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Mérola Producciones es una página Uruguaya dedicada de lleno a pensar y compartir la música. Aquí encontrarán un espacio de reflexión y creatividad, en el cual podrán disfrutar de informarse mientras escuchan temas grandiosos especialmente seleccionados y renovados cada semana. Todo el contenido compartido en el blog, youtube y facebook, es contenido que se encuentra público para descarga en la web. Muchas gracias por su preferencia y sobre todo, gracias por el interés en la música.

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jueves, 27 de agosto de 2015

Django Reinhardt


Django Reinhardt ha asombrado y emocionado a numerosas generaciones de guitarristas y los amantes del jazz con su increíble dominio de la guitarra. 24 de enero 1910 en Liberchies Bélgica, Django Reinhardt nació en el aire libre, el estilo de vida laberíntico de sus padres gitanos. A la edad de ocho años, junto a la la tribu de su madre, se instalaron cerca del cinturón de fortificaciones que rodeaban el viejo París, cerca de la puerta de Choisy. Estos gitanos franceses o Manouches eran un mundo en sí mismos, medievales en sus creencias, y desconfiados de la ciencia moderna. Django creció en este mundo de contradicciones, con un pie en la gran ciudad bulliciosa de París y el otro en la vida secular de la gitana nómada. Aunque nació en la pobreza Django tenía el alma de un hombre noble y esa elegancia natural de rodamiento y la actitud se expresaba en su música.






Fue a una edad temprana que Django se sintió atraído por la música. Cuando a los doce años recibió su primer instrumento, un banjo que le fue dado por un vecino que se había dado cuenta de su gran interés por la música. Rápidamente aprendió a tocar, imitando la digitación de los músicos que observaba. Fue pronto que algunos adultos se asombraron  con su habilidad en la guitarra, y antes de que él cumpliese los trece años de edad que comenzó su carrera musical tocando con el acordeonista populares Guerino en un salón de baile en la Rue Monge. Luego pasó a tocar con muchos otros grupos y músicos e hizo sus primeras grabaciones con el acordeonista Jean Vaissade para la Ideal Company. Como Django no sabía leer ni escribir en el momento "Jiango Renard" fue como su nombre apareció en estos registros.

El 02 de noviembre 1928 tuvo lugar un acontecimiento que cambiaría para siempre la vida de Django. A la una en punto de la mañana, el joven de 18 años Django regresó de una noche de música a un nuevo club "La Java" a la caravana que ahora era la casa de él y su nueva esposa. La caravana estaba llena de flores de celuloide que su esposa había hecho para vender en el mercado al día siguiente. Django al escuchar lo que él creía que era un ratón entre las flores se inclinó con una vela para mirar. La mecha de la vela cayó en las flores de celuloide altamente inflamables y la caravana se transformó casi al instante en un furioso infierno. Django se envolvió en una manta para protegerse de las llamas. De alguna manera, él y su esposa lograron salir del lugar, pero su mano izquierda y su derecha desde la rodilla hasta la cintura fueron altamente quemadas.

Inicialmente los doctores querían amputar su pierna, pero Django se negó. Fue trasladado a un hogar de ancianos donde la atención fue tan buena que la pierna se salvó. Django fue postrado en cama durante dieciocho meses. Durante este tiempo se le dio una guitarra, y con gran determinación Django crea un nuevo sistema de digitación (todo en torno a los dos dedos de su mano izquierda que tenían plena movilidad). Sus cuarto y quinto dedos de la mano izquierda se cerraron de forma permanente hacia la palma de la mano debido al encogimiento de los tendones producidos por el calor del fuego. Podía usarlos en las dos primeras cuerdas de la guitarra para los acordes y las octavas, pero la extensión completa de estos dedos era imposible. Su solos los hizo con el dedo índice y medio...



