Andy Fraser

Nombre de nacimiento Andrew Fraser McLan
Nacido 3 de julio de 1952 Paddington , Londres, Inglaterra
Murió 16 de de marzo de el año 2015 (62 años) Temecula, California , Estados Unidos
Géneros Hard rock , blues-rock
Profesión Músico, cantante y compositor
instrumentos Bajo, guitarra, piano, voces
Años activos 1968-2015
Actos asociados Free , John Mayall & the Bluesbreakers , Sharks
instrumentos notables Gibson EB-3


Andrew McLan "Andy" Fraser (3 julio 1952 hasta 16 marzo 2015) fue un compositor y bajista Inglés cuya carrera duró más de cuarenta años e incluye un período notable como uno de los miembros fundadores de la banda de rock Free en 1968, a los 15 años .

Años de apogeo (1960 y 1970) 

Fraser nació en el Paddington área del centro de Londres y comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años. Estudio música clásica hasta los doce, cuando se cambió a la guitarra. A los trece tocaba en East End , clubes de las Indias Occidentales y después de ser expulsado de la escuela en 1968 a los 15 años, se inscribió en Hammersmith FE College, donde otro estudiante, Safo Korner, le presentó a su padre, pionero de blues, músico y locutor de radio Alexis Korner , que se convirtió en una figura paterna para él. Poco después, al recibir una llamada telefónica de John Mayall , que estaba buscando a un bajista, Korner sugirió Fraser y, con sólo 15 años, se encontraba en una banda ganando £ 50 por semana.

Korner también jugó un papel decisivo en el próximo movimiento de Fraser, a la influyente banda Free , que consistía en Paul Rodgers (voz), Paul Kossoff (guitarra) y Simon Kirke (batería). Fraser produjo y co-escribió la canción "All Right Now" con Rodgers, un hit N º 1 en más de 20 territorios y reconocido por la ASCAP en 1990 en cuanto a ser pasado más de 1.000.000 de  veces por la radio en los Estados Unidos a finales de 1989.

Fraser también co-escribió otros dos singles de éxito de forma gratuita,  "My Brother Jake" y "The Stealer". Free inicialmente se dividió en 1971, y Fraser formó un trío, Toby, con el guitarrista Adrian Fisher (más tarde con Sparks ), y el batería Stan Speake . El material fue grabado, pero no liberado, y Fraser reunió Free en diciembre de 1971. Se fue por segunda vez en junio de 1972.

Después de dejar Free, Fraser formó Sharks con el vocalista Snips (después del Baker Gurvitz Army), el guitarrista Chris Spedding , más batería, Marty Simon. A pesar de ser bien recibido por la crítica, especialmente para el trabajo de buen gusto en guitarra de Spedding  (Crawdaddy Lead Review, Bruce Malamut Vol. 27, 1973) Fraser se retiró luego de su álbum de debut, First Water (1973).

Luego formó la banda de Andy Fraser, un trío con Kim Turner en la batería y Nick Judd en los teclados. Lanzaron dos álbumes, Andy Fraser Band y In Your Eyes, ambos en 1975. Los intentos de formar una banda con Frankie Miller llegaron a nada, y Fraser se mudó a California, para concentrarse en la composición. Se hace a mano éxitos de Robert Palmer , Joe Cocker , Chaka Khan , Rod Stewart y Paul Young .

Las composiciones más famosas de Fraser son "All Right Now" y " Every Kinda People ", el que Robert Palmer grabó en 1978 para su Double Fun album.

Período posterior (post-1970) 

En 1984, Fraser lanzó otro álbum. Fine, Fine Line contó con ex-Back Street Crawler batería Tony Braunagel, Bob Marlette (teclados), Michael Thompson (guitarra) y David Faragher (bajo). Fraser contribuyó en las voces.

Después de haber sido diagnosticado con el VIH, más tarde fue diagnosticado con el sarcoma de Kaposi , una forma de cáncer que habían sido muy poco frecuente hasta el comienzo de la epidemia del SIDA. Esta línea de tiempo fue cuestionada por la revelación posterior de Fraser que era homosexual. Tocó el bajo con el ex colega gratuito, Paul Rodgers, en Woodstock '94 , pero por lo demás mantuvo un perfil bajo hasta 2005, hasta su nuevo album Naked and Finally Free. En el momento del lanzamiento del nuevo álbum, Fraser fue entrevistado por Dmitry M. Epstein para el sitio web DME y reveló: "Para ser honesto, nunca pensé en mí mismo como un bajista. En realidad, sólo toqué el bajo porque los otros niños de la escuela querían ser cantantes, o baterístas, o guitarristas. Siempre he pensado en hacer lo que fuera necesario para que el conjunto funcione. Soy feliz tocando el piano, o la pandereta, o cualquier cosa que ayude ".

A principios de 2006, escribiendo para la guitarra de la vendimia revista, Tom Guerra realizó una entrevista completa con Fraser, que abarca su carrera, las influencias e instrumentos y, en abril, Fraser respondió al renacimiento del interés en su música con el anuncio de dos en vivo raros en el sur de California 's Temecula Comunidad Teatro de las Artes, el 4 de mayo. Los espectáculos, destacado por una banda de ocho piezas, fueron sus primeras actuaciones en directo desde la reunión de Woodstock de 1994.

A mediados de 2013, Fraser interpretó un papel secundario como bajista en la banda de Tobi Earnshaw para una serie corta del Reino Unido. 

Muerte 
Fraser murió el 16 de marzo de 2015 en su casa en California. Había estado luchando contra el cáncer y el SIDA. 


Fuente:

https://en.wikipedia.org/wiki/Andy_Fraser

• Si éste material te ha sido util, te agradecemos darle "Me Gusta" a nuestra PAGINA OFICIAL de Facebook y/o seguirnos en YOUTUBE OFICIAL, INSTAGRAM OFICIAL  y/o Donar para ayudar al Blog.

Seguinos

GRACIAS

Alejandro Dolina

Alejandro Dolina nació en Baigorrita y se crió en Caseros. Ha publicado cuentos y notas en diferentes revistas. Desde 1985 ha conducido programas de radio y televisión.Ha compuesto numerosas canciones y ha integrado distintos grupos musicales como director y arreglador. En 1988 publicó su primer libro, “Crónicas del Ángel Gris”. Una edición corregida y aumentada de esta misma obra apareció en 1996.Es autor también de las comedias musicales “El barrio del Ángel Gris”, que obtuvo el premio Argentores en 1990; y “Teatro de Medianoche”, que protagonizó él mismo como actor y cantante. En 1998 grabó su opereta “Lo que me costó el amor de Laura”. En esa grabación representaron los papeles de la obra Joan Manuel Serrat, Mercedes Sosa, Ernesto Sábato, Les Luthiers, Horacio Ferrer, Sandro, Julia Zenko, Juan Carlos Baglietto y muchos otros artistas, acompañados por la Orquesta Sinfónica Nacional. En 2000 fue llevada al teatro y obtuvo el premio Argentores a la mejor obra del año. En 1999 editó “El libro del fantasma”. Y en 2002, una recopilación de historias musicales escritas para la radio bajo el título de “Radiocine”. Durante el año 2003 realizó el ciclo televisivo “Bar del infierno”, con relatos, tangos y canciones compuestas especialmente para el programa. 

