban el viejo París, cerca de la puerta de Choisy. Estos gitanos franceses o Manouches eran un mundo en sí mismos, medievales en sus creencias, y desconfiados de la ciencia moderna. Django creció en este mundo de contradicciones, con un pie en la gran ciudad bulliciosa de París y el otro en la vida secular de la gitana nómada. Aunque nació en la pobreza Django tenía el alma de un hombre noble y esa elegancia natural de rodamiento y la actitud se expresaba en su música.

Fue a una edad temprana que Django se sintió atraído por la música. Cuando a los doce años recibió su primer instrumento, un banjo que le fue dado por un vecino que se había dado cuenta de su gran interés por la música. Rápidamente aprendió a tocar, imitando la digitación de los músicos que observaba. Fue pronto que algunos adultos se asombraron  con su habilidad en la guitarra, y antes de que él cumpliese los trece años de edad que comenzó su carrera musical tocando con el acordeonista populares Guerino en un salón de baile en la Rue Monge. Luego pasó a tocar con muchos otros grupos y músicos e hizo sus primeras grabaciones con el acordeonista Jean Vaissade para la Ideal Company. Como Django no sabía leer ni escribir en el momento "Jiango Renard" fue como su nombre apareció en estos registros.

El 02 de noviembre 1928 tuvo lugar un acontecimiento que cambiaría para siempre la vida de Django. A la una en punto de la mañana, el joven de 18 años Django regresó de una noche de música a un nuevo club "La Java" a la caravana que ahora era la casa de él y su nueva esposa. La caravana estaba llena de flores de celuloide que su esposa había hecho para vender en el mercado al día siguiente. Django al escuchar lo que él creía que era un ratón entre las flores se inclinó con una vela para mirar. La mecha de la vela cayó en las flores de celuloide altamente inflamables y la caravana se transformó casi al instante en un furioso infierno. Django se envolvió en una manta para protegerse de las llamas. De alguna manera, él y su esposa lograron salir del lugar, pero su mano izquierda y su derecha desde la rodilla hasta la cintura fueron altamente quemadas.

Inicialmente los doctores querían amputar su pierna, pero Django se negó. Fue trasladado a un hogar de ancianos donde la atención fue tan buena que la pierna se salvó. Django fue postrado en cama durante dieciocho meses. Durante este tiempo se le dio una guitarra, y con gran determinación Django crea un nuevo sistema de digitación (todo en torno a los dos dedos de su mano izquierda que tenían plena movilidad). Sus cuarto y quinto dedos de la mano izquierda se cerraron de forma permanente hacia la palma de la mano debido al encogimiento de los tendones producidos por el calor del fuego. Podía usarlos en las dos primeras cuerdas de la guitarra para los acordes y las octavas, pero la extensión completa de estos dedos era imposible. Su solos los hizo con el dedo índice y medio...