Django fue influenciado por las grabaciones de jazz de  Eddie Lang  y  Joe Venuti,  Louis Armstrong  y  Duke Ellington. Esta nueva música encontró un lugar profundo en el corazón de Django. Proporcionó el vehículo perfecto para su prodigioso talento para la improvisación. Django rara vez o nunca tocó un solo de la misma manera dos veces. Numerosas grabaciones demuestran que esto es cierto. Su genio creativo no sólo era la del improvisador maestro, sino también la del compositor, y puede ser acreditado con numerosas piezas con hermosas melodías y sofisticadas estructuras armónicas muy sutiles. Sin embargo, Django no podía leer ni escribir notación musical y estaba a merced de otros que pudieran tener  sus ideas sobre el papel.  1934 resultó ser el año más importante de su vida.  El Quinteto del Hot Club de Francia  nació ! Como el destino lo quiso,  el quinteto se formó por un encuentro casual de Django y Stéphane Grappelli. Una banda de catorce músicos como Django, Stéphane, Roger Chaput, y Louis Vola fueron comisionados para tocar en el Hotel Cambridge en la hora del té. Durante el intermedio Django encontraría un rincón detrás del escenario para tocar la guitarra. Stéphane y Django estaban tan contentos con el intercambio que tocaron juntos cada vez más frecuentemente acompañados por Roger Chaput (guitarra), Louis Vola (bajo), y, finalmente, el hermano de Django José (guitarra). Una compañía discográfica pequeña Ultraphone realizó sus primeras grabaciones :  Dinah, Tiger Rag,  Oh Lady Be Good, y I Saw Stars. Estos primeros registros causaron sensación! El Quinteto pasó a registrar cientos de otras y tenía muchos seguidores en ambos lados del océano.  1939 encontramos el  Quinteto  de gira en Inglaterra, cuando estalló la guerra. Django regresó a París, mientras que Stéphane permaneció en Inglaterra. Django tocó y grabó a lo largo de los años de la guerra sustituyendo el clarinete de Hubert Rostaing para violín de Stephen. De algún modo evitó el destino de muchos de sus parientes que fueron a la muerte en los campos de concentración nazis. Después de la guerra se reincorporó con Stéphane y volvió a tocar. Él recorrió brevemente con  Duke Ellington los Estados Unidos y regresó a París, donde ahí continuó su carrera hasta 1951 cuando se retiró al pequeño pueblo de Samois sur Seine.  El 16 de mayo 1953 Django sufrió una hemorragia cerebral masiva y murió, dejando atrás a su esposa Sophie e hijo Babik. Su música sigue siendo hoy en día vital y emocionante como lo era cuando vivía, un legado de alegría a todas las generaciones futuras que redescubrirán el genio del gitano belga Django Reinhardt.

Biography by Joseph Dinkins

Fuente:http://www.djangobirdland.com/history/

domingo, 23 de agosto de 2015

Doc Watson


Arthel Lane "Doc" Watson (3 marzo 1923 a 29 mayo 2012) fue un guitarrista, compositor y cantante de bluegrass, Folk, Country, Blues y Gospel. Watson ganó siete Grammys, así como un Grammy Lifetime Achievement Award. Sus habilidades de Flatpicking  y conocimiento de la música tradicional americana son muy apreciados. Actuó con su hijo, el guitarrista Merle Watson, por más de 15 años hasta la muerte de Merle en 1985 en un accidente en la granja familiar.







Primeros años 



Watson nació en Deep Gap, Carolina del Norte. Según Watson. se puso el apodo de "Doc", durante un programa de radio en vivo cuando el locutor comentó que su nombre de pila Arthel era extraño y que necesitaba un apodo fácil.

Una infección ocular lo llevó a perder su visión cuando tenía 1 año de edad. Él fue enseñado por sus padres a trabajar duro y cuidar de sí mismo. Asistió a The Governor Morehead School, en Raleig, Carolina del Norte, una escuela para discapacidad visual.

En una entrevista de radio en 1989 con Terry Gross en la Radio Pública Nacional, Watson explica cómo consiguió su primera guitarra. Su padre le dijo que si él y su hermano David talaban las maderas que rodeaban su campo, podrían venderla una curtiembre. Watson compró una guitarra Stella de Sears Roebuck  que valía 10 dolares con sus ganancias, mientras que su hermano compró un traje nuevo. Más tarde en esa misma entrevista, Watson explicó que su primera guitarra de alta calidad fue una Martin D-18.







Las principales influencias de Watson eran los músicos de country roots y grupos, como Carter Family y Jimmie Rodgers. La primera canción que aprendió a tocar en la guitarra fue "When Roses Bloom in Dixieland", registrada por la Carter Family en 1930. Watson declaró en una entrevista con  American SongwriteR que, "Jimmie Rodgers fue al primero que noombré como mi favorito  ". Watson demostró ser un talento musical natural y en cuestión de meses se realiza en las esquinas locales tocando canciones de los Delmore Brothers, Louvin Brothers, y Monroe Brothers junto a su hermano Linny. Cuando Watson llegó a la edad adulta, ya se había convertido en un guitarrista competente.


Carrera 



En 1953, Watson se unió a la Johnson City, junto a Jack Williams. Siguiendo el ejemplo de los guitarristas de Country como Grady Martin y Hank Garland, Watson aprendió a tocar melodías de violín en su guitarra eléctrica Les Paul. Más tarde se trasladó a la técnica de la guitarra acústica, y tocando melodías de violín se convirtió en parte de su sonido característico. Durante su tiempo con Jack Williams, Doc también ayudó a su familia trabajando en afinar pianos.