En el 2010 realizó, para Canal Encuentro y bajo la dirección de Juan José Campanella, una serie de trece capítulos que fue ternada para los premios Martín Fierro. En 2004 se editó el disco “Tangos del Bar del Infierno” y se representó el espectáculo teatral “Bar del Infierno” -a partir de la misma temática- en toda la Argentina, en Montevideo, en Sevilla, en Madrid y en Granada. Este espectáculo formó parte del 6º Festival Internacional del Tango de Buenos Aires, del cual Dolina fue padrino. Su programa de radio “La venganza será terrible” se mantiene desde hace veinte años al frente de las mediciones de audiencia de la medianoche. Alejandro Dolina es Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires, distinción que le fue otorgada en 2001. Asimismo, en 2003 fue declarado Visitante Ilustre de la ciudad de Montevideo, Uruguay. Ha obtenido, además, distinciones tales como el premio Martín Fierro –en siete oportunidades-, el premio Coral del Festival cinematográfico de La Habana, el premio Argentores a la trayectoria, el premio Sadaic en 1997 y numerosos galardones por su labor radial, literaria y musical. Es también profesor honorario de la Universidad CAECE. Ha cantado y formado dúos o grupos musicales con Héctor Stamponi, Virgilio Expósito, Osvaldo Tarantino, Sebastián Piana, Lolita Torres, Nelly Omar, Suma Paz, Antonio Agri, la Orquesta del Tango de Buenos Aires, la Orquesta Juan de Dios Filiberto, José Luis Castiñeira de Dios, el cuarteto Zupay, los Huanca Hua, Horacio Molina, entre otros.En el cine, en el teatro, en la televisión y en la radio actuaron junto a él y representaron sus obras figuras como Alfredo Alcón, Julio Bocca, China Zorrilla, Jairo, Tincho Zabala, Lito Cruz, Lorenzo Quinteros, Esther Goris, Diego Maradona, Jorge Luz, Cecilia Milone, Gogó Andreu, José Ángel Trelles, Víctor Heredia, Guillermo Fernández, etc. Fue el más joven de los miembros fundadores de la Academia Nacional del Tango, en 1990. Ha dado charlas y conferencias en infinidad de foros académicos y culturales. Su presentación en la Feria del Libro de Buenos Aires convoca cada año a miles de personas. En 2004 su conferencia fue la de mayor asistencia en toda la historia de la Feria del Libro. En el 2005 publicó “Bar del Infierno” y en marzo de 2012 publicó su cuarto libro y primer novela CARTAS MARCADAS, ambos libros bajo el sello de editorial Planeta. Cartas Marcadas fue elegida por los lectores de la Feria del Libro de la Ciudad de Buenos Aires, la mejor Novela del año. 

Fuente: http://alejandrodolina.com.ar/biografia.html

• Si éste material te ha sido util, te agradecemos darle "Me Gusta" a nuestra PAGINA OFICIAL de Facebook y/o seguirnos en YOUTUBE OFICIAL, INSTAGRAM OFICIAL  y/o Donar para ayudar al Blog.

Seguinos

GRACIAS

Tom Zé

Tom Zé, de nombre completo Antônio José Santana Martins (nacido en Irará, Bahía, el 11 de octubre de 1936) es un músico brasileño, compositor de canciones y multiinstrumentalista, del género denominado música popular de Brasil.

Nacido en una familia acomodada, gracias a un boleto premiado de lotería, la infancia de Tom Zé transcurre en la agreste región bahiana de Irará. Posteriormente se muda a Salvador para estudiar gimnasia. De adolescente, comienza a interesarse por la música y estudia guitarra clásica. Toca esporádicamente en algunos shows de aficionados de la televisión brasileira en los años 60, y acaba ingresando en la Escola de Música da Universidade Federal da Bahia que cuenta, entre su profesorado de la época, con la presencia de Ernst Widmer, Walter Smetak y el dodecafonista Hans Joachim Koellreutter.

En la misma época, se junta con Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa y Maria Bethânia en el espectáculo Nós, Por Exemplo nº 2, en el Teatro Castro Alves, en Salvador. Con el mismo grupo, va a São Paulo a escenificar Arena Canta Bahia, bajo la dirección de Augusto Boal, y graba el álbum manifiesto del movimento Tropicalista, Tropicália ou Panis et Circensis, en 1968.

En 1968, obtiene el premio en el IV Festival da Música Brasileira, del canal de televisión TV Record, con su tema São, São Paulo, Meu Amor.

Pasó los años 70 y los años 80 avanzando aún más su concepto de pop experimental editando álbumes relativamente desconocidos, sin lograr atraer la atención del gran público.

A finales de los años 80, es “descubierto” por el músico británico David Byrne (ex Talking Heads) quien edita un recopilatorio en dos volúmenes de Tom Zé, a través del sello Luaka Bop, con gran éxito entre el público y la crítica.

Lentamente, su carrera se va recuperando y Tom Zé pasa a llenar escenarios en toda Europa, Estados Unidos y Brasil especialmente a partir del lanzamiento de su CD Com Defeito de Fabricação en 1998. Hoy, en 2010, a sus 74 años de edad, sigue en plena efervescencia creativa.


Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Tom_Z%C3%A9

• Si éste material te ha sido util, te agradecemos darle "Me Gusta" a nuestra PAGINA OFICIAL de Facebook y/o seguirnos en YOUTUBE OFICIAL, INSTAGRAM OFICIAL  y/o Donar para ayudar al Blog.

Seguinos

GRACIAS

Johnny Winter

Johnny Winter ha sido un héroe de la guitarra sin igual. Con un constante cambio entre country y blues en la línea de Robert Johnson, Johnny siempre ha sido uno de los cantantes más respetados y guitarristas del rock y el claro vínculo entre British blues-rock y rock sureño americano (al estilo de la Allman Brothers y Lynyrd Skynyrd.) A lo largo de los años 70 y 80, Johnny fue un abanderado para defender y ayudar a las carreras de sus ídolos como Muddy Waters y John Lee Hooker.