Django fue influenciado por las grabaciones de jazz de  Eddie Lang  y  Joe Venuti,  Louis Armstrong  y  Duke Ellington. Esta nueva música encontró un lugar profundo en el corazón de Django. Proporcionó el vehículo perfecto para su prodigioso talento para la improvisación. Django rara vez o nunca tocó un solo de la misma manera dos veces. Numerosas grabaciones demuestran que esto es cierto. Su genio creativo no sólo era la del improvisador maestro, sino también la del compositor, y puede ser acreditado con numerosas piezas con hermosas melodías y sofisticadas estructuras armónicas muy sutiles. Sin embargo, Django no podía leer ni escribir notación musical y estaba a merced de otros que pudieran tener  sus ideas sobre el papel.  1934 resultó ser el año más importante de su vida.  El Quinteto del Hot Club de Francia  nació ! Como el destino lo quiso,  el quinteto se formó por un encuentro casual de Django y Stéphane Grappelli. Una banda de catorce músicos como Django, Stéphane, Roger Chaput, y Louis Vola fueron comisionados para tocar en el Hotel Cambridge en la hora del té. Durante el intermedio Django encontraría un rincón detrás del escenario para tocar la guitarra. Stéphane y Django estaban tan contentos con el intercambio que tocaron juntos cada vez más frecuentemente acompañados por Roger Chaput (guitarra), Louis Vola (bajo), y, finalmente, el hermano de Django José (guitarra). Una compañía discográfica pequeña Ultraphone realizó sus primeras grabaciones :  Dinah, Tiger Rag,  Oh Lady Be Good, y I Saw Stars. Estos primeros registros causaron sensación! El Quinteto pasó a registrar cientos de otras y tenía muchos seguidores en ambos lados del océano.  1939 encontramos el  Quinteto  de gira en Inglaterra, cuando estalló la guerra. Django regresó a París, mientras que Stéphane permaneció en Inglaterra. Django tocó y grabó a lo largo de los años de la guerra sustituyendo el clarinete de Hubert Rostaing para violín de Stephen. De algún modo evitó el destino de muchos de sus parientes que fueron a la muerte en los campos de concentración nazis. Después de la guerra se reincorporó con Stéphane y volvió a tocar. Él recorrió brevemente con  Duke Ellington los Estados Unidos y regresó a París, donde ahí continuó su carrera hasta 1951 cuando se retiró al pequeño pueblo de Samois sur Seine.  El 16 de mayo 1953 Django sufrió una hemorragia cerebral masiva y murió, dejando atrás a su esposa Sophie e hijo Babik. Su música sigue siendo hoy en día vital y emocionante como lo era cuando vivía, un legado de alegría a todas las generaciones futuras que redescubrirán el genio del gitano belga Django Reinhardt.

Biography by Joseph Dinkins

Fuente:http://www.djangobirdland.com/history/

Doc Watson

Arthel Lane "Doc" Watson (3 marzo 1923 a 29 mayo 2012) fue un guitarrista, compositor y cantante de bluegrass, Folk, Country, Blues y Gospel. Watson ganó siete Grammys, así como un Grammy Lifetime Achievement Award. Sus habilidades de Flatpicking  y conocimiento de la música tradicional americana son muy apreciados. Actuó con su hijo, el guitarrista Merle Watson, por más de 15 años hasta la muerte de Merle en 1985 en un accidente en la granja familiar.

Primeros años 

Watson nació en Deep Gap, Carolina del Norte. Según Watson. se puso el apodo de "Doc", durante un programa de radio en vivo cuando el locutor comentó que su nombre de pila Arthel era extraño y que necesitaba un apodo fácil.

Una infección ocular lo llevó a perder su visión cuando tenía 1 año de edad. Él fue enseñado por sus padres a trabajar duro y cuidar de sí mismo. Asistió a The Governor Morehead School, en Raleig, Carolina del Norte, una escuela para discapacidad visual.

En una entrevista de radio en 1989 con Terry Gross en la Radio Pública Nacional, Watson explica cómo consiguió su primera guitarra. Su padre le dijo que si él y su hermano David talaban las maderas que rodeaban su campo, podrían venderla una curtiembre. Watson compró una guitarra Stella de Sears Roebuck  que valía 10 dolares con sus ganancias, mientras que su hermano compró un traje nuevo. Más tarde en esa misma entrevista, Watson explicó que su primera guitarra de alta calidad fue una Martin D-18.

Las principales influencias de Watson eran los músicos de country roots y grupos, como Carter Family y Jimmie Rodgers. La primera canción que aprendió a tocar en la guitarra fue "When Roses Bloom in Dixieland", registrada por la Carter Family en 1930. Watson declaró en una entrevista con  American SongwriteR que, "Jimmie Rodgers fue al primero que noombré como mi favorito  ". Watson demostró ser un talento musical natural y en cuestión de meses se realiza en las esquinas locales tocando canciones de los Delmore Brothers, Louvin Brothers, y Monroe Brothers junto a su hermano Linny. Cuando Watson llegó a la edad adulta, ya se había convertido en un guitarrista competente.

