El único hijo de Charles y Addie Parker, Charlie Parker fue uno de los saxofonistas más importantes e influyentes y músicos de jazz de la década de 1940. Cuando Parker era todavía un niño, su familia se trasladó a Kansas City, Missouri, donde el jazz, el blues y la música gospel fueron florecientes. Su primer contacto con la música vino de la escuela, donde tocó la trompeta barítona con la banda de la escuela. Cuando tenía 15 años, mostró un gran interés por la música y el amor por el saxofón alto. Pronto, Parker estaba tocando con bandas locales hasta 1935, cuando dejó la escuela para seguir una carrera musical. De 1935 a 1939, Parker trabajó en Kansas City con varios músicos de jazz y blues y bandas locales de la que desarrolló su arte. En 1939, Parker visitó Nueva York por primera vez, y se quedó por casi un año trabajando como músico profesional y, a menudo participando en jam sessions. El ambiente de Nueva York influyó mucho el estilo musical de Parker. En 1938, Parker se unió a la banda del pianista Jay McShann, con quien realizó una gira alrededor del suroeste de Chicago y Nueva York. Un año más tarde, Parker viajó a Chicago y fue un ejecutante regular en un club en la calle 55a. Parker pronto se trasladó a Nueva York. Lavando platos en un restaurant conoció al guitarrista Biddy Flota, el hombre que le enseñó acerca de la armonía instrumental. Poco después, Parker regresó a Kansas City para asistir al funeral de su padre. Una vez allí, se unió a los Rockets de Harlan Leonard y permaneció durante cinco meses. En 1939, se reincorporó Yardbird McShann .
Luego, en 1940, Parker hizo su primera grabación con la orquesta McShann. Durante los cuatro años que Parker se quedó con la banda de McShann, tuvo la oportunidad de actuar como solista en varias de sus grabaciones, como Hootie Blues, Sepian Bounce, y el hit de 1941 Confessing the Blues. En 1942, mientras estaba de gira con McShann, Parker realiza en sesiones de improvisación en Monroe y Playhouse de Minton en Harlem. Allí llamó la atención de artistas de jazz up-and-coming como Dizzy Gillespie y Thelonious Monk. Más tarde ese año, Parker rompió con McShann y se unió Earl Hines durante ocho meses. El año 1945 fue muy importante para Parker. Durante ese tiempo él llevó a su propio grupo en Nueva York y también trabajó con Gillespie en varios conjuntos. En diciembre, Parker y Gillespie llevaron su música a Hollywood en un tour nocturno de seis semanas. Parker continuó actuando en Los Ángeles hasta junio 1946, cuando sufrió una crisis nerviosa y fue confinado en un hospital estatal. Después de su lanzamiento en enero de 1947, Parker regresó a Nueva York y formó un quinteto que realizó algunas de sus más famosas canciones. De 1947 a 1951, Parker trabajó en una serie de clubes nocturnos, estudios de radio, y otros lugares que realizan en solitario o con el acompañamiento de otros músicos. Durante este tiempo, visitó Europa, donde fue aclamado por los fans devotos y realizó numerosas grabaciones. 05 de marzo 1955, fue el último compromiso público de Parker en el Birdland, un club nocturno de Nueva York, que fue nombrado en su honor. Murió una semana después en el apartamento de un amigo. Charles "Yardbird" Parker fue un saxofonista increíble que ganó un amplio reconocimiento por sus brillantes solos e improvisaciones innovadoras. Era, sin duda, uno de los músicos más influyentes y talentosos en la historia del jazz. Fuente: http://www.cmgww.com/music/parker/about/biography.html
Los
aficionados y admiradores se refieren a él, comúnmente y sin hipérbole, como
"el padrino del soul", "Soul Brother Número Uno" y "el
hombre más trabajador del mundo del espectáculo." Michel Jackson le cita
como "mi mayor inspiración." Y el crítico Robert Christgau, escribió
en la revista Rolling Stone como "el músico más grande de la era del rock".
Con unas
800 canciones en su repertorio, James Brown ha influido en artistas
contemporáneos de prácticamente todos los populares género de la música - rock,
soul, jazz, R & B. Su funk polirítmico prácticamente reformó la música de
baile, y su impacto en el hip-hop, en particular, era enorme; en los primeros
años de la música, Brown fue, por mucho, el artista más citado. A pesar de que
sería perseguido por problemas legales y controversia en la vida posterior, era
un artista de principios. También fue un showman inimitable, y la única cosa
más divertida que escuchar a James Brown era verlo en vivo.
Brown nació
en la pobreza en las zonas rurales de Barnwell, Carolina del Sur (algunos
registros dan su fecha de nacimiento como 1928, él afirma que fue 03 de mayo
1933), y se crió en Augusta, Georgia. Cuando era niño, él recogió algodón, lustró
zapatos, bailó por dinero en las calles de Augusta, y robó. Condenado por robo
a mano armada en el 16, pasó tres años en una institución de detención juvenil.