Al crecer en una ciudad áspera de campos petroleros y trabajadores de los astilleros, dedicaba su tiempo a escuchar por largas horas a un disc jockey local llamado JP Richardson - The Big Bopper de la fama "Chantilly Lace" - y se convirtió en adicto del rock & roll de los años 50 . Formó su primera banda, Johnny and the Jammers, en 1959 a la edad de 15, junto a su hermano de 12 años  Edgar en los teclados. Las tensiones raciales en Beaumont seguian siendo elevadas en aquellos días. La ciudad había tenido uno de los peores disturbios raciales en la historia de Texas sólo nueve meses antes del nacimiento de Johnny. Las turbas vagaban por las calles, los negocios quemados, la ley marcial entró en vigor, y más de 2.000 uniformados de la Guardia Nacional y los Rangers de Texas sellaron la ciudad del resto del mundo hasta que los ánimos se enfriaron. A pesar de eso, Johnny se recuerda vacilando como un niño aventurandose en los barrios negros para escuchar y tocar música. Mirando hacia atrás, él cree que la gente de la comunidad negra sabían que era sincero, que estaba realmente poseído por el blues. "Fui a clubes de negros todo el tiempo, y nunca nadie me molestó. Siempre me sentí bienvenido.También se hizo amigo de Clarence Garlow, un deejay en la estación de radio negra Kjet en Beaumont.

Hay una famosa historia sobre un momento en 1962 cuando Johnny y su hermano fueron a ver a BB King en un club de Beaumont llamado Raven. Los únicos blancos en la multitud, sin duda, se destacaron. Pero Johnny ya tenía sus relevancia y quería tocar con BBK "Tenia aproximadamente 17 años," Johnny recuerda, "y BB no quería dejarme entrar en escena al principio. Él me pidió una tarjeta de unión, y tuve una. Además, me mantuve enviando gente a pedirle que me deja tocar. Finalmente, decidió que habían suficientes personas que querían oírme. Me dio su guitarra y me dejó tocar. Me dieron una ovación de pie, y él tomó su guitarra de vuelta! "


Un gran avance le llegó unos años más tarde en 1968 , Stone Larry Sepulvado y John Burks le ofrecen en un lugar en la escena musical de Texas, lo que provocó una guerra de ofertas entre las etiquetas, que Columbia Records finalmente ganó.El autotitulado disco de Johnny 1969 anunció en voz alta que había una nueva guitarra hondero en la nueva escena nacional. El disco incluye covers audaces, clásicos del blues como BB King  “Be Careful with a Fool,” Sonny Boy Williamson II’s “Good Morning Little School Girl,” Robert Johnson’s “When You Got a Good Friend” y Lightin’ Hopkins’ “Back Door Friend.” También contó con dos canciones de Winter principales “Dallas” y el controversial “I’m Yours and I’m Hers,”que entró en rotación en la radio FM de metro. El álbum alcanzó el puesto No.24 en el Billboard.
Mirando hacia atrás, el escritor Cub Koda describió el periodo como "Recién salido de Texas, con un trío caliente,Winter hizo la música de blues-rock de los ángeles." Ese trío, dicho sea de paso, era incluido por el bajista Tommy Shannon y el baterista John Turner. Winter se quedó con Columbia por un tiempo, y posteriormente se unió Alligator Records en 1984 para grabar unicamente álbums de Blues. 




Hoy Johnny Winter está disfrutando de un resurgimiento sin precedentes, las entradas para los espectáculos se agotan en todo el mundo, incluso después de una larga vida llena de honores y logros, como una aparición triunfal en el Festival de Crossroads de Eric Clapton con Derek Trucks, Buddy Guy y Clapton que ha sido inmortalizado en el premio Emmy. En una ceremonia con Slash presentada en Nashville, Gibson Guitars lanzó la firma Johnny Winter Firebird, guitarra que ha sido su amada marca comercial por años. Además Winter ha sido cabeza de cartel de eventos de prestigio tales como el New Orleans Jazz & Heritage Festival, Chicago Blues Festival, Swedish Rock Fest, Warren Haynes X-mas jam y Europe’s Rockpalast vistos por millones sólo para nombrar unos pocos.




Fuente: http://www.johnnywinter.com/about/

• Si éste material te ha sido util, te agradecemos darle "Me Gusta" a nuestra PAGINA OFICIAL de Facebook y/o seguirnos en YOUTUBE OFICIAL, INSTAGRAM OFICIAL  y/o Donar para ayudar al Blog.

Seguinos

GRACIAS

Lonnie Johnson

Alonzo "Lonnie" Johnson (08 de febrero 1899  - 16 de junio 1970) fue un estadounidense de blues y jazz cantante / guitarrista, violinista y compositor siendo uno de los pioneros en el papel de la guitarra de jazz y el violín de jazz, y es reconocido como el primero en tocar un violín eléctrico amplificado. 

Inicios de su carrera 

Johnson nació en Nueva Orleans, Louisiana, y se crió en una familia de músicos. Estudió violín, piano y guitarra cuando era niño, y aprendió a tocar otros instrumentos como la mandolina, pero se concentró en la guitarra a lo largo de su carrera profesional. "Había música a nuestro alrededor", recordó, "y en mi familia es mejor que toques algo, incluso si sólo golpeas una lata." 

Lonnie Johnson fue pionero en el "single-string" de la guitarra solista que se ha vuelto costumbre en el rock moderno, el blues y el jazz.

En su adolescencia, él tocaba la guitarra y el violín en la banda de la familia de su padre en los banquetes y bodas, junto a su hermano James "Roll Steady" Johnson. También trabajó con el trompetista de jazz Punch Miller en la ciudad de Storyville district.

En 1917, Johnson se unió a una revista que recorrió Inglaterra, volviendo a su casa en 1919 para descubrir que toda su familia, excepto su hermano James, habían muerto en la epidemia de gripe de 1918.

Él y su hermano se instalaron en San Louis en 1921. Los dos hermanos realizaron un dúo, y Lonnie también trabajó en las barcas, que trabajan en las orquestas de Charlie Creath y Fate Marable. En 1925 se casó, y su esposa Mary pronto comenzó a seguir una carrera de blues en su propio derecho, actuando como Mary Johnson persiguiendo una carrera musical desde 1929 hasta 1936. Ella no debe ser confundida con la cantante de soul y gospel del mismo nombre. Como suele ser el caso de los primeros artistas de blues, la información sobre la señora Johnson es a menudo contradictoria y confusa. Muchas fuentes en línea dan su nombre antes del matrimonio como Mary Smith, y el estado que ella comenzó a actuar en su adolescencia. Sin embargo, el autor James Sallis da su nombre solo como Mary Williams, y afirma que su interés por el material de escritura y performances de blues comenzó cuando ella comenzó a ayudar a Lonnie a escribir canciones, y se desarrolló a partir de ahí. Curiosamente, los dos nunca grabaron juntos. Tuvieron seis hijos antes de su divorcio en 1932.

El éxito en la década de 1920 y 1930. 