En 1960, como el renacimiento de la música popular americana creció, Watson tomó el consejo de la musicólogo Ralph Rinzler y comenzó a tocar la guitarra acústica y banjo exclusivamente.
Ese movimiento encendió la carrera de Watson cuando realizó en su primera grabación, Old Time Music at Clarence Ashley's. También es de importancia crucial para su carrera fue el 11 de febrero de 1961 cuando tuvo una aparición en PS 41 en Greenwich Village. Posteriormente, comenzó su carrera como solista y apareció en universidades y clubes como el Ash Grove en Los Ángeles. Watson finalmente consiguió una gran oportunidad junto a críticas muy favorables con su actuación en el famoso Festival de Folk de Newport en Newport, Rhode Island en 1963. Watson grabó su primer álbum en solitario en 1964 y comenzó a tocar con su hijo Merle, el mismo año.

Después que el renacimiento popular se desvaneció durante la década de 1960, la carrera de Watson fue sostenida por su performance de la canción de Jimmy Driftwood Tennessee Stud en el 1972 junto a la grabación del álbum en vivo Will the Circle Be Unbroken. Tan popular como siempre, Doc y Merle comenzaron a tocar como trío, con T. Michael Coleman en el bajo, en 1974. El trío recorrió el mundo durante la década de los setenta y principios de los ochenta, registró casi quince álbumes entre 1973 y 1985, llevando la música acústica a millones de nuevos fans. En 1985, Merle murió en un accidente de tractor en su finca familiar.


Hoy se encuentra una escultura de Doc Watson  en la esquina de las calles King y Depot en Boone, Carolina del Norte. La placa en el banco dice "Just One of the People".
Arlen Roth escribe: "... podemos atribuir un estilo completamente nuevo y toda una generación de artistas inspirados por Doc. Fue el primer guitarrista acústico rural de verdad, y el primero en sorprender a las audiencias urbanas a principios de 1960 con su deslumbrante y rápida técnica, y no ha dejado de ser un conductor en la fuerza creativa de la música acústica.




Watson tocó la guitarra tanto con la técnica de flatpicking como la de fingerpicking, pero es más conocido por su trabajo flatpick. Sus habilidades de guitarra, junto con su autenticidad como un mountain musician, hacen de él una figura muy influyente en el renacimiento de la música popular. Watson fue pionero en un rápido y llamativo bluegrass de guitarra solista incluyendo melodías de violín y técnicas de crosspicking  que fueron adoptadas y se extendían por Clarence White, Tony Rice y muchos otros. Watson también fue un gran tocador del banjo y, a veces también acompañado a sí mismo con la armónica. Conocido también por su distintiva y rica voz de barítono, Watson a lo largo de los años ha desarrollado un vasto repertorio de mountain ballads a través de la tradición oral de su zona de origen en Deep Gap, Carolina del Norte. Su actitud afable, humilde naturaleza y delicioso ingenio era aplaudido por sus fans casi tanto como su talento musical.

Watson tocó con la guitarra Martin modelo D-18 en sus primeras grabaciones. En 1968,  comenzó una relación con Gallagher Guitars cuando empezó a tocar con su modelo G-50. Su primera Gallagher, que Watson se refiere como "Old Hoss", está en exhibición en el Country Music Hall of Fame, en Nashville, Tennessee. En 1974, Gallagher creó un modelo personalizado G-50 que pretende comulir con las especificaciones preferidas de Watson, llevando el nombre de Doc Watson. En 1991, Gallagher personaliza una guitarra cutaway para Watson que tocó hasta su muerte y que se refirió como "Donald" en honor al propietario de la segunda generación de Gallagher, Don Gallagher. En los últimos años, Doc había estado jugando unA  Dana Bourgeois dreadnought dada a él por Ricky Skaggs por su cumpleaños 80 .

En 1986, Watson recibió el Premio de Carolina del Norte y en 1994 como Patrimonio Folclórico de Carolina del Norte. También en 1994, Watson se unió a los músicos Randy Scruggs y Earl Scruggs para contribuir con la clásica canción "Keep on the Sunny Side" para el álbum a beneficio del SIDA Red Hot + Country elaborado por la Red Hot Organization.


Vida posterior 



En 2000, Watson fue incluido en el Salón de Música Bluegrass Internacional de Honor en Owensboro, Kentucky. En 1997, Watson recibió la Medalla Nacional de las Artes del presidente de Estados Unidos Bill Clinton.En 2010, se le concedió un doctorado honorario en música de Berklee College of Music en Boston, Massachusetts.