Carrera 

En 1953, Watson se unió a la Johnson City, junto a Jack Williams. Siguiendo el ejemplo de los guitarristas de Country como Grady Martin y Hank Garland, Watson aprendió a tocar melodías de violín en su guitarra eléctrica Les Paul. Más tarde se trasladó a la técnica de la guitarra acústica, y tocando melodías de violín se convirtió en parte de su sonido característico. Durante su tiempo con Jack Williams, Doc también ayudó a su familia trabajando en afinar pianos.

En 1960, como el renacimiento de la música popular americana creció, Watson tomó el consejo de la musicólogo Ralph Rinzler y comenzó a tocar la guitarra acústica y banjo exclusivamente.
Ese movimiento encendió la carrera de Watson cuando realizó en su primera grabación, Old Time Music at Clarence Ashley's. También es de importancia crucial para su carrera fue el 11 de febrero de 1961 cuando tuvo una aparición en PS 41 en Greenwich Village. Posteriormente, comenzó su carrera como solista y apareció en universidades y clubes como el Ash Grove en Los Ángeles. Watson finalmente consiguió una gran oportunidad junto a críticas muy favorables con su actuación en el famoso Festival de Folk de Newport en Newport, Rhode Island en 1963. Watson grabó su primer álbum en solitario en 1964 y comenzó a tocar con su hijo Merle, el mismo año.

Después que el renacimiento popular se desvaneció durante la década de 1960, la carrera de Watson fue sostenida por su performance de la canción de Jimmy Driftwood Tennessee Stud en el 1972 junto a la grabación del álbum en vivo Will the Circle Be Unbroken. Tan popular como siempre, Doc y Merle comenzaron a tocar como trío, con T. Michael Coleman en el bajo, en 1974. El trío recorrió el mundo durante la década de los setenta y principios de los ochenta, registró casi quince álbumes entre 1973 y 1985, llevando la música acústica a millones de nuevos fans. En 1985, Merle murió en un accidente de tractor en su finca familiar.


Hoy se encuentra una escultura de Doc Watson  en la esquina de las calles King y Depot en Boone, Carolina del Norte. La placa en el banco dice "Just One of the People".
Arlen Roth escribe: "... podemos atribuir un estilo completamente nuevo y toda una generación de artistas inspirados por Doc. Fue el primer guitarrista acústico rural de verdad, y el primero en sorprender a las audiencias urbanas a principios de 1960 con su deslumbrante y rápida técnica, y no ha dejado de ser un conductor en la fuerza creativa de la música acústica.

Watson tocó la guitarra tanto con la técnica de flatpicking como la de fingerpicking, pero es más conocido por su trabajo flatpick. Sus habilidades de guitarra, junto con su autenticidad como un mountain musician, hacen de él una figura muy influyente en el renacimiento de la música popular. Watson fue pionero en un rápido y llamativo bluegrass de guitarra solista incluyendo melodías de violín y técnicas de crosspicking  que fueron adoptadas y se extendían por Clarence White, Tony Rice y muchos otros. Watson también fue un gran tocador del banjo y, a veces también acompañado a sí mismo con la armónica. Conocido también por su distintiva y rica voz de barítono, Watson a lo largo de los años ha desarrollado un vasto repertorio de mountain ballads a través de la tradición oral de su zona de origen en Deep Gap, Carolina del Norte. Su actitud afable, humilde naturaleza y delicioso ingenio era aplaudido por sus fans casi tanto como su talento musical.

Watson tocó con la guitarra Martin modelo D-18 en sus primeras grabaciones. En 1968,  comenzó una relación con Gallagher Guitars cuando empezó a tocar con su modelo G-50. Su primera Gallagher, que Watson se refiere como "Old Hoss", está en exhibición en el Country Music Hall of Fame, en Nashville, Tennessee. En 1974, Gallagher creó un modelo personalizado G-50 que pretende comulir con las especificaciones preferidas de Watson, llevando el nombre de Doc Watson. En 1991, Gallagher personaliza una guitarra cutaway para Watson que tocó hasta su muerte y que se refirió como "Donald" en honor al propietario de la segunda generación de Gallagher, Don Gallagher. En los últimos años, Doc había estado jugando unA  Dana Bourgeois dreadnought dada a él por Ricky Skaggs por su cumpleaños 80 .