En 1925, Johnson participó y ganó un concurso de blues en el Teatro Booker T. Washington en St. Louis, el premio de ser un contrato de grabación con Okeh Records. A su pesar, fue entonces etiquetado como un artista de blues, y más tarde tuvo dificultades para ser considerado como cualquier otra cosa. Más tarde dijo: "Supongo que habría hecho cualquier cosa para ser grabado -. Era alguien que acababa de pasar por un concurso de blues, así que canté el blues". Entre 1925 y 1932 realizó cerca de 130 grabaciones para el sello Okeh. Fue llamado a Nueva York para grabar con los principales cantantes de blues de la época, entre ellos Victoria Spivey y el  cantante de country blues Alger "Texas" Alexander. También estuvo de gira con Bessie Smith's T.O.B.A. show.

En diciembre de 1927, Johnson fue grabado en Chicago como artista invitado con Louis Armstrong y su Hot Five, emparejado con el banjoist Johnny St. Cyr. Tocó en los lados "I'm Not Rough", "Savoy Blues", y "Hotter Than That."En 1928 se registraron "Hot and Bothered", "Move Over", y "The Mooche" con Duke Ellington en Okeh Records; También grabó con un grupo llamado The Chocolate Dandies (en este caso, McKinney's Cotton Pickers). Fue pionero en el solo de guitarra en el 1927 pista "6/88 Glide" y muchas de sus primeras grabaciones lo mostraron  tocando solos en guitarras de 12 cuerdas en un estilo que influyó en los guitarristas de jazz futuros como Charlie Christian y Django Reinhardt, y dio al instrumento un nuevo significado como una voz de jazz. Se destacó en piezas puramente instrumentales, algunos de los cuales grabó con el guitarrista de jazz Eddie Lang llamado artísticamente "Blind Willie Dunn", a quien se unió a en 1929. Estas grabaciones fueron de las primeras en la historia que cuentan con músicos blancos y negros actuando juntos.Se dice que el seudónimo de Lang "Blind Willie Dunn"  vino de un vendedor de periódicos que Lang era amigo, pero algunos historiadores de Jazz dudan de esa afirmación y sugieren que el nombre era un gesto comercial, diseñado para sacar provecho de la popularidad de los afroamericanos-guitarristas de blues como Blind Lemon Jefferson y Blind Blake.
Gran parte de la música de Johnson ofreció improvisaciones experimentales que ahora se clasifican como de jazz en lugar de blues. De acuerdo con el historiador de blues Gérard Herzhaft, Johnson era "sin duda el creador del solo de guitarra que se ha convertido en el estándar de jazz, blues, country y rock". El estilo de Johnson alcanzó tanto a los músicos de blues del Delta y los musicos urbanos que lo adaptaban y desarrollaban al blues eléctrico. Sin embargo, el escritor Elías Wald ha escrito que, en los años 1920 y 1930, Johnson fue mejor conocido como cantante sofisticado y urbano en lugar de un instrumentista - "De los anuncios del cuarenta de sus discos que aparecieron en el Chicago Defender entre 1926 y 1931, ni uno siquiera mencionó que tocaba la guitarra."

Composiciones de Johnson representan a menudo las condiciones sociales que tuvieron que confrontar los afroamericanos urbanos  ("Racketeers' Blues", "Hard Times Ain't Gone Nowhere", "Fine Booze and Heavy Dues"). En sus letras se apoderó de los matices de las relaciones amorosas entre hombres y mujeres de una manera que va más allá del "sentimentalismo Tin Pan Alley". Sus canciones muestran una habilidad para comprender las angustias de los demás que Johnson vio como la esencia de su blues. 

Después de tener una gira con Bessie Smith en 1929, Johnson se trasladó a Chicago, y grabó para Okeh con el pianista James P. Johnson. Sin embargo, con la desaparición temporal de la industria de la grabación de la Great Depression, Johnson se vio obligado a hacer una "living outside music", trabajando en una fábrica de acero en Peoria, Illinois. En 1932 se trasladó de nuevo a Cleveland, Ohio, donde vivió el resto de la década. Allí, él tocó intermitentemente con la banda del vocalista y cantante Putney Dandridge, y actuó en programas de radio.

A finales de la década de 1930, sin embargo, él estaba grabando y actuando en Chicago por Decca Records, trabajando con Roosevelt Sykes y Blind John Davis , entre otros. En 1939, durante una sesión para el Bluebird Label con el pianista Joshua Altheimer, Johnson utilizó una guitarra eléctrica por primera vez. Grabó 34 pistas para Bluebird en los próximos cinco años, incluyendo los hits "He's a Jelly Roll Baker" y "In Love Again". 

Carrera posterior 

Después de la Segunda Guerra Mundial, Johnson hizo la transición hacia el rhythm and blues, grabando para King Records en Cincinnati, y teniendo un gran éxito en 1948 con "Tomorrow Night", escrito por Sam Coslow y Will Grosz. Esta encabezó la cartelera "Race Records" durante aproximadamente  7 semanas, también fué # 19 en las listas de éxitos, y había informado de las ventas de tres millones de copias. Una balada de blues con acompañamiento de piano y cantantes de fondo, la canción tenía poco parecido con gran parte de los blues anteriores de Johnson y material de jazz. Los seguimientos "Pleasing You", "So Tired" y "Confused" También serían grandes R & B hits. 

En 1952 Johnson recorrió Inglaterra. Tony Donegan, un músico británico, rindió homenaje a Johnson, cambiando su nombre a Lonnie Donegan. Aunque se cree que las actuaciones de Johnson fueron mal recibidas por el público británico, esto también puede haber sido debido a problemas de organización en torno a la gira.

Después de regresar a los EE.UU., Johnson se trasladó a Filadelfia. Su carrera había sido una montaña rusa que a veces lo alejaba de la música. Entre los grandes logros musicales, que había visto en la necesidad de tomar trabajos menores que van desde trabajar en una fundición de acero y fregar suelos como conserje. Dejó caer poco a poco nuevamente su música en la década de 1950, y tomó los trabajos de limpieza de baja categoría; estaba trabajando en Filadelfia 's Benjamin Franklin Hotel en 1959, cuando QUÉ-FM disc jockey Chris Albertson pensó en él y produjo un álbum de regreso, para el prestigioso Bluesville Records label, nombrado "Blues by Lonnie Johnson". Esto fue seguido por otros álbumes, incluyendo uno (Blues & Ballads) con el ex jefe de Ellington, Elmer Snowden, que había ayudado a Albertson a localizar a Johnson. Siguió un compromiso en Chicago para Johnson en el Club Playboy y esta sucesión de acontecimientos le coloca de nuevo en la escena de la música en un momento fortuito: el público joven estaba abrazando la música popular y muchos artistas veteranos fueron saliendo de la oscuridad. En poco tiempo, Lonnie Johnson se encontró reunido con Duke Ellington y su orquesta, y apareciendo como invitado especial en un concierto popular de las estrellas, ambas actuaciones se llevaron a cabo en el Ayuntamiento,en la ciudad de Nueva York.