En su vida posterior, Watson redujo su calendario de gira. Fué generalmente acompañado en el escenario por su nieto (hijo de Merle) Richard, así como los socios musicales de toda la vida David Holt o Jack Lawrence. En una ocasión, Watson fue acompañado por el guitarrista australiano Tommy Emmanuel en un concierto en el Bass Performance Hall en Fort Worth, Texas. Watson también tocó acompañado por Holt yRichard, en el Hardly Strictly Bluegrass Festival en San Francisco en 2009, como lo habían hecho varios años anteriores.

Watson realizó el  Merlefest festival de música que se celebra cada abril en Wilkes Community College en Wilkesboro, Carolina del Norte. El festival cuenta con una amplia gama de música de estilo acústico centrándose en el folk, bluegrass, blues y old-time music. Fue nombrado en honor de Merle Watson y es uno de los festivales de música acústicas más populares en el mundo, atrayendo a más de 70.000 aficionados a la música cada año. 

Watson fue incluido en el Music Hall de la Fama de Carolina del Norte en 2010. 


Vida personal y muerte 



En 1947, Doc se casó con Rosa Lee Carlton, la hija del violinista popular Gaither Carlton. Watson y Rosa Lee tuvierpm dos hijos - Eddy Merle (el nombre de las leyendas de la música country Eddy Arnold y Merle Travis) en 1949 y Nancy Ellen en 1951. 



Última actuación de Doc Watson.



El 29 de abril de 2012, Watson toca su última actuación con el Nashville Bluegrass Band en el escenario Creekside at Merlefest.

Watson murió el 29 de mayo de 2012 a Wake Forest Baptist Medical Center de complicaciones después de una cirugía de colon a la edad de 89. Está enterrado en el Merle y Doc Watson Memorial Cemetery, Deep Gap. Watauga County, Carolina del Norte con su esposa e hijo. 


Legado 



En 2002, el High Windy Audio lanzó un CD múltiple biográfico titulado Legacy. La colección cuenta con entrevistas en audio con Watson intercaladas con la música, así como una grabación completa de una presentación en vivo en el Diana Wortham Theatre en Asheville, Carolina del Norte. La colección ganó en el 2002 el Premio Grammy por el Mejor album Folk.

En 2010, Blooming Twig Books publicó una biografía completa de Doc Watson, escrito por Kent Gustavson. El libro, titulado Blind But Now I See: The Biography of Music Legend Doc Watson, da a conocer contenido nunca antes publicado respecto a la vida y la carrera de Watson, obtenida de las entrevistas con los amigos y colaboradores de Watson, entre ellos Norman Blake, Sam Bush, miembros de la familia de Seeger , Michelle Shocked y muchos otros. 

En abril de 2013, Open Records lanzó una colección de discos múltiples de grabaciones inéditas de Doc Watson. La colección, titulada Milestones, cuenta con 94 canciones, así como historias, recuerdos, y más de 500 fotografías. La colección fue creada por la hija de Watson Nancy y está siendo producido por ETSU Bluegrass y el profesor de ETSU Roy Andrade.

Fuente: https://en.wikipedia.org/wiki/Doc_Watson

sábado, 22 de agosto de 2015

Tony Rice



Tony Rice (nacido David Anthony Rice, 8 de junio de 1951, Danville, Virginia, Estados Unidos) es un guitarrista estadounidense. Es considerado uno de los guitarristas acústicos más influyentes de bluegrass, bluegrass progresivo, newgrass y jazz acústico.Fue incluido en el Salón Internacional de Música Bluegrass de la Fama en 2013.

Rice se extiende en la gama de la música acústica, desde bluegrass tradicional al jazz. A lo largo de su carrera, ha tocado junto a  J. D. Crowe and the New South, David Grisman (durante la formación de "Dawg Music"y Jerry García. Colaboró con Norman Blake, grabado con sus hermanos Wyatt, Ron, y Larry, y co-fundaron el Bluegrass Album Band. Ha grabado con tambores, piano, saxo soprano, así como con la instrumentación bluegrass tradicional. 



Primeros años 

Rice nació en Danville, Virginia, pero se crió en Los Angeles, California, donde fue introducido al bluegrass por su padre, un músico semiprofesional llamado Herb Rice. Tony y sus hermanos aprendieron los fundamentos del bluegrass y la música country, de los Kentucky Colonels, dirigidos por Roland y Clarence White. Clarence White, en particular, se convirtió en una enorme influencia sobre Tony Rice. En el camino se cruzó con entusiastas como Ry Cooder, Herb Pedersen y Chris Hillman que junto a Rice reforzaron la fuerza de la música que él había aprendido de su padre.