En 1986, Watson recibió el Premio de Carolina del Norte y en 1994 como Patrimonio Folclórico de Carolina del Norte. También en 1994, Watson se unió a los músicos Randy Scruggs y Earl Scruggs para contribuir con la clásica canción "Keep on the Sunny Side" para el álbum a beneficio del SIDA Red Hot + Country elaborado por la Red Hot Organization.

Vida posterior 

En 2000, Watson fue incluido en el Salón de Música Bluegrass Internacional de Honor en Owensboro, Kentucky. En 1997, Watson recibió la Medalla Nacional de las Artes del presidente de Estados Unidos Bill Clinton.En 2010, se le concedió un doctorado honorario en música de Berklee College of Music en Boston, Massachusetts.

En su vida posterior, Watson redujo su calendario de gira. Fué generalmente acompañado en el escenario por su nieto (hijo de Merle) Richard, así como los socios musicales de toda la vida David Holt o Jack Lawrence. En una ocasión, Watson fue acompañado por el guitarrista australiano Tommy Emmanuel en un concierto en el Bass Performance Hall en Fort Worth, Texas. Watson también tocó acompañado por Holt yRichard, en el Hardly Strictly Bluegrass Festival en San Francisco en 2009, como lo habían hecho varios años anteriores.

Watson realizó el  Merlefest festival de música que se celebra cada abril en Wilkes Community College en Wilkesboro, Carolina del Norte. El festival cuenta con una amplia gama de música de estilo acústico centrándose en el folk, bluegrass, blues y old-time music. Fue nombrado en honor de Merle Watson y es uno de los festivales de música acústicas más populares en el mundo, atrayendo a más de 70.000 aficionados a la música cada año. 

Watson fue incluido en el Music Hall de la Fama de Carolina del Norte en 2010. 

Vida personal y muerte 

En 1947, Doc se casó con Rosa Lee Carlton, la hija del violinista popular Gaither Carlton. Watson y Rosa Lee tuvierpm dos hijos - Eddy Merle (el nombre de las leyendas de la música country Eddy Arnold y Merle Travis) en 1949 y Nancy Ellen en 1951. 

Última actuación de Doc Watson.

El 29 de abril de 2012, Watson toca su última actuación con el Nashville Bluegrass Band en el escenario Creekside at Merlefest.

Watson murió el 29 de mayo de 2012 a Wake Forest Baptist Medical Center de complicaciones después de una cirugía de colon a la edad de 89. Está enterrado en el Merle y Doc Watson Memorial Cemetery, Deep Gap. Watauga County, Carolina del Norte con su esposa e hijo. 

Legado 

En 2002, el High Windy Audio lanzó un CD múltiple biográfico titulado Legacy. La colección cuenta con entrevistas en audio con Watson intercaladas con la música, así como una grabación completa de una presentación en vivo en el Diana Wortham Theatre en Asheville, Carolina del Norte. La colección ganó en el 2002 el Premio Grammy por el Mejor album Folk.

En 2010, Blooming Twig Books publicó una biografía completa de Doc Watson, escrito por Kent Gustavson. El libro, titulado Blind But Now I See: The Biography of Music Legend Doc Watson, da a conocer contenido nunca antes publicado respecto a la vida y la carrera de Watson, obtenida de las entrevistas con los amigos y colaboradores de Watson, entre ellos Norman Blake, Sam Bush, miembros de la familia de Seeger , Michelle Shocked y muchos otros. 

En abril de 2013, Open Records lanzó una colección de discos múltiples de grabaciones inéditas de Doc Watson. La colección, titulada Milestones, cuenta con 94 canciones, así como historias, recuerdos, y más de 500 fotografías. La colección fue creada por la hija de Watson Nancy y está siendo producido por ETSU Bluegrass y el profesor de ETSU Roy Andrade.

Fuente: https://en.wikipedia.org/wiki/Doc_Watson