En 1961, Johnson se reunió con su antigua compañera de grabaciones en Okeh , Victoria Spivey, para realizar otro álbum, Idle Hours, y los dos cantantes realizaron su performance en Gerdes Folk City. En 1963 realiza una gira por Europa como parte del  American Folk Blues Festival show, con Muddy Waters y otros, y grabó un álbum con Otis Spann en Dinamarca.

En mayo de 1965, toca en un club en Toronto ante una audiencia de cuatro personas.  Dos semanas más tarde, sus espectáculos en un club diferente atrajeron a un público más amplio y Johnson, también alentado por la armonía racial relativa de Toronto, decidió trasladarse a la ciudad. Abrió su propio club, Home of the Blues, en Toronto Yorkville Avenida en 1966, pero fue un fracaso comercial y Johnson fue despedido en última instancia, por el hombre que se convirtió en propietario. En el resto de la década grabó y tocó en locales y clubes en Canadá, y realizó varias giras regionales. 

En marzo de 1969, fue atropellado por un coche mientras caminaba por una acera en Toronto. Johnson resultó gravemente herido, sufriendo una fractura de cadera y lesiones renales. Un concierto benéfico se celebró el 4 de mayo de 1969, con dos docenas de actos, entre ellos Ian y Sylvia, John Lee Hooker y Hagood Hardy. Johnson nunca se recuperó de sus heridas y sufrió lo que se describió como una apoplejía en agosto. Él fue capaz de volver al escenario para una actuación en el Massey Hall el 23 de febrero de 1970, a caminar con la ayuda de un bastón para cantar un par de canciones con Buddy Guy y recibir una ovación de pie. Él murió el 16 de junio de 1970 y aunque un funeral se llevó a cabo por él en Mount Hope Cemetery en Toronto por sus amigos y compañeros músicos, miembros de su familia insistieron en trasladar el cuerpo a Filadelfia, donde fue enterrado. 

En 1993, el Smithsonian Folkways lanzó The Complete Folkways Recordings, antología de Johnson. Él había sido presentado en varios álbumes de blues de compilación, en Folkways, a partir de la década de 1960, pero nunca había lanzado un álbum en solitario con esa etiqueta en su vida.

Johnson fue incluido póstumamente en el Louisiana blues Salón de la Fama en 1997.


Lonnie Johnson aparece como personaje en Who Do You Love? (2008), una película que dramatiza la vida de Leonard Chess, protagonizada por Alessandro Nivola, David Oyelowo y TJ Hassan como Johnson. La película fue dirigida por Jerry Zaks.


Las grabaciones de Lonnie Johnson son las primeras en guitarra que muestran un estilo de los solos de una sola nota con el uso de la cadena de flexión y el vibrato. Si bien no se puede probar que este contiene la influencia de los jugadores anteriores que no se registran, es el origen del blues y el solo de guitarra de rock. La influencia de Johnson es obvio en Django Reinhardt, T-Bone Walker y prácticamente todos los guitarristas de blues eléctrico.


Fuente: 
https://en.wikipedia.org/wiki/Lonnie_Johnson_(musician)
http://www.redhotjazz.com/gin.html

• Si éste material te ha sido util, te agradecemos darle "Me Gusta" a nuestra PAGINA OFICIAL de Facebook y/o seguirnos en YOUTUBE OFICIAL, INSTAGRAM OFICIAL  y/o Donar para ayudar al Blog.

Seguinos

GRACIAS

Tony Rice

Tony Rice (nacido David Anthony Rice, 8 de junio de 1951, Danville, Virginia, Estados Unidos) es un guitarrista estadounidense. Es considerado uno de los guitarristas acústicos más influyentes de bluegrass, bluegrass progresivo, newgrass y jazz acústico.Fue incluido en el Salón Internacional de Música Bluegrass de la Fama en 2013.

Rice se extiende en la gama de la música acústica, desde bluegrass tradicional al jazz. A lo largo de su carrera, ha tocado junto a  J. D. Crowe and the New South, David Grisman (durante la formación de "Dawg Music"y Jerry García. Colaboró con Norman Blake, grabado con sus hermanos Wyatt, Ron, y Larry, y co-fundaron el Bluegrass Album Band. Ha grabado con tambores, piano, saxo soprano, así como con la instrumentación bluegrass tradicional. 

Primeros años 

Rice nació en Danville, Virginia, pero se crió en Los Angeles, California, donde fue introducido al bluegrass por su padre, un músico semiprofesional llamado Herb Rice. Tony y sus hermanos aprendieron los fundamentos del bluegrass y la música country, de los Kentucky Colonels, dirigidos por Roland y Clarence White. Clarence White, en particular, se convirtió en una enorme influencia sobre Tony Rice. En el camino se cruzó con entusiastas como Ry Cooder, Herb Pedersen y Chris Hillman que junto a Rice reforzaron la fuerza de la música que él había aprendido de su padre.

En 1970, Rice se había trasladado a Louisville, Kentucky, donde tocó con la Bluegrass Alliance, y poco después con J.D. Crowe's New South. El New South era conocido como uno de los mejores y más progresistas grupos de bluegrass - añadiendo finalmente tambores e instrumentos eléctricos ( para disgusto de Rice). Pero cuando Ricky Skaggs se unió en 1974, la banda grabó "JD Crowe y el New South", un álbum acústico que se convirtió en top-seller de Rounder hasta ese momento. En este punto, el grupo estaba formado por Rice en la guitarra y voz principal, Crowe en el banjo y voz, Jerry Douglas en Dobro, Skaggs en el violín, la mandolina, y voz de tenor, y Bobby Slone en el bajo y el violín.

David Grisman Quintet 

Alrededor de este tiempo, Rice se reunió con el mandolinista David Grisman, que tocó con Red Allen durante la década de 1960 y estaba trabajando en algún material original que mezclaba jazz, bluegrass y estilos clásicos. Rice dejó el Nuevo Sur y se mudó a California para unirse a grupo totalmente instrumental Grisman. Como parte de la David Grisman Quintet, a fin de ampliar sus horizontes, así como hacerse más comercial, Rice comenzó a estudiar la teoría de acordes, aprendió a leer las partituras y amplió el alcance de su toque más allá de su primer amor, el Bluegrass. El reconocido guitarrista John Carlini fue contratado para enseñar solfeo a Rice, y Carlini le ayudó a aprender los entresijos del jazz y la improvisación musical en general. 1977 la grabación de debut de David Grisman Quintet es considerado un hito de la música acústica.


Carrera en solitario y Bluegrass Album Band

En 1979, Rice dejó el grupo de Grisman para perseguir su propio estilo de música. Grabó, un disco acústico de jazz, y luego Manzanita una colección de voces e instrumentales, que no solo abarcaban el bluegrass, sino también el estilo folk. En 1980, Rice, Crowe, Bobby Hicks, Doyle Lawson y Todd Phillips formaron una coalición exitosa, atacando las normas bluegrass con el nombre del Bluegrass Album Band. Este grupo grabó 6 volúmenes desde 1.980 hasta 1.996.