En 1970, Rice se había trasladado a Louisville, Kentucky, donde tocó con la Bluegrass Alliance, y poco después con J.D. Crowe's New South. El New South era conocido como uno de los mejores y más progresistas grupos de bluegrass - añadiendo finalmente tambores e instrumentos eléctricos ( para disgusto de Rice). Pero cuando Ricky Skaggs se unió en 1974, la banda grabó "JD Crowe y el New South", un álbum acústico que se convirtió en top-seller de Rounder hasta ese momento. En este punto, el grupo estaba formado por Rice en la guitarra y voz principal, Crowe en el banjo y voz, Jerry Douglas en Dobro, Skaggs en el violín, la mandolina, y voz de tenor, y Bobby Slone en el bajo y el violín.

David Grisman Quintet 





Alrededor de este tiempo, Rice se reunió con el mandolinista David Grisman, que tocó con Red Allen durante la década de 1960 y estaba trabajando en algún material original que mezclaba jazz, bluegrass y estilos clásicos. Rice dejó el Nuevo Sur y se mudó a California para unirse a grupo totalmente instrumental Grisman. Como parte de la David Grisman Quintet, a fin de ampliar sus horizontes, así como hacerse más comercial, Rice comenzó a estudiar la teoría de acordes, aprendió a leer las partituras y amplió el alcance de su toque más allá de su primer amor, el Bluegrass. El reconocido guitarrista John Carlini fue contratado para enseñar solfeo a Rice, y Carlini le ayudó a aprender los entresijos del jazz y la improvisación musical en general. 1977 la grabación de debut de David Grisman Quintet es considerado un hito de la música acústica.


Carrera en solitario y Bluegrass Album Band

En 1979, Rice dejó el grupo de Grisman para perseguir su propio estilo de música. Grabó, un disco acústico de jazz, y luego Manzanita una colección de voces e instrumentales, que no solo abarcaban el bluegrass, sino también el estilo folk. En 1980, Rice, Crowe, Bobby Hicks, Doyle Lawson y Todd Phillips formaron una coalición exitosa, atacando las normas bluegrass con el nombre del Bluegrass Album Band. Este grupo grabó 6 volúmenes desde 1.980 hasta 1.996.

La carrera en solitario de Rice llegó a su paso con Cold on the Shoulder, una colección de canciones de Bluegrass. Con este álbum, Native American y Me & My Guitar, Rice llegó a una fórmula que incorpora su influencias dispares, bluegrass que combina, la composición de canciones de artistas populares como Ian Tyson, Joni Mitchell, Phil Ochs, Tom Paxton, Bob Dylan y, especialmente, Gordon Lightfoot , con un jazz-inflected guitar work. Al mismo tiempo, prosiguió con el "spacegrass" experimental en los álbumes Mar West, Still Inside, y Backwaters. Rice desarrolló una afección en sus cuerdas vocales en la década de 1990 que le dificultaban a cantar.

Colaboraciones 

En 1980, grabó un álbum de duetos bluegrass junto a Ricky Skaggs, llamado Skaggs & Rice. Dos álbumes con el instrumentista y compositor tradicional Norman Blake, así como dos álbumes Rice Brothers (1992 y 1994) que contó con Larry Rice y sus hermanos menores, Wyatt y Ronnie.

En 1993, se unió a David Grisman y Jerry García, para grabar The Pizza Tapes. Luego, Rice y Grisman registraron poemas sinfónicos, una colección original de material, donde suenan mandolinas y guitarras vintage diferentes para cada pista.

En 1995, Rice registró su álbum folclórico con sólo dos guitarras junto a  John Carlini, quien también trabajó para David Grisman Quintet.

En 1997, Tony, su hermano Larry, Chris Hillman (miembro de los Byrds formación original) y el Banjo-man Herb Pedersen, fundaron el llamado  "anti-supergroup"  Rice, Rice, Hillman & Pedersen y produjo tres volúmenes entre 1997 y 2001.

Publicaciones 
La biografía autorizada de Tony Rice, titulado Still Inside: The Tony Rice Story, ha sido completada por Tim Stafford y la periodista hawaiana Caroline Wright, y fue publicado por Word of Mouth Press en Kingsport, Tennessee, Estados Unidos en 2010. El lanzamiento oficial del libro tuvo lugar en Merlefest en Carolina del Norte.


Introduccion del libro Still Inside: The Tony Rice Story





Él es uno de los más grandes guitarristas acústicos de todos los tiempos, sin embargo, es prácticamente desconocido fuera de la música bluegrass. Sus amigos más cercanos lo describen como cálido y amorosa persona, y luego hablan del desconcierto por su distanciamiento. Él es un semidiós distante en un género cuyo mayores estrellas son conocidos por su accesibilidad. Es un genio, un misterio ... una leyenda en su propio tiempo.

Tras una década de elaboración, Still Inside: The Tony Rice Story entrega cuentos de Tony en sus propias palabras inimitables, y en anécdotas y observaciones de sus amigos, familiares, fans y compañeros músicos.