Mientras encarcelado, Brown conoció a Bobby Byrd, quien actuó con su grupo de
gospel de la familia en la institución. La familia de Byrd finalmente ayudó a obtener
la liberación de Brown tomando al joven y consiguiéndole un trabajo. Brown realizó
deporte semi-profesional, primero como un boxeador, y luego como un lanzador de
béisbol, pero una lesión en la pierna arruinó sus posibilidades de convertirse
en profesional.
Mientras
tanto, Byrd y Brown se habían reunido un grupo de gospel, que lleva a cabo bajo
una sucesión de nombres diferentes en el Monte Zion Baptist Church, en Toccoa,
Georgia, y en los auditorios de la zona. Byrd y Brown cantaron a dúo, con tres
o cuatro otros miembros cantando coros y armonías de fondo. Después de ver un
show de rock & roll con Hank Ballard y los Midnighters, Fats Domino, y
otros, Brown y Byrd dejaron atrásla música gospel, transformando el grupo
(Johnny Terry, Sylvester quillas, y Floyd Scott) en el grupo“The Flames”. Cada integrante cantó,
bailó y tocó un instrumento o dos - Brown era piano y batería. Byrd también tocó
los teclados y voces compartidas; permanecería al lado de Brown de vez en
cuando durante las próximas décadas, más de tres.
A partir de
una base en Macon, Georgia, The Flames habían estado recorriendo el Sur desde
hace dos años, cuando Ralph Bass, director de la Federal Records, firmó en
1956. Su primer single, "Please, Please, Please," un gran éxito en
Georgia y estados adyacentes, eventualmente vendieron un millón de copias. Las
versiones posteriores de la misma poseían el más áspero estilo R & B gospel-influenciado
haciendo de Brown una estrella regional hasta que "Try Me" se
convirtió en un éxito nacional en 1958, trazando el número uno en el R & B,
número 48 en el pop.
Para ese
tiempo, Brown se había convertido en el líder del grupo, que ahora se llama The
Famous Flames. Guiados por el director de Universal Attractions Ben Bart, Brown
creó el James Brown Revue, con actos de apertura, su maestro de ceremonias, y
una banda de escenario, The James Brown Band. El espectáculo fue coreografiado
precisamente, Brown, bombeando sus caderas, girando sobre un pie, y que ejecuta
sus propios pasos de baile que lo llevarían a ser una marca registrada. Noche
tras noche, iba a fingir un colapso y ser ayudado desde el escenario, sólo para
detenerse, deshacerse de la capa, y empezar todo de nuevo. A pesar de su
previsibilidad, el truco nunca perdió su poder. Transpiraba unas 7 libras por
noche, y rompiendo récords de taquilla en cada lugar negro importante en
América, Brown ganó el apodo de "Mr. Dynamite" y el título "El
hombre mas trabajador del mundo del espectáculo."
Como la
banda de Brown se convirtió en uno de los más reconocidas en el campo, Brown
quería mostrarlo en sus grabaciones. Federal, sin embargo, se negó a permitir
el uso de Brown en el estudio, por lo que dispuso a la banda que grabara para
otra empresa como Nat Kendrick and the Swans. El resultado instrumental "Mashed
Potatoes," convenció a la empresa matriz de Federal, Rey, para hacerse
cargo del contrato de Brown y firmar el James Brown Band.
En 1962,
Brown quiso lanzar un álbum en vivo, pero el dueño del sello Rey Syd Nathan se negó
a financiarlo, no viendo potencial comercial en el mismo. Así de Brown pagó por
él mismo, y Live at the Apollo, fue grabado en Harlem en 1962.
Los finales
de los 60 encontraron a James Brown como un héroe cultural "Soul Brother
Number One". Como un hombre negro de la riqueza, la independencia, y la
influencia, era un símbolo de la libre determinación y triunfo sobre el
racismo. Él tomó en serio esa responsabilidad. Canciones como "Say It Loud (I'm Black and
I'm Proud)," "Don't Be a Drop-Out," y "I Don't Want Nobody
to Give Me Nothing (Open Up the Door I'll Get It Myself)" contiene
mensajes sociales directos.
A finales
de 1969 Brown formó su banda Sixties, que incluyó al saxofonista Maceo Parker y
el trombonista Fred Wesley. Brown alistó instrumentistas jóvenes y motivados
que continuaron desarrollando el sonido que posteriormente se le llamaría funk.
La nueva banda, llamada la JBS, incluido hermanos William "Bootsy" y
Phelps "Bagre" Collins, cuyo distintivo era el bajo y la guitarra de
plomo, marcó el comienzo de un nuevo sonido en la música soul.
Los JBS
fueron dirigidos por Wesley, quien con Brown comenzó la creación de música que
era incluso menos formal que antes.
Brown había
estado manejando sus propios asuntos desde la muerte de su manager a finales de
los años sesenta, y en 1971 firmó con una compañía discográfica internacional,
Polydor.
Alrededor
de 1975 la popularidad de Brown comenzó a menguar. Debido a las dificultades
financieras, Brown se vio obligado a vender sus tres estaciones de radio negras
y su jet. El Servicio de Impuestos Internos afirmó que debía $ 4.5 millones en
impuestos atrasados. El hijo de Brown había muerto en un accidente
automovilístico en 1973; y su segundo matrimonio terminó. Pero a pesar de todo
Brown continuó trabajando.