La carrera en solitario de Rice llegó a su paso con Cold on the Shoulder, una colección de canciones de Bluegrass. Con este álbum, Native American y Me & My Guitar, Rice llegó a una fórmula que incorpora su influencias dispares, bluegrass que combina, la composición de canciones de artistas populares como Ian Tyson, Joni Mitchell, Phil Ochs, Tom Paxton, Bob Dylan y, especialmente, Gordon Lightfoot , con un jazz-inflected guitar work. Al mismo tiempo, prosiguió con el "spacegrass" experimental en los álbumes Mar West, Still Inside, y Backwaters. Rice desarrolló una afección en sus cuerdas vocales en la década de 1990 que le dificultaban a cantar.

Colaboraciones 

En 1980, grabó un álbum de duetos bluegrass junto a Ricky Skaggs, llamado Skaggs & Rice. Dos álbumes con el instrumentista y compositor tradicional Norman Blake, así como dos álbumes Rice Brothers (1992 y 1994) que contó con Larry Rice y sus hermanos menores, Wyatt y Ronnie.

En 1993, se unió a David Grisman y Jerry García, para grabar The Pizza Tapes. Luego, Rice y Grisman registraron poemas sinfónicos, una colección original de material, donde suenan mandolinas y guitarras vintage diferentes para cada pista.

En 1995, Rice registró su álbum folclórico con sólo dos guitarras junto a  John Carlini, quien también trabajó para David Grisman Quintet.

En 1997, Tony, su hermano Larry, Chris Hillman (miembro de los Byrds formación original) y el Banjo-man Herb Pedersen, fundaron el llamado  "anti-supergroup"  Rice, Rice, Hillman & Pedersen y produjo tres volúmenes entre 1997 y 2001.

Publicaciones 
La biografía autorizada de Tony Rice, titulado Still Inside: The Tony Rice Story, ha sido completada por Tim Stafford y la periodista hawaiana Caroline Wright, y fue publicado por Word of Mouth Press en Kingsport, Tennessee, Estados Unidos en 2010. El lanzamiento oficial del libro tuvo lugar en Merlefest en Carolina del Norte.


Introduccion del libro Still Inside: The Tony Rice Story

Él es uno de los más grandes guitarristas acústicos de todos los tiempos, sin embargo, es prácticamente desconocido fuera de la música bluegrass. Sus amigos más cercanos lo describen como cálido y amorosa persona, y luego hablan del desconcierto por su distanciamiento. Él es un semidiós distante en un género cuyo mayores estrellas son conocidos por su accesibilidad. Es un genio, un misterio ... una leyenda en su propio tiempo.

Tras una década de elaboración, Still Inside: The Tony Rice Story entrega cuentos de Tony en sus propias palabras inimitables, y en anécdotas y observaciones de sus amigos, familiares, fans y compañeros músicos.

El largo camino de Tony lo ha llevado de costa a costa y alrededor del mundo, a través de grabaciones históricas y las apariencias que a menudo se mueven profundamente a quienes los experimentan. Más de 100 personas fueron entrevistadas para este libro, compartiendo recuerdos de Tony y discutiendo su impacto indeleble en su propia música. Alison Krauss, JD Crowe, Sam Bush, Béla Fleck, Jerry Douglas, Ricky Skaggs, David Grisman, Emmylou Harris, Linda Ronstadt, Peter Rowan, y muchos otros contribuyen historias íntimas y observaciones francas de este hombre privado y enigmático.

A veces escandaloso, a menudo profundo, siempre honesto, Tony  comparte con franqueza recuerdos de su infancia serena y turbulenta ... sus primeros días como músico, la exploración de las posibilidades de la guitarra como instrumento principal ... sus aventuras revolucionarias como un nuevo pionero del jazz acústico ... sus años como vocalista de la música bluegrass contemporáneo... las grandes tragedias de su vida, incluyendo la pérdida de su voz extraordinaria ... y sus pensamientos acerca de su papel como uno de los estadistas más influyentes de la guitarra. 

En último capítulo, el co-autor del libro Tim Stafford-guitarrista acústico muy respetado en su propio derecho, da una idea de la técnica de Tony, el tiempo, la mano derecha, la elección de púas, y mucho más. 

También se incluye una discografía completa, una cronología detallada, una bibliografía de lecturas recomendadas, y más de 100 fotografías. Still Inside: The Tony Rice Story será la delicia de los fans del bluegrass, aficionados a la música de la guitarra, y cualquiera que ama una gran historia, contada en las palabras de aquellos que han vivido.

Fuente:
https://en.wikipedia.org/wiki/Tony_Rice
http://www.tonyricestory.com/

Tim Maia

Un verdadero carioca de Río de Janeiro, nació y se crió en el barrio de Tijuca, donde con un grupo de amigos cambiarían para siempre la cara de la música popular brasileña. Algunos de los miembros de este grupo fueron: Roberto Carlos, Erasmo Carlos y Jorge Ben Jor. Durante décadas, Tim recogió hits, ganó un lugar para sí mismo en los corazones del pueblo brasileño y garantizó su lugar como un ídolo eterno.

Su poderosa voz, su agudo sentido del ritmo y su carisma inigualable fueron los elementos que componen el estilo inconfundible del "supervisor" de Brasil, quien influyó en artistas como Roberto Carlos, Jorge Ben Jor, Marisa Monte, Jota Quest, Ivete Sangalo y a una gran legión de genios de la música brasileña. El padre de la música del alma brasileña vivió durante cinco años en los EE.UU., bebiendo directamente de la fuente, siendo influenciado por el Funk y el Soul. Una sobredosis de Motown. Fue elegido por la revista Rolling Stone Brasil como el noveno más grande artista de la música brasileña (Fuente: Rolling Stone Brasil)

Indomable, él fue el primer artista brasileño para ser completamente independiente de las grandes compañías discográficas. Para lograr la libertad artística completa y el control financiero de su trabajo, fundó la editorial seroma y la compañía de grabación Vitória Régia Discos.

Después de establecerse como un ejecutivo de éxito en la industria discográfica, continuó produciendo grandes éxitos hasta su muerte en 1998.

Tim Maia dejó un enorme legado que ha dejado una profunda huella en la historia de la música brasileña e internacional.

Fuente: http://www.timmaia.com.br/en/biography

Ella Fitzgerald

Apodada "The First Lady of Song,"  Ella Fitzgerald fue la más popular cantante de jazz femenina en los Estados Unidos por más de medio siglo. En su vida, ganó 13 premios Grammy y vendió más de 40 millones de álbumes.

Su voz era flexible, amplia, precisa y sin edad. Ella podía cantar baladas sensuales, sweet jazz e imitar todos los instrumentos en una orquesta. Ella trabajó con todos los grandes del jazz: Duke Ellington, Count Basie y Nat King Cole, Frank Sinatra, Dizzy Gillespie y Benny Goodman. (O más bien, algunos podrían decir que todos los grandes del jazz tuvieron el placer de trabajar con Ella.)