El largo camino de Tony lo ha llevado de costa a costa y alrededor del mundo, a través de grabaciones históricas y las apariencias que a menudo se mueven profundamente a quienes los experimentan. Más de 100 personas fueron entrevistadas para este libro, compartiendo recuerdos de Tony y discutiendo su impacto indeleble en su propia música. Alison Krauss, JD Crowe, Sam Bush, Béla Fleck, Jerry Douglas, Ricky Skaggs, David Grisman, Emmylou Harris, Linda Ronstadt, Peter Rowan, y muchos otros contribuyen historias íntimas y observaciones francas de este hombre privado y enigmático.

A veces escandaloso, a menudo profundo, siempre honesto, Tony  comparte con franqueza recuerdos de su infancia serena y turbulenta ... sus primeros días como músico, la exploración de las posibilidades de la guitarra como instrumento principal ... sus aventuras revolucionarias como un nuevo pionero del jazz acústico ... sus años como vocalista de la música bluegrass contemporáneo... las grandes tragedias de su vida, incluyendo la pérdida de su voz extraordinaria ... y sus pensamientos acerca de su papel como uno de los estadistas más influyentes de la guitarra. 

En último capítulo, el co-autor del libro Tim Stafford-guitarrista acústico muy respetado en su propio derecho, da una idea de la técnica de Tony, el tiempo, la mano derecha, la elección de púas, y mucho más. 

También se incluye una discografía completa, una cronología detallada, una bibliografía de lecturas recomendadas, y más de 100 fotografías. Still Inside: The Tony Rice Story será la delicia de los fans del bluegrass, aficionados a la música de la guitarra, y cualquiera que ama una gran historia, contada en las palabras de aquellos que han vivido.

Fuente:
https://en.wikipedia.org/wiki/Tony_Rice
http://www.tonyricestory.com/

viernes, 21 de agosto de 2015

Tim Maia



Un verdadero carioca de Río de Janeiro, nació y se crió en el barrio de Tijuca, donde con un grupo de amigos cambiarían para siempre la cara de la música popular brasileña. Algunos de los miembros de este grupo fueron: Roberto Carlos, Erasmo Carlos y Jorge Ben Jor. Durante décadas, Tim recogió hits, ganó un lugar para sí mismo en los corazones del pueblo brasileño y garantizó su lugar como un ídolo eterno.

Su poderosa voz, su agudo sentido del ritmo y su carisma inigualable fueron los elementos que componen el estilo inconfundible del "supervisor" de Brasil, quien influyó en artistas como Roberto Carlos, Jorge Ben Jor, Marisa Monte, Jota Quest, Ivete Sangalo y a una gran legión de genios de la música brasileña. El padre de la música del alma brasileña vivió durante cinco años en los EE.UU., bebiendo directamente de la fuente, siendo influenciado por el Funk y el Soul. Una sobredosis de Motown. Fue elegido por la revista Rolling Stone Brasil como el noveno más grande artista de la música brasileña (Fuente: Rolling Stone Brasil)

Indomable, él fue el primer artista brasileño para ser completamente independiente de las grandes compañías discográficas. Para lograr la libertad artística completa y el control financiero de su trabajo, fundó la editorial seroma y la compañía de grabación Vitória Régia Discos.

Después de establecerse como un ejecutivo de éxito en la industria discográfica, continuó produciendo grandes éxitos hasta su muerte en 1998.

Tim Maia dejó un enorme legado que ha dejado una profunda huella en la historia de la música brasileña e internacional.






Fuente: http://www.timmaia.com.br/en/biography

viernes, 7 de agosto de 2015

Ron Carter



Ron Carter es uno de los contrabajistas más originales, prolíficos, e influyentes en el jazz. Con más de 2.000 álbumes en su haber, ha grabado con muchos de los grandes de la música: Tommy Flanagan, Gil Evans, Lena Horne, Bill Evans, BB King, el Kronos Quartet, Dexter Gordon, Wes Montgomery, y Bobby Timmons. A principios de 1960 se realizó en los Estados Unidos en las salas de conciertos y discotecas con Jaki Byard y Eric Dolphy.
Más tarde recorrió Europa con Cannonball Adderley. De 1963 a 1968, fue miembro del clásico y aclamado quinteto de Miles Davis. 