En 1984
Brown se unió con el rapero Afrika Bambaataa en "Unity," lanzado en
el sello de rap de Nueva York Tommy Boy. En ese momento, su música había sido utilizada
como base virtual para ritmos de hip-hop; entre otros, Kool Moe Dee y Eric B.
& Rakim impactaron muestreando ritmos de Brown, y su grabación en 1969
"Funky Drummer" (con el baterista Clyde Stubblefield) comenzaron a
aparecer en las versiones en innumerables discos de rap y pop. Los raperos
también realizaban poses del personaje de Brown. Con Brown exaltado como
miembro fundador en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986, su renacimiento
fue reforzado por "Living in America", el tema principal de Rocky IV.
Grabado a petición del director Sylvester Stallone, el single (Número 4, 1986),
incluido en el álbum Gravity (con estrellas invitadas como Alison Moyet y Steve
Winwood), ganando un Grammy en 1987 por mejor trabajo en el estilo R & B.
En 1989 Brown (con el escritor Bruce Tucker) publicó una autobiografía, James
Brown: El Padrino del Soul.
En 1988,
sin embargo, la carrera de Brown volvió a descender. Cuando su cuarta esposa,
Adrienne, informó que era golpeada. Brown fue acusado de asalto con intento de
asesinato y asalto con agravantes. Se entregó en el Condado de Aiken, Carolina
del Sur a las autoridades cerca de su casa de 60 acres en mayo y fue puesto en
libertad bajo fianza. Luego siguió un extraño año de problemas legales durante
el cual Adrienne, después de que su propia detención por presunta posesión de
PCP, primero anunció que iba a solicitar la separación legal, y luego cedió y
también retiró los cargos de asalto. Adrienne fue detenida de nuevo por
posesión de PCP y acusada de incendio. En septiembre, ya que circularon rumores
acerca de su propio abuso de drogas y problemas con el IRS, Brown supuestamente
amenazó a un grupo de personas con una escopeta y luego se fugó dando lugar a
una persecución de coches interestatal con la policía que terminó en la
recepción de una sentencia de seis años en un programa de rehabilitación.
Puesto en
libertad condicional en 1991 después de cumplir dos años de su condena, Brown volvió
al trabajo.
Los finales
de los noventa fueron difíciles para Brown personalmente. Su esposa murió en
enero de 1996, dos días después de someterse a una cirugía estética. Dos años
más tarde, el cantante fue arrestado por posesión de drogas y armas de fuego.
Su último
álbum de estudio fue el siguiente paso en el año 2002. Al año siguiente fue
objeto de un documental de PBS American Masters, James Brown: Soul Survivor.
El día de
Navidad de ese año, Brown murió de insuficiencia cardíaca congestiva debido a
complicaciones de una neumonía. Él fue elogiado en todo el mundo. Su féretro
fue sacado por coche con caballos por las calles de Harlem, con una multitud de
10,000 personas, y Michael Jackson rindió homenaje en un evento público en
Augusta.
Se entrega con un nivel de pasión
y alma igual a la carga sonora legendaria de su guitarra, el sonido de Carlos
Santana es una de las más conocidas de firmas musicales del mundo. Durante más
de cuatro décadas desde los primeros días de Santana como un traje de fusión
afro-latinos-blues-rock innovador en San Francisco, Carlos ha sido la fuerza
visionaria detrás de arte que trasciende géneros musicales y los límites
generacionales, culturales y geográficas.
Mucho antes de que la
categoría que ahora se conoce como “world music”, el sonido en constante
evolución de Santana fue siempre por delante de su tiempo en su atractivo
universal, y en la actualidad se registra idealmente en sintonía con el paisaje cultural
del siglo 21. Y, con una dedicación a la divulgación humanitaria y de activismo
social que es paralelo a su relación de por vida con la música, Carlos Santana
es tanto un ciudadano del mundo ejemplar como un icono de la música mundial.
Santana incursionó en la música
de Bahía de San Francisco en 1960 con espectáculos históricos en el Fillmore y
otros lugares importantes. El grupo surgió en el escenario mundial con un sonar
épico en el festival de Woodstock en 1969, el mismo año que su debut del LP
Santana. Presentamos el primer Top 10 hit de Santana, "Evil Ways", el
disco se quedó en lista de álbumes de Billboard durante dos años y pronto fue
seguido por dos clásicos más : Abraxas y Santana III.
Desde entonces, durante más de
cuarenta años, Santana ha vendido más de 100 millones de discos y ha alcanzado
más de 100 millones de fans en los conciertos en todo el mundo. Hasta la fecha,
Santana ha ganado 10 Premios GRAMMY®, incluyendo un récord para “Sobrenatural”
de 1999 (incluyendo Álbum del Año y Disco del Año por "Smooth"), así
como tres Latin GRAMMY. En 1998, el grupo fue conducido a la sala Rock and Roll
of Fame, en cuyo sitio web publicaron: "El guitarrista Carlos Santana es uno
de los verdaderos virtuosos del rock y un ejemplo a seguir."