Actuó en los mejores lugares de todo el mundo, llenando cada escenario. Sus audiencias eran tan diversas como su rango vocal. Eran ricos y pobres, compuesto de todas las razas, todas las religiones y todas las nacionalidades. De hecho, muchos de ellos tenían sólo un factor de unión en común - todos la querían.

Comienzos:

Ella Jane Fitzgerald nació en Newport News, Va., El 25 de abril de 1917. Su padre, Guillermo, y su madre, Templanza (Tempie), se separaron poco después de su nacimiento. Juntos, Tempie y Ella fueron a Yonkers, Nueva York, donde finalmente se mudaron con el novio de mucho tiempo de Tempie José Da Silva. Su media hermana de Ella, Frances, nació en 1923 y pronto comenzó a referirse a Joe como su padrastro.

Para apoyar a la familia, Joe cavó zanjas y era un chofer a tiempo parcial, mientras que Tempie trabajaba en una lavandería e hizo catering. De vez en cuando, Ella asumió pequeños trabajos para contribuir dinero también. Tal vez ingenua a las circunstancias, Ella trabajó como un corredora de apuestas para los jugadores locales, dejandole algo de dinero.

Su apartamento estaba en un barrio mixto, donde Ella hizo amigos fácilmente. Ella se consideraba más un "marimacho", y con frecuencia se unió en los juegos de barrio de béisbol. Deportes de lado, ella disfrutó bailando y cantando con sus amigos, y algunas noches tomaban el tren en Harlem a ver diversos actos en el Teatro Apolo.

Una mala racha

En 1932, Tempie murió a causa de lesiones graves que recibió en un accidente de coche. Ella se llevó la derrota muy dura. Después de quedarse con Joe por un corto tiempo, la hermana de Tempie Virginia tomó a Ella en su casa. Poco después Joe sufrió un ataque cardíaco y murió, y su pequeña hermana Frances se unió a ellos.

Incapaz de adaptarse a las nuevas circunstancias, Ella se hizo cada vez más infeliz y entró en un período difícil de su vida. Sus calificaciones bajaron drásticamente, faltando a clases. Después de meterse en problemas con la policía, fue detenida y enviada a un reformatorio. Vivir allí era aún más insoportable, ya que sufrió palizas a manos de sus cuidadores.

Eventualmente Ella escapó del reformatorio. A los 15 años de edad, se encontró a sí misma y  durante una Gran Depresión, y se esforzó para estar mejor.

Ella reflejó más tarde sus años más difíciles con un aprecio por la forma en que la ayudaron a madurar. Ella utilizó los recuerdos de esos tiempos para ayudar a reunir las emociones para las actuaciones, y sintió que estaba más agradecida por su éxito, porque sabía lo que era luchar en la vida.

¿Qué va a hacer?

En 1934 el nombre de Ella fue retirado en un sorteo semanal en el Apollo y ella ganó la oportunidad de competir en la Noche Amateur. Ella fue al teatro en la planificación de la noche a bailar, pero cuando las frenéticas Hermanas Edwards cerraron el espectáculo principal, Ella cambió de opinión. "They were the dancingest sisters around", dijo Ella, y sintió que su acto no sería nada comparado a ellas.

Una vez en el escenario, frente a los abucheos y murmullos de "¿Qué va a hacer?" de la multitud ruidosa, una Ella asustada y despeinada tomó la decisión de última hora de cantar. Pidió a la banda para tocar de Hoagy Carmichael "Judy", una canción que conocía bien porque la interpretación de Connee Boswell fue una de las favoritas de Tempie. Ella calmó rápidamente la audiencia, y por el final de la canción que exigían un bis. Ella aceptó y cantó la otra cara de Boswell Sister's record, "The Object of My Affections."

Fuera del escenario, y lejos de la gente que conocía bien, Ella era tímida y reservada. Ella era consciente de su apariencia, y por un tiempo, incluso dudaba de la medida de sus capacidades. En el escenario, sin embargo, Ella se sorprendió al descubrir que no tenía miedo. Se sentía como en casa siendo el centro de atención.

"Once up there, I felt the acceptance and love from my audience," dijo Ella. "I knew I wanted to sing before people the rest of my life."

En la banda esa noche fue el saxofonista y arreglista Benny Carter. Impresionado con su talento natural, comenzó la introducción de Ella a las personas que podrían ayudar a lanzar su carrera. En el proceso, Ella y Benny se hicieron amigo de toda la vida, trabajando a menudo juntos.

Impulsada por partidarios entusiastas, Ella comenzó a entrar - y ganar - cada show de talento que pudo encontrar. En enero de 1935 ganó la oportunidad de llevar a cabo durante una semana con la banda Bradshaw Tiny en la Ópera de Harlem. Fue allí donde Ella conoció al baterista y director de orquesta Chick Webb. Aunque su voz le impresionó, Chick ya había contratado un cantante masculino Charlie Linton para la banda. Le ofreció a Ella la oportunidad de probar con su banda  en la Universidad de Yale.

"If the kids like her," dijo Chick, "she stays."

A pesar de la multitud dura, Ella fue un gran éxito, y Chick la contrató para viajar con la banda por $ 12.50 a la semana.

Cosas de Jazz

A mediados de 1936, Ella hizo su primera grabación. "Love and Kisses" fue lanzado bajo el sello Decca, con un éxito moderado. En ese momento ella estaba actuando con la banda de Chick en la prestigiosa Savoy Ballroom de Harlem, que se refiere a menudo como "The World's Most Famous Ballroom."

Poco después, Ella comenzó a cantar una versión de la canción "(If You Can't Sing It) You Have to Swing It."Durante este tiempo, la era de las grandes bandas de swing estaba cambiando, y el foco estaba girando más hacia el bebop. Ella cantó el nuevo estilo, a menudo usando su voz para asumir el papel de otra trompeta en la banda. "You Have to Swing It" fue una de las primeras veces que ella comenzó a experimentar con Scat (estilo musical), y su improvisación y la vocalización emocionado a fans. A lo largo de su carrera, Ella podría dominar el Scat, convirtiéndolo en una forma de arte.

En 1938, a la edad de 21, Ella grabó una versión lúdica de la canción infantil, "A-Tisket, A-Tasket." El álbum vendió 1 millón de copias, alcanzó el número uno, y se quedó en las listas de éxitos durante 17 semanas. De repente, Ella Fitzgerald era famosa.

Al llegar a si misma

El 16 de junio de 1939, Ella lloraba la pérdida de su mentor Chick Webb. En su ausencia, la banda pasó a llamarse "Ella Fitzgerald and Her Famous Band," y ella empezó la abrumadora tarea de directora de orquesta.

Quizás en busca de estabilidad y protección, Ella se casó con Benny Kornegay, un trabajador portuario local que la había estado persiguiendo. Al enterarse de que Kornegay tenía antecedentes penales, Ella se dio cuenta de que la relación fue un error y tenía el matrimonio anulado.