Fue nombrado excepcional bajista de la Década por el Detroit News, Jazz bajista del Año por la revista Downbeat y el Bajista Más Valioso de la Academia Nacional de las Artes y las Ciencias. En 1993 Ron Carter ganó un premio Grammy por Mejor Grupo de Jazz Instrumental, el Miles Davis Tribute Band y otro Grammy en 1998 por 'Sheet Blues', una composición instrumental de la película 'Round Midnight.
Además de anotar y organizar la música para muchas películas, incluyendo algunos proyectos para Public Broadcasting System, Carter ha compuesto música para A Gathering of Old Men, protagonizada por Lou Gosset Jr., The Passion of Beatrice dirigida por Bertrand Tavernier, y Blind Faith protagonizada por Courtney B. Vance. Carter comparte su experiencia en la serie de libros de su autoría, entre las que se están Building Jazz Bass Lines y The Music of Ron Carter; este último contiene 130 de sus composiciones publicadas y grabadas.
Carter obtuvo una licenciatura en música de la Escuela Eastman en Rochester y el grado de maestría en el contrabajo en la Escuela de Música de Manhattan en Nueva York. También ha recibido dos doctorados honoris causa, en el Conservatorio de Nueva Inglaterra de la Música y de la Escuela de Música de Manhattan, y fue el destinatario en el 2002 del prestigioso Premio de Hutchinson de la Eastman School de la Universidad de Rochester. Más recientemente, fue honrado por el ministro francés de Cultura, con el principal premio cultural de Francia - el medallón y el título de Comendador de la Orden de las Artes y las Letras, dado a los que se hayan distinguido en el campo de la creación artística o literaria y por su contribución a la difusión de las artes y las letras en Francia y en el mundo.
Carter ha dado conferencias y realizado clínicas y clases magistrales, instruyendo a grupos de jazz y enseñando el negocio de la música en numerosas universidades. Fue Director Artístico del Instituto Monk Thelonious de Estudios de Jazz mientras se encuentra en Boston y, después de 18 años en la facultad del Departamento de La City College de Nueva York de la música, que ahora es Profesor Distinguido aunque, como intérprete, él sigue siendo tan activo como siempre.

Frases respecto a Ron Carter:

“[Carter] is arguably the greatest bass player jazz has ever known.”      – Philadelphia Inquirer

“I’d like to know where all of his talent comes from. I’ve got to get me some of that!”     – Bill Cosby

“... the always innovative Carter pushes forward with a sound as fresh as ever.”     – USA Today

"Ron Carter is the greatest jazz bassist ever, with his unparalleled gift for creating bass lines."     – Bass Player Magazine


Fuente: http://roncarter.net/JazzMaster/about-jazz-bass-master-ron-carter/

domingo, 2 de agosto de 2015

Merle Travis



Un cantante y compositor de grandes proporciones y estilista de la guitarra de influencia monumental, Merle Travis también demostró ser adepto como actor, autor y hasta dibujante. Un estilista único, que era respetado y destacado lo suficiente como para tener el estilo instrumental, 'Travis picking,' que lleva su nombre. Como compositor, fue tan exitoso e influyente, siendo responsable de canciones clásicas como Sixteen Tons, Dark As A Dungeon, Divorce Me C.O.D. So Round, So Firm, So Fully Packed y Smoke! Smoke! Smoke!. Él también estaba muy bien considerado como un folclorista a través de sus álbumes conceptuales FOLK SONGS OF THE HILLS y SONGS OF THE COAL MINES. Se le atribuye la elaboración de la primera guitarra eléctrica de cuerpo sólido, un modelo, que, al ser perfeccionado por Leo Fender, se convertiría en un elemento clave en el rock and roll temprano. Junto con la reputación de ser uno de los mejores guitarristas de la música country, Travis también tenía una reputación por su comportamiento salvaje, sobre todo cuando bebía. Fue arrestado más de una vez por intoxicación pública y conducir ebrio en su motocicleta. En 1956 hubo un informe muy publicitado de la policía, rodearon su casa después de haber agredido a su esposa. Luego, durante la década de 1960, fue hospitalizado brevemente después de ser arrestado durante la conducción bajo la influencia de narcóticos. Merle Travis Robert nació el 29 de noviembre de 1917, en  Rosewood, en el condado de Muhlenberg, Kentucky. Su padre era un minero de carbón, y la familia era muy pobre. Su primer instrumento fue un banjo de cinco cuerdas, pero cuando él tenía doce años, su hermano mayor le regaló una guitarra casera. Él aprendió los fundamentos de su estilo de guitarra célebre de Mose Rager, tocando con un estilo único de tres dedos que había recogido del trabajador del ferrocarril negro, violinista y guitarrista Arnold Shultz. Un vecino cercano era Ike Everly, otro guitarrista local de dominio y más tarde el padre de Don y Phil, The Everly Brothers. Merle adaptó el finger-style a un grado de complejidad en un repertorio que incluye blues, ragtime y melodías populares. 





No fue suficiente para ganarse la vida, y él sobrevivió trabajando en el Cuerpo Civil de Conservación siendo adolescente. Durante su visita a su hermano en Evansville, Indiana, en 1935, se entretuvo en un local de baile, lo que resulta en miembros de bandas locales y la oportunidad de aparecer en una estación de radio local. En 1937, él era un miembro de los Clayton McMichen’s Georgia Wildcats, y un año después se había unido a The Drifting Pioneers, tocando regularmente en el programa de radio Boone County Jamboree de Cincinnati. Fue también en esta época cuando empezó a tocar con Grandpa Jones and The Delmore Brothers en un cuarteto de gospel llamado The Browns Ferry Four. Un poco más tarde se asoció con Jones como The Shepherd Brothers, y se convirtieron en el primer acto firmado a los King Records (recién fundadas en 1943). Tras su paso por la Infantería de Marina, Travis volvió a Cincinnati brevemente antes de mudarse a Los Angeles, donde comenzó haciendo apariciones en B-western movies y tocando conciertos con banda Western Swing de Ray Whitley. Él firmó con Capitol Records en 1946, entrando en el Top Ten de ese verano con No Vacancy y Cincinnati Lou. Fue en este tiempo que él armó una serie de discos conceptuales de 78 rpm, FOLK SONGS OF THE HILLS, que se destinan a dinero en efectivo en las grabaciones populares exitosas Burl Ives '. Lanzada en 1947, la serie no pudo hacer un impacto, aunque dos de las canciones, Dark As A Dungeon y Sixteen Tons, recibieron un poco más de interés en la radio, estando al aire por un tiempo limitado. Travis estaba disfrutando el éxito sin embargo. Además de la venta exitosa de  Smoke! Smoke! Smoke! de Tex Williams, que tenía media docena de los mejores diez registros a sí mismo, incluyendo Divorce Me C.O.D. y So Round, So Firm, So Fully Packed, que eran los dos grandes éxitos. Él no pudo llegar al éxito en la década de 1950, pero su carrera todavía estaba en tendencia al alza. Él era un habitual tanto en los programas de televisión Hometown Jamboree y Town Hall Party y en fiestas, y consiguió un papel protagonista en la película From Here To Eternity. Él lanzó una serie de registros instrumentales de guitarra influyente y llevó a cabo una gran cantidad de trabajo de sesión, en particular sobre Hank Thompson y grabaciones Tex Ritter. Él fue acreditado en el 1955 Hank Thompson hit de Wildwood Flower. Ese mismo año Tennessee Ernie Ford tenía un pop-country masivo con Sixteen Tons de Merle. Durante el resto de la década de 1950 y comienzos de 1960, los compañeros músicos como Chet Atkins, Scotty Moore, The Everly Brothers refieren a Travis como una gran influencia, pero pocos de la población en general nunca habían oído hablar de él. Finalmente, fue "descubierto" por el renacimiento popular urbano de la década de 1960, e hizo varias apariciones en festivales. Capitol Records reeditó varios de sus clásicos más viejos y por un tiempo se trasladó a Nashville. Él hizo algunas grabaciones con Joe Maphis y Johnny Bond (una brillante colección de Delmore Brothers Songs), e hizo un breve regreso a las listas de éxitos en 1966 con John Henry Jr. una pista de sus canciones aclamadas del álbum COAL MINES. En 1974 se reunió con Chet Atkins para la ATKINS-TRAVIS TRAVELLING SHOW, que ganó un Grammy a la Best Country Instrumental Performance. A lo largo de la década de 1970, después de haberse trasladado a Oklahoma, tocó en las fechas folclóricas de las universidades y emprendió grabaciones ocasionales para CMH Records y también haciendo un álbum tributo a Clayton McMichen con Mac Wiseman. En ese momento, se había establecido con su cuarta esposa, pero sus años de satisfacción iban a ser de corta duración, ya que sufrió un ataque cardíaco fatal el 20 de octubre de 1983. Su hijo, multi-instrumentista Thom Bresh, no ha dejado de mantener la música de su padre con vida. Tanto Doc Watson y Chet Atkins nombrados hijos después de él. 

Recommended Listening

Walkin' The Strings (Capitol 1960; reissued 1996)
Capitol Country Music Classics (Capitol 1992)
Folk Songs Of The Hills (Bear Family 1993)
Guitar Rags And A Too Fast Past (Bear Family 1995)
The best of Merle Travis: Sweet Temptation (Razor & Tie 2000)
Hot Pickin’ (Proper 2003)
The Very Best of Merle Travis (Varese Sarabande 2003)
Boogie Woogie Cowboy 1944-1956 (Country Routes 2003)
In Boston 1959 (Rounder 2003)


Fuente: http://www.alancackett.com/merle-travis-biography