Mientras estaba de gira con la banda de Dizzy Gillespie en 1946, Ella se enamoró de el bajista Ray Brown. Los dos se casaron y, finalmente, adoptó un hijo, a quien llamaron Ray Jr.

En ese momento, Ray estaba trabajando para el productor y gerente Norman Granz en el "Jazz en la Filarmónica" tour. Norman vio que Ella tenía lo necesario para ser una estrella internacional, y convencido de Ella de firmar con él. Fue el comienzo de una relación de negocios y amistad para toda la vida.

Bajo la dirección de Norman, Ella se unió a la gira de la Filarmónica, trabajó con Louis Armstrong en varios álbumes y comenzó a producir su serie cancionero infame. Desde 1956-1964, grabó portadas de álbumes de otros músicos, entre ellos los de Cole Porter, Duke Ellington, los Gershwin, Johnny Mercer, Irving Berlin, y Rodgers y Hart. La serie fue muy popular, tanto con los fans de Ella como con los artistas.

"I never knew how good our songs were until I heard Ella Fitzgerald sing them," Ira Gershwin dijo una vez.

Ella también comenzó a aparecer en programas de variedades de televisión. Rápidamente se convirtió en una invitada favorita y frecuente en numerosos programas, incluyendo "The Bing Crosby Show", "The Dinah Shore Show", "The Frank Sinatra Show", "The Ed Sullivan Show", "The Tonight Show", "The Nat King Cole Show "," The Andy Willams Show "y" The Dean Martin Show ".

Debido a un calendario de gira ocupado, Ella y Ray se encontraban a menudo fuera de casa, forzando el vínculo con su hijo. En última instancia, Ray Jr. y Ella se reconectaron, y remendaron su relación.

"All I can say is that she gave to me as much as she could," dijo Ray, Jr. , "and she loved me as much as she could."

Por desgracia, los horarios de trabajo ocupados también les duelen a Ray y el matrimonio de Ella. Los dos se divorciaron en 1952, pero se mantuvieron como buenos amigos por el resto de sus vidas.

La superación de la discriminación

En el circuito de giras era bien sabido que el gerente de Ella fué muy fuertemente sobre los derechos civiles, exigiendo la igualdad de trato para sus músicos, independientemente de su color. Norman se negó a aceptar cualquier tipo de discriminación en hoteles, restaurantes o salas de conciertos, incluso cuando viajaron al Deep South.

Una vez, mientras que en Dallas estaba de gira la Filarmónica, un escuadrón de la policía irritado por los principios de Norman irrumpió en el backstage para molestar a los artistas. Entraron en el camerino de Ella, donde miembros de la banda de Dizzy Gillespie e Illinois Jacquet estaban disparando los dados, y arrestaron a todos.

"They took us down," dijo Ella , "and then when we got there, they had the nerve to ask for an autograph."

Norman no fue el único dispuesto a ponerse de pie para Ella. Recibió el apoyo de numerosos fans de celebridades, incluyendo un celoso Marilyn Monroe.

"I owe Marilyn Monroe a real debt," dijo más tarde Ella. "Fue gracias a ella que toqué en el Mocambo, un club nocturno muy popular en los años 50. Ella llamó personalmente al propietario del Mocambo, y le dijo que quería que yo toque ahí, y que si él lo haría, ella cantaría cada noche Ella le dijo - y era verdad, debido a la condición de superestrella de Marilyn - que la prensa iba salvaje el propietario dijo que sí, y Marilyn estaba allí, cada noche, la prensa se fue por la borda después de eso.".

Reconocimiento mundial

Ella continuó trabajando tan duro como lo había hecho desde el principio de su carrera, a pesar de los efectos nocivos sobre su salud. Ella estuvo de gira por todo el mundo, a veces realizaba dos shows diarios en ciudades a cientos de millas de distancia. En 1974, Ella pasó unas legendarias dos semanas en Nueva York con Frank Sinatra y Count Basie. Cinco años después, la instalaron en la Down Beat magazine Hall of Fame, y recibió los honores de Kennedy Center por sus continuas contribuciones a las artes.

Fuera de las artes, Ella tuvo una profunda preocupación por el bienestar del niño. Aunque este aspecto de su vida rara vez publicitado, ella con frecuencia hizo generosas donaciones a organizaciones para jóvenes desfavorecidos, y la continuación de estas contribuciones era parte de la fuerza motriz que le impidió desaceleración. Además, cuando Frances murió, Ella sintió que tenía las responsabilidades adicionales de cuidar de la familia de su hermana.

En 1987, el presidente de Estados Unidos Ronald Reagan otorgó a Ella la Medalla Nacional de las Artes. Era uno de sus momentos más preciados. Francia hizo lo mismo varios años más tarde, la presentación de ella con su Comandante del premio Artes y las Letras, mientras que la Universidad de Yale, Dartmouth y varias otras universidades otorgaron a Ella doctorados honorarios.

El final de una era

En septiembre de 1986, Ella se sometió a una cirugía de bypass quíntuple coronaria. Los médicos también reemplazaron una válvula en su corazón y le diagnosticaron diabetes, que se culpaban por su mala vista. La prensa lleva a los rumores de que ella nunca sería capaz de cantar de nuevo, pero Ella demostró que estaban equivocados. A pesar de las protestas de los familiares y amigos, incluyendo Norman, Ella volvió a los escenarios y siguió adelante con una agenda exhaustiva.

Por la década de 1990, Ella había grabado más de 200 álbumes. En 1991, dio su último concierto en el famoso Carnegie Hall de Nueva York.

Como los efectos de su diabetes empeoró, de 76 años de edad, Ella experimentó problemas circulatorios graves y fue forzada a tener ambas piernas amputadas por debajo de las rodillas. Ella nunca se recuperó de la cirugía, y después, rara vez era capaz de realizar. Durante este tiempo, Ella disfrutaba sentada fuera en su patio trasero, y pasaba tiempo con Ray, Jr. y su nieta Alice.

"Sólo quiero oler el aire, escuchar a los pájaros y escuchar a Alice reír", dijo.

El 15 de junio de 1996, Ella Fitzgerald murió en su casa de Beverly Hills. Horas más tarde, los signos de recuerdo comenzaron a aparecer en todo el mundo. Una corona de flores blancas se puso de pie al lado de su estrella en el Hollywood Walk of Fame, y una carpa fuera del teatro de lectura Hollywood Bowl, "Ella, we will miss you."

Después de un servicio fúnebre privado, el tráfico en la autopista se detuvo para dejar al cortejo fúnebre pasar a través de la misma. Fue enterrada en el "Sanctuary of the Bells" sección de la puesta del sol Misión Mausoleo de Inglewood Park Cemetery en Inglewood, California.



Fuente: http://www.ellafitzgerald.com/about/index